GIUSEPPE DI STEFANO, TENOR, 24. JULI 1921

Die goldene Stimme von Giuseppe di Stefano, der von seinen Tenor-Nachfolgern wie Luciano Pavarotti und Jose Carreras so bewundert und verehrt wurde, wurde in dem kleinen Dorf Motte Sant'Anastasia am Stadtrand von Catania auf Sizilien geboren.

Als Giuseppe sechs Jahre alt war, zog seine Familie nach Mailand. Hier verbrachte er seine prägenden Jahre und während seiner Ausbildung an einem Jesuitenkolleg dachte er sogar eine kurze Zeit lang darüber nach, Priester zu werden.

Es war im Alter von 16 Jahren, als Giuseppe während eines Kartenspiels nach einer Niederlage spontan in Gesang ausbrach und sein Gegner meinte, er sollte seine Stimme trainieren. Es dauerte zwei Jahre, bis er ernsthaft mit dem Gesangstraining begann, aber seine beiden Lehrer, beide Baritone, Luigi Montesanto und Mariano Stabile, lehrten ihn, wie wichtig eine klare Diktion ist. Die Klarheit, auf die diese Lehrer Wert legten, wurde während seiner gesamten Karriere zum Markenzeichen von di Stefanos Gesang. Diese klare Diktion, kombiniert mit der schönen Süße der Stimme, seiner natürlichen Musikalität und einem großzügigen Interpretationsstil, sorgten dafür, dass di Stefano seine Fans begeisterte. Als Sänger wurde Di Stefano für seine hervorragende Diktion, sein einzigartiges Timbre, seine leidenschaftliche Darbietung und insbesondere für die Süße seines sanften Gesangs bewundert. Er galt als der natürliche Nachfolger von Beniamino Gigli, der in seiner Jugend Giuseppes Lieblingstenor war.

Das Schicksal griff erneut ein, als di Stefano während des Zweiten Weltkriegs zur Armee eingezogen wurde. Sein kommandierender Offizier bezeichnete ihn als den schlechtesten Soldaten aller Zeiten, erkannte jedoch den großen Sänger in ihm. Da er die Welt dieses großen Talents nicht berauben wollte, beschloss der Offizier, dass er seinem Land besser dienen würde, wenn er die Streitkräfte verließ und sang. Dieses Szenario war möglicherweise die Inspiration oder ähnelt zumindest dem in Mario Lanzas Film „Weil du mir gehörst“, in dem Lanza einem opernliebenden Armeekommandanten begegnet, der dem berühmten „Opernsoldaten“ hilft, zu singen, anstatt seine Ausbildung zu absolvieren, als er zur Armee eingezogen wird.
Während der Kriegsjahre trat di Stefano unter dem Namen Nino Florio auf. Nach der Niederlage Italiens konnte er in die Schweiz fliehen. Nach einer Zeit der Internierung durfte er schließlich bei Radio Lausanne auftreten. In einer Sendung aus Lausanne sang er den ersten von vielen Nemorinos in l'elisir d'amore. Seine Stimme war auch auf Aufnahmen mit Interpretationen seiner sizilianischen Heimatlieder zu hören, die Ende der 1940er Jahre die Aufmerksamkeit anspruchsvoller Ohren außerhalb Italiens erregten.

Sein offizielles Debüt gab er 1946 in Reggio Emilia als Des Grieux in Massenets Manon. Im folgenden Jahr wiederholte er die Rolle an der Oper von Rom. Ein wichtiger Plattenvertrag mit EMI stand bevor.

Im Jahr 1948 gab er als Herzog in „Rigoletto“ sein Debüt an der Metropolitan Opera und eroberte anschließend die Herzen des Met-Publikums mit seinem wunderschönen Ton, seiner Musikalität und seiner Ausgelassenheit in den Rollen des Faust, Alfredo, Nemorino, Des Grieux und später des Cavaradossi und Rodolfo.

Bei seinem Metropolitan-Debüt in Faust attackierte er das hohe C forte und wurde dann sanfter bis zum Pianissimo. Sir Rudolf Bing schrieb in seinen Memoiren: „Der spektakulärste Moment in meinem Beobachtungsjahr war, als ich sein Diminuendo auf dem hohen C in „Salut! demeure“ in Faust hörte: Ich werde mein Leben lang die Schönheit dieses Klangs nicht vergessen.“

Seine Aufnahme mit Maria Callas in der Tosca von 1953 unter der Leitung von Victor de Sabato gilt als Maßstab für die Interpretation. Die Live-Aufnahme von Lucia di Lammermoor aus dem Jahr 1955 in Berlin unter der Leitung von Herbert von Karajan zeigt beide Künstler auf dem Höhepunkt ihres Könnens.

Zwischen 1953 und 1957 wurden für EMI zehn komplette Opern mit Maria Callas aufgenommen. Die beiden waren das andere Dream-Team der Zeit, das es auf der Bühne, als Berühmtheit und bei den Plattenverkäufen mit Renate Tebaldi und Mario Del Monaco aufnehmen konnte.

Di Stefano hat sein Leben in vollen Zügen genossen. Wie in seinen Rollen hielt er seine Großzügigkeit, Warmherzigkeit und Lebensfreude nicht zurück. Man sagte ihm, er genoss die schönen Dinge des Lebens vielleicht ein bisschen zu sehr, und später verlor seine Stimme etwas von ihrer Pracht. Di Stefano bestand darauf, dass dies daran lag, dass seine Stimmbänder aufgrund einer Allergie gegen Kunstfasern beschädigt und entzündet waren.

In späteren Jahren lebte er in Kenia. Bei einem versuchten Raubüberfall wurde er von den Angreifern schwer verletzt, geschlagen und bewusstlos zurückgelassen, da er sich weigerte, die Medaille, die er um den Hals trug und die ihm Arturo Toscanini als Anerkennung für sein Talent geschenkt hatte, freizugeben.

„Er hat mich angebetet“, sagt der Tenor ohne eine Spur von Wichtigtuerei. „Seine angebliche Strenge war Unsinn. Er sagte mir einmal: ‚Ich werde dir folgen, aber du solltest besser gut singen.‘ Und das habe ich getan.“
Die Verletzungen erwiesen sich als weitaus schlimmer als ursprünglich angenommen. Trotz dreier Operationen, einer Verlegung nach Mailand und dem Aufwachen aus dem Koma erholte er sich nie wieder und starb drei Monate nach dem Angriff.
Damit wir uns von dieser schrecklichen Geschichte über das Ende eines solch großartigen Mannes und Sängers erholen und sie zerstreuen können, hinterlassen wir Ihnen hier ein paar Zitate des Mannes selbst aus dem LA Times-Interview mit Walter Price aus dem Jahr 1988.

Auf die Frage, welche Sänger er bewundert, lächelt er mit einem schelmischen Charme, der ihn in der Vergangenheit sicherlich schon in Schwierigkeiten gebracht hat, und antwortet: „Nur die Großen.“
Im selben Interview wurde er gefragt, ob er aufhören würde. Er antwortete: „Ich weiß es nicht. Ich habe Ihnen gesagt, dass ich nie Pläne gemacht habe. Del Monaco sagte mir einmal, er würde sich umbringen, wenn er nicht mehr singen könne. Ich sagte ihm, ich würde mich umbringen, wenn ich nicht aufhören könnte.“
Grazie, Giuseppe!

KIRSTEN FLAGSTAD, SOPRAN, 12. JULI 1895

Kirsten Flagstad wurde in Hamar, Norwegen geboren. Wie so viele herausragende Sänger wuchs sie in einer musikalisch begabten Familie auf und diese Sopranistin wurde tatsächlich als „Stimme des Jahrhunderts“ gefeiert. Sie wurde in Oslo von ihrem Vater Michael, einem Dirigenten, ihrer Mutter Maja, einer Pianistin, großgezogen und gefördert. Ihre Geschwister, die später Musiker wurden, waren ihre Brüder Ole, ein Dirigent, und Lasse, ein Pianist, und ihre Schwester Karen-Marie, ebenfalls eine Wagner-Sopranistin.
Flagstad debütierte 1913 als Nuri in Eugen d'Alberts Tiefland am Nationaltheater in Oslo. Frühe Aufnahmen ihrer Stimme wurden in diesem jungen Alter zwischen 1913 und 1915 gemacht.
Nachdem sie über ein Jahrzehnt lang Oper und Operette an der Opéra Comique gesungen hatte, die interessanterweise von Alexander Varnay, dem Vater einer anderen Wagner-Sopranistin, Astrid Varnay, mitgeleitet wurde, ist es auch erwähnenswert, dass Flagstad zu dieser Zeit Desdemona in Leo Slezaks Otello sang. Im Laufe ihrer Karriere tendierte sie zu den schwereren, dramatischeren Sopranrollen. Anscheinend war es die Rolle der Aïda, die das Potenzial freisetzte, letztendlich ihre wahre Berufung zu finden, als sie 1932 die Rolle der Isolde in Wagners Tristan und Isolde übernahm.
Die aus Skandinavien stammende Sopranistin Ellen Gulbranson machte Winifred Wagner auf Flagstads Stimme aufmerksam und engagierte Flagstad 1933 zunächst für kleinere Rollen in Bayreuth. In der folgenden Saison sang sie die Sieglinde in der Walküre und die Gutrune in der Götterdämmerung neben Frida Leider als Brünnhilde.
Ein Jahr später wurde sie bei einem Vorsingen sofort von der Metropolitan Opera in New York engagiert, die nach einem Ersatz für das gleiche Repertoire wie Frida Leider suchte. Ihr schlankes, jugendliches Aussehen war ein zusätzlicher Bonus zu ihren offensichtlichen stimmlichen Fähigkeiten und ihrem Talent.
Ihr Debüt an der Metropolitan war eine Sensation und fast über Nacht hatte sie sich als die herausragende Wagner-Sopranistin der Ära etabliert. Ihre manchmal drei oder vier Aufführungen pro Woche in der Anfangszeit an der Met waren Wochen im Voraus ausverkauft und Spenden aus ihren landesweiten Radioaufrufen während der Pause bei den Samstagsmatineen halfen der Metropolitan Opera, zu diesem Zeitpunkt vor dem drohenden Bankrott zu bewahren. 1935 sang sie die drei Brünnhilden im Ring-Zyklus für die San Francisco Opera. 1936 und 1937 sang sie die Wagner-Rollen Senta, Isolde und Brünnhilde in Covent Garden, wo sie den gleichen Ruhm und Respekt erlangte wie in New York
Trotz Ratschlägen von Freunden und Kollegen und sogar Bitten des ehemaligen Präsidenten Herbert Hoover kehrte sie 1941 in das von Deutschland besetzte Norwegen zurück, bevor die Vereinigten Staaten in den Zweiten Weltkrieg eintraten. Sie unternahm diesen Schritt, um wieder mit ihrem Ehemann vereint zu sein. Die Entscheidung wurde sicherlich dadurch erschwert, dass ihre 20-jährige Tochter mit einem Amerikaner verheiratet war und in Montana lebte.
Während dieser Zeit sang sie nur in den nicht besetzten Ländern Schweiz und Schweden. Doch die öffentliche Meinung schadete ihrem Ruf und sie fiel in Ungnade beim Publikum.
Nach der Wiedereröffnung im Jahr 1947 engagierte Covent Garden trotz finanzieller Schwierigkeiten Flagstad für vier aufeinanderfolgende Spielzeiten von 1948 bis 1952, wo sie ihre Wagner-Rollen, darunter Kundry und Sieglinde, sang.
In Amerika hatte sich die öffentliche Meinung ihr gegenüber nicht geändert. Der neue Direktor der Met, Rudolf Bing, wurde für seine Entscheidung, Flagstad für die Saison 1950-1951 erneut zu engagieren, scharf kritisiert: „Die größte Sopranistin dieses Jahrhunderts muss im größten Opernhaus der Welt singen“, entgegnete er.
Da sie bereits über fünfzig war und das Gefühl hatte, dass sie für die anspruchsvollen Wagner-Rollen nicht mehr die Ausdauer und Gesundheit von früher besaß, sollten diese Auftritte an der Met ihre letzten sein. Ihre Abschiedsvorstellung an der Met gab sie im April 1952, allerdings nicht als Wagner-Heldin, sondern in der Titelrolle von Glucks Alceste. Ihren letzten öffentlichen Auftritt in der Rolle von Purcells Dido aus Dido und Aeneas gab sie am 5. Juli 1953 in London.
Sie war 1952 Gast in der BBC-Radiosendung Desert Island Discs und erwählte Stricknadeln und Wolle zu ihren Luxusartikeln. Nicht unähnlich einer anderen Primadonna mit großartiger Stimme, Joan Sutherland, die sich hinter der Bühne mit Stickarbeiten beschäftigte.
Kirsten Flagstads umfangreicher Plattenkatalog und die bestehenden Live-Mitschnitte aus der Metropolitan gelten weiterhin als klassische Maßstäbe und zollen ihren größten Rollen Tribut, auch wenn einige ihrer beständigsten Aufnahmen erst nach ihrer Blütezeit aufgenommen wurden. Sie verewigte Richard Strauß' Vier Letzte Lieder, die Strauß selbst für ihre Uraufführung vorgesehen hatte, obwohl er nicht lange genug lebte, um die Aufführung zu erleben.
Das Plattenlabel Decca hatte vor, sie mit dem Mezzosopran-Repertoire Wagners aufzunehmen, mit beiden Fricka-Rollen in Das Rheingold und Die Götterdämmerung. Auch Brahms‘ Alt-Rhapsodie und Vier Ernste Lieder sollten aufgenommen werden, bevor sie 1962 starb, was den Respekt ihrer Plattenfirma für sie und die Qualität ihrer noch immer gleichbleibenden und außergewöhnlichen Stimme bezeugt.
In seinem Nachruf schrieb der Opernkritiker der New York Times, Harold C. Schonberg: „Diese Stimme! Wie soll man sie beschreiben?“ „Sie war gewaltig, klang aber nicht gewaltig, denn sie wirkte nie übertrieben oder fehl am Platz. Sie hatte eine ziemlich kühle, silbrige Qualität und wurde instrumental behandelt, fast so, als würde eine riesige Geige legato Phrasen von sich geben.“
Unglaublich, aber wahr: Flagstad sang die Rolle der Isolde von 1935 bis 1941 70 Mal auf der Bühne der Met und machte damit „Tristan und Isolde“ zu einem der größten Kassenschlager in der Geschichte der Metropolitan Opera.
(Neun dieser Aufführungen waren Samstagnachmittags-Radioübertragungen, nicht zitiert)

Das Kirsten Flagstad Museum in Hamar, Norwegen (https://kirsten-flagstad.no/en), beherbergt eine private Sammlung von Opernartefakten. Ihre Kostüme ziehen besondere Aufmerksamkeit auf sich und umfassen mehrere Beispiele, die aus den Archiven der Metropolitan Opera ausgeliehen wurden. Ihr Porträt erschien auf der norwegischen 100-Kronen-Note und auf dem Heckteil von Flugzeugen der Norwegian Air Shuttle.

Kirsten Flagstad malte ein Verkehrsflugzeug der Norwegian Air Shuttle.

LUISA TETRAZZINI, SOPRAN, 29. JUNI 1871

Luisa Tetrazzini

Die Koloratursopranistin Luisa Tetrazzini wurde an diesem Tag im Jahr 1871 in Florenz geboren. Weniger bekannt ist, dass sie zwei ältere Schwestern hatte, die ebenfalls Sopranistinnen waren, obwohl sie nicht so berühmt waren wie sie.

Nachdem sie zunächst bei ihrer neun Jahre älteren Schwester Eva studiert hatte, nahm sie anschließend Unterricht bei Evas Lehrer, Professor Ceccherini, am Instituto Musicale in Florenz.

Wie im Leben so vieler berühmter Sängerinnen kam ihr großer Durchbruch mit ihrem Operndebüt im Jahr 1890, als sie im Alter von nur 19 Jahren die Rolle der Primadonna in Meyerbeers „L’Africaine“ am Teatro Paglione in Florenz einnahm.

In ihrer Autobiografie „My Life in Song“ erinnert sie sich: „Die Bürgersteige vom Theater zu meinem Haus waren selbst zu dieser späten Stunde noch mit vielen Menschen gesäumt, und alle schienen mir Glückwünsche zuzurufen.“

Nur zwei Monate später wurde sie engagiert, um die Rolle in Rom für den König und die Königin von Italien zu wiederholen.

Der Tenor Giacomo Lauri Volpi beschrieb sie als „Frau mit einer schillernden Stimme, einem brillanten Timbre und einem Umfang und einer Beweglichkeit, die weit über das Normale hinausgehen …“ Ihre Stimme wurde als von „warmer, klarinettenartiger Schönheit“ beschrieben.

Es wurde jedoch behauptet, dass ihre Mittelstimme eher dünn und kindlich war (obwohl sie mit zunehmender Reife an Wärme zunahm). Dieser Aspekt ihrer Stimme gefiel einem anderen berühmten Tenor, John McCormack, nicht, der sie mit „dem Wehklagen eines mürrischen Kindes“ verglich. Dennoch hatte Tetrazzini selbst nur lobende Worte für McCormacks „Gott gegebene Gabe“ übrig und bemerkte großzügig: „Ich fand, dass seine reiche Stimme so gut zu meiner passte, dass ich ihn mit nach Amerika nahm, und er sang mit mir sowohl in New York als auch in den anderen großen Städten, als die Hammerstein Company auf Tournee ging.“

Später wurde geschrieben: „Tetrazzini besaß eine außergewöhnliche Gesangstechnik, die es ihr ermöglichte, jede stimmliche Herausforderung mit freudiger Leichtigkeit zu meistern. Sie beherrschte Läufe, Triller, Staccati und Stimmverzierungen aller Art vollkommen.“

Sie etablierte sich in Lateinamerika und Europa, wo sie in St. Petersburg ihre Lieblingsrolle in Donizettis Lucia di Lammermoor mit Enrico Caruso sang. Dies war der Beginn einer engen Freundschaft und später sogar einer Zusammenarbeit bei einem Buch über Gesangstechnik zwischen den beiden.

Dem englischen Opernpublikum war sie allerdings noch relativ unbekannt. Doch das sollte sich ändern, als sie die Gelegenheit bekam, Nellie Melba in der Rolle der Violetta in La Traviata in Covent Garden zu vertreten. Sie wurde zwanzig Mal vor den Vorhang gerufen und von EA Baugham in der Daily News mit Lob der Kritiker bedacht: „Ich glaube nicht, dass ich übertreibe, wenn ich sage, dass Mme Tetrazzini die Stimme des Jahrhunderts hat und sich sogar von den großen italienischen Sängerinnen, die wir kennen, abhebt …“

Ihr Superstar-Status stand unmittelbar bevor, als Kritiker sie mit ihrem Idol Adelina Patti verglichen. Patti, die der früheren Operngeneration entstammte, besuchte eine Aufführung und lud sie später zum Mittagessen ein. Die beiden Sopranistinnen wurden enge Freunde und Patti wurde oft dabei beobachtet, wie sie bei Tetrazzinis Aufführungen laut klatschte. Ebenso schrieb Tetrazzini über einen Brief, den sie von Patti erhalten hatte: „Lob von einem gemischten Publikum ist sehr erfreulich, nachdem man sein Bestes gegeben hat. Aber Lob, und solches Lob, von Patti ist weit mehr als die vorübergehende Freude über eine öffentliche Ovation.“

Es folgten Engagements in Amerika und Plattenverträge mit der Victor Recording Company hielten ihre Stimme zwischen 1904 und 1920 für die Nachwelt fest.

Ein sehr berühmtes Ereignis, für das sie bekannt ist, ist ihr Widerstand gegen Oscar Hammerstein, der sie an ihren Vertrag hielt, nicht in San Francisco zu singen. Hammerstein war ihr Agent, den sie für seinen Unternehmergeist und Geschäftssinn bewunderte. Sie rief aus: „Ich werde in San Francisco singen, und wenn ich dort auf der Straße singen muss, denn ich weiß, dass die Straßen von San Francisco frei sind.“ Mit dieser Erklärung gewann sie ihren Rechtsstreit und ihr neuer Agent WH Leahy verkündete, dass sie auf den Straßen von San Francisco singen würde. Und so bestieg Tetrazzini an einem klaren Weihnachtsabend im Jahr 1910 in einem strahlend weißen Kleid eine Bühnenplattform, umgeben von einer Menge von schätzungsweise zwei- bis dreihunderttausend Einwohnern von San Francisco, und brachte der Stadt, die sie liebte, ein Ständchen.

Neben diesem Vorgeschmack auf die Open-Air-Benefizauftritte des kommenden Megastars ist sie auch in der kulinarischen Welt in Erinnerung geblieben. Ob Truthahn oder Chicken Tetrazzini, das Gericht hat sich seinen Weg in die allgegenwärtige Liste der Lieblingsgerichte erarbeitet.

Nach dem Ersten Weltkrieg widmete sie sich vor allem Konzerten und Rezitalen. Tetrazzini war dreimal verheiratet und in Rechtsstreitigkeiten mit ihrem dritten Ehemann verwickelt, die ihren enormen Reichtum schmälerten. Dennoch war sie für ihre Großzügigkeit bekannt.

In ihrem Ruhestand unterrichtete sie sowohl in Rom als auch in Mailand und ihre Gesangstechnik war angeblich atemberaubend und blieb es bis zu ihrem Tod im Jahr 1940.

Folge Nummer fünf der Voice Detective Show mit Kevin Schwager, Chiropraktiker in Nelson Bay, Port Stephens, New South Wales, Australien

Kevin ist kein gewöhnlicher Chiropraktiker. Er verwendet viele therapeutische Methoden und Lebenskompetenzen, die er sich in seinen 37 Jahren Praxis angeeignet hat. Schon in jungen Jahren interessierte er sich für körperliche Fitness und Gesundheit. Er wuchs in der Nähe eines der Strände im Süden Sydneys auf und Surfen und Bodysurfen wurden zu seiner lebenslangen Leidenschaft, ebenso wie andere Wettkampfsportarten, bei denen er seine persönlichen Bestleistungen messen konnte.

Vor diesem Hintergrund ist es keine Überraschung, dass er in eine lange Familientradition als Chiropraktiker eintrat, ein Beruf, den auch seine Tochter heute weiterführt.

Kevin war in allem, was er sich vornahm, hervorragend. Er brachte sich selbst das Schnelllesen bei und wurde zu einem unersättlichen Leser. Er gibt zu, dass er besonders von den Lehren von Dr. John Demartini und der Fähigkeit des Geistes, die Wünsche des Herzens zu erfüllen, beeinflusst wurde.
  
Kevin glaubt an die Fähigkeit, Widrigkeiten mit unseren natürlichen, angeborenen Fähigkeiten und der Heilungsfähigkeit des Körpers zu überwinden. Von Anfang an betrachtet er seine Patienten immer als ganz und gesund und nutzt seine Fähigkeiten in der Kinesiologie, um die verborgenen Heilungspfade zu finden und die Fähigkeit des Patienten freizusetzen, selbst mit dieser Ganzheit in Kontakt zu treten. Er ist sich sehr bewusst, wie gewaltfreie Kommunikation mit anderen und mit uns selbst, kombiniert mit der Kraft eines positiven Gedankens, unser tägliches Leben prägen wird. Diese Einstellungen sind zum Fundament seiner spirituellen Praktiken geworden.

Auf seinem eigenen Heilungsweg hat Kevin Freundschaften mit Aborigine-Ältesten geschlossen und war ein bescheidener Schüler der alten Wege und Praktiken der Traumzeit. Er beteiligt sich aktiv an der Weitergabe des Wissens oder Lernens an jüngere Generationen in Form von Mentoring und Unterricht.

Die Betreuung der jüngeren Generationen liegt Kevin am Herzen, da er mit Straßenkindern und im australischen Outback gearbeitet hat, wo diese Hilfe am dringendsten benötigt wird und nur am Rande vorhanden ist.

Heute verbringt er seine Zeit mit seiner jungen Familie und leitet gemeinsam mit seiner Lebensgefährtin Maree Frawley, die selbst eine ausgebildete Yoga-Meisterin, Lehrerin, Autorin und inspirierende Trainerin ist, die florierende Praxis Nelson Bay Chiropractic and Yoga in NSW, Australien.

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JOHN MCCORMACK, TENOR, 14. JUNI 1884

John McCormack

Hätte ein Sänger in seinem Leben jemals so viele Auszeichnungen, Titel und Ruhm erhalten können? Vielleicht war es Beniamino Gigli …

John McCormacks Leben war von Anfang an von Ruhm und Reichtum geprägt. Geboren wurde er in Westmeath, County Athlone in Irland. Seine musikalischen Neigungen wurden durch das Singen im Kirchenchor und zweifellos auch durch seine schottischen Eltern gefördert, die übrigens über hervorragende Gesangsstimmen verfügten.

Später, als die Familie nach Dublin zog, trat er dem Chor der St. Mary's Pro Cathedral bei. Dort wurde sein Talent vom Chorleiter und Komponisten Vincent O'Brien erkannt.

Ein Jahr nach seiner Ausbildung gewann er für seinen Gesang die begehrte Medaille Feis Ceoil. Im folgenden Jahr ermutigte er seinen Freund, ebenfalls Tenor und später selbst berühmt geworden, den Autor James Joyce, am Gesangswettbewerb teilzunehmen. Joyce belegte den 3. Platz. Man fragt sich, welchen Karriereweg Joyce wohl eingeschlagen hätte, wenn er gewonnen hätte!

Spendenaktionen ermöglichten ihm eine Ausbildung bei Vincenzo Sabatini in Mailand. Sabatini fand seine Stimme überhaupt nicht mangelhaft und konzentrierte sich darauf, ihm eine Atemtechnik beizubringen, die zu einem Markenzeichen von McCormacks Gesang werden sollte. Berühmt für seine außergewöhnliche Atemkontrolle, konnte er in Mozarts „Il mio tesoro“ aus Don Giovanni 64 Noten mit einem Atemzug singen, und sein Gesang von Stücken von Händel war in dieser bemerkenswerten Fähigkeit ebenso beeindruckend.

Sein Operndebüt gab er 1906 unter dem Namen Giovanni Foli in Mascagnis L'amico Fritz. Es folgten Engagements in Amerika und auf dem Höhepunkt seiner Karriere tourte er als Startenor für die Saison der Melba Grand Opera 1911 durch Australien. Von 1908 bis 1914 trat er regelmäßig in Covent Garden mit NELLIE MELBA oder LUISA TETRAZZINI auf.

Ab 1912 richtete sich sein Interesse immer mehr auf konzertante Auftritte, bei denen er seine Stimme den Massen näherbrachte – und die Massen verehrten ihn.

Nach Enrico Caruso wurde er der beliebteste „Red Seal“-Künstler der Victor Talking Machine Company. Apropos Caruso: Nachdem er Carusos Auftritt als Rodolfo in La Bohème in der ersten Reihe im Covent Garden gehört hatte, sagte McCormack: „Das war die beste Lektion, die ich bis dahin je erhalten hatte, und ein unbeschreiblicher Ansporn. Der Klang von Carusos Stimme an diesem Abend blieb mir monatelang in den Ohren.“

Oder, wie aus einem anderen Bericht hervorgeht: „Er kam auf die Idee, sich diese Ausbildung anzueignen, als er 1904 in Covent Garden einen Caruso hörte. McCormack war damals zwanzig und stand am Anfang seiner Karriere als professioneller Sänger. ‚Ich werde nie ruhen‘, sagte er nach diesem Auftritt zu einem Freund. Ich werde arbeiten und trainieren und beten, und eines Tages werden zwei Männer so singen. Caruso und ich.“

Zwei Jahre später sang er selbst in London und wurde der jüngste führende Tenor des Covent Garden in Mascagnis Cavalleria Rusticana.

Er erhielt weiterhin Lob, während sein Stern unaufhaltsam aufstieg. Der berühmte Geiger Jan Kubelik machte ihm eines der größten Komplimente, nachdem er ihn in Prag gehört hatte: „Dieser Mann muss eine Stradivari im Hals haben.“

Vielleicht, weil ihm die schauspielerische Seite der Opernaufführung nicht so gefiel, oder weil er erkannte, dass er mit seiner Stimme mehr Menschen erreichen und mehr Geld verdienen konnte, wenn er mit Leuten wie Fritz Kreisler auftrat, entschied er sich für Konzertauftritte und die Karriere als Popmusiker. Während der Katastrophe des Ersten Weltkriegs im Jahr 1917 beschloss er außerdem, amerikanischer Staatsbürger zu werden. McCormacks Biograf Gordon Ledbetter glaubt, dass der Tenor der letzte Sänger war, der so unterschiedliche Stile erfolgreich zusammenbrachte.

Ein anderer Biograf, der versuchte, dem zeitgenössischen Publikum McCormacks große Fangemeinde zu vermitteln, sagte, er sei wie Pavarotti, Madonna und Johnny Carson in einer Person!

Seine Hits aus Kriegszeiten fanden bei der irischen Bevölkerung in Amerika großen Anklang, da sie sowohl auf Irland als auch auf die Vereinigten Staaten stolz sein konnten. McCormack wurde ein Radio-Megastar und spendete großzügig für die US-Kriegsanstrengungen und katholische Wohltätigkeitsorganisationen.

Zu seinen Hits aus dieser Zeit zählten unter anderem „It’s a Long Way to Tipperary“, „Mother MacCree“ und der Hollywoodfilm „Song o’My Heart“, für den er eine halbe Million Dollar dafür bekam, elf Lieder für den Soundtrack zu singen.

Er wurde ein sehr reicher Mann und allen Berichten zufolge genoss er seinen Reichtum in vollen Zügen und gab der Öffentlichkeit in Form zahlreicher Benefizkonzerte und Spenden etwas zurück.

Nicht viele Opernsänger werden zu päpstlichen Grafen – nicht so John Count McCormack, wie auf seinem Grabstein in seinem Geburtsland Irland eingraviert ist. Früher in seinem Leben wurde er zusätzlich zum Malteserritter dreimal zum päpstlichen Ritter ernannt. Er starb im Alter von 61 Jahren an einer Lungenentzündung, sieben Jahre nach seinem Abschiedskonzert in der Royal Albert Hall. Trotz des Abschiedskonzerts im Jahr 1938, während des Zweiten Weltkriegs, kam er aus dem Ruhestand zurück, um das Rote Kreuz zu unterstützen.

ROBERTO ALAGNA, TENOR, 7. JUNI 1963

„Ich habe nie besonders an Astrologie geglaubt, aber Experten haben immer behauptet, dass ich alle Eigenschaften eines Zwillings habe: sehr gesellig, aber auch sehr anpassungsfähig. Es war also von Geburt an vorherbestimmt, dass ich zu allen Wendungen und Rollen fähig sein würde!“

„Ich habe mich besonders für die Astrologie interessiert, aber die Spezialisten, die mir täglich zur Seite stehen, bestätigen, dass ich alle Eigenschaften von Edelsteinen habe: sehr kontaktfreudig und auch sehr anpassungsfähig.“ Ich habe meine Geburt nicht bestätigt, weil ich in der Lage bin, alle Revanchen und Rollen zu übernehmen!

Das Singen liegt dem französisch-sizilianischen Tenor Roberto Alagna im Blut. Sein berühmter Urgroßvater mütterlicherseits, Jimmy, sang für den großen Enrico Caruso, als der Maestro eines Tages zufällig in seinem Brieftaschenladen in New York City, USA, vorbeischaute, und Enrico war so beeindruckt, dass er Jimmy vorschlug, für den Chor der Metropolitan Opera vorzusingen! Was für ein Kompliment! (Obwohl Jimmy den Vorschlag des Maestros – oder des „Commendatore“, „des Kommandanten“, wie Jimmy ihn liebevoll nannte – ablehnte, da er sich lieber auf sein Geschäft konzentrieren wollte.)

Robertos Gesangsmentor Rafael Ruiz war ein direkter Schüler des legendären italienischen Tenors Aureliano Pertile (1885-1952). Diese Tatsache erregte die Aufmerksamkeit von Luciano Pavarotti, als Roberto ihn bei einer Schallplattensignierstunde im Pariser Kaufhaus Printemps traf. Ein Jahr später wurde Roberto, ohne es zu wissen, zu einem Vorsingen in der ersten Runde des Internationalen Pavarotti-Gesangswettbewerbs im italienischen Pesaro eingeladen, dem Geburtsort des legendären Komponisten des 19. Jahrhunderts Gioachino Rossini (1792-1868). Er sang für Luciano sein Glückslied „La Danza“ von Rossini und dachte, er sei disqualifiziert, weil Luciano ihm nicht erlaubte, wie alle anderen Teilnehmer, ein zweites Stück für ihn zu singen. Im Gegenteil, Luciano war von seiner Stimme begeistert und qualifizierte sich für die nächste Runde. Tatsächlich erzählte Saimir Pirgu, ein albanischer Tenor, der bei Luciano studierte, Roberto Jahre später etwas, das er nicht über Luciano wusste: „Jedes Mal, wenn wir bei Luciano Unterricht hatten, sprach er nur von einem Tenor, Roberto, und er sagte: ‚Hier, nimm diese LP und sing so.‘“

Nach dem Gewinn des Pavarotti International Voice Competition 1988 in Philadelphia – der Heimatstadt von Mario Lanza – erlebte Robertos Karriere einen steilen Aufstieg.

Sein Debüt gab er mit der Glyndebourne Touring Company in der Rolle des Alfred Germont in Verdis La Traviata. Ab 1990 hat er eine Reihe wichtiger Rollen an den führenden Opernhäusern gespielt: La Scala, Covent Garden und der New York Metropolitan.

1995 gewann er einen Olivier Award für seine Darstellung des Roméo in Gounods Roméo et Juliette, die für ihre Diktion und feinen Nuancen ausgezeichnet wurde und einen Wendepunkt in seiner Karriere darstellte, der ihm seinen Platz unter den Großen des französischen Repertoires sicherte. Alagna hat sich auch lange vernachlässigten Repertoires zugewandt und sich von seinen Anfängen als lyrischer Tenor mit zunehmender Reife seiner Stimme an schwerere Spinto-Rollen wie Samson in Samson et Dalia, Canio in I Pagliacci, Mauricio in Adriana Lecouvreur und Des Grieux in Manon Lescaut gewagt.

Roberto ist für seine charismatische Bühnenpräsenz bekannt und hat durch seine Aufnahmen in einer Vielzahl unterschiedlicher Musikgenres sowie durch seine Auftritte in Filmen und Musikvideos große Popularität erlangt. Sein 2008 veröffentlichtes Album „Sicilian“ war ein großer Erfolg und erreichte mit über 350.000 verkauften Exemplaren das breite Publikum.

Roberto Alagna wurde 2008 zum Chevalier de la légion d'honneur ernannt.

Herzlichen Glückwunsch zum Geburtstag, Roberto! Wir wünschen dir Glück, Gesundheit und Erfolg! Vielen Dank für deine Bereitschaft und Entschlossenheit, deinem Publikum auf der ganzen Welt weiterhin Freude zu bereiten!

Joyeux-Jubiläum Roberto! Wir wünschen Ihnen Glück, Gesundheit und Erfolg! Merci für Ihre freiwillige und begeisterte Fortsetzung der Freude an Ihrem Publikum auf der ganzen Welt!

GEORGE LONDON, BASSBARITON, 30. MAI 1920

George London wurde in Montreal als Sohn russischer Emigranten geboren und wuchs in Los Angeles auf. Er besaß eine dunkle und resonante Bassbariton-Stimme mit einem leicht durchdringenden oberen Register, das er meisterhaft von den feinsten Pianissimi bis zu den lautesten Fortes einsetzte. Er war auch für seine imposante Bühnenpräsenz und die hervorragende Darstellung seiner Rollen bekannt.

Ein interessanter Aspekt seiner Karriere ist, dass er, bevor er internationale Anerkennung erlangte, in den Jahren 1947-48 als Mitglied des Bel Canto Trios mit Mario Lanza und Francis Yeend auftrat (1).

Schon bald nach seiner Zeit am Trio kam seine internationale Karriere in Schwung, beginnend mit seinem Debüt in Wien 1949 (2). 1951 folgte ein Debüt bei den Bayreuther Festspielen als Amfortas im Parsifal, woraufhin er in weiteren Spielzeiten diese Rolle und die Titelrolle des Fliegenden Holländers zu hören bekam.

An der Metropolitan Opera in New York sang er über 270 Vorstellungen und wurde zu einem der berühmtesten Vertreter der fünf charakteristischen Bassbaritonrollen Don Giovanni, Amfortas, Wotan, Scarpia und Boris Godunow. Es war keine Kleinigkeit und ein Beweis für seine Gesangskunst, dass ihm 1960 auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges die Ehre zuteil wurde, als erster nicht-russischer Sänger die Titelrolle des Boris Godunow am Bolschoi-Theater zu singen (3). Ganz einfach, er war in der Lage, alle Gesangsstile von Mozart über die französische Romantik und Moderne bis hin zu Verdi, Wagner, Mahler und Richard Strauß zu umfassen, sowie viele Aufführungen von Broadway-Stücken und amerikanischen Liedern und Liedern.

Sowohl die Beatles als auch Maria Callas verdankten ihre Bekanntheit einem größeren Publikum durch ihre Auftritte in der Ed Sullivan Show. Am 25. November 1956 gab Maria Callas ihr nationales Fernsehdebüt als Floria Tosca in einem gekürzten 2. Akt von Puccinis Tosca. Weniger Menschen erinnern sich daran, dass es George Londons Baron Scarpia war, der sich mit seinem stimmlichen Können und seiner Bühnenpräsenz als perfekter Gegenpart zu Callas erwies (4).

Auf einer weiteren klassischen Londoner Aufnahme singt er den Baron Scarpia in Puccinis Tosca, zusammen mit der anderen führenden Primadonna der Zeit, Renate Tebaldi, und Mario del Monaco, um das mit Stars gespickte Team zu komplettieren.

Aus gesundheitlichen Gründen gelang es ihm zwar nie, die Rolle des Hans Sachs in den „Meistersingern von Nürnberg“ zu übernehmen, dennoch existieren Aufnahmen von Sachs‘ Monologen aus Konzertauftritten und eine private Aufnahme seiner Darstellung des Wotan im „Rheingold“, die er als Teil des gesamten Kölner Ring-Zyklus aufführte.

Leider musste sich George London auf dem Höhepunkt seiner Karriere von der Bühne zurückziehen, da seine Stimme aufgrund einer Stimmbandlähmung nachließ. Die Behandlungen erwiesen sich als unzureichend, um seiner Stimme ihre frühere Kraft zurückzugeben, und so lehnte er als vollendeter Künstler weitere Engagements ab.

Später wurde er künstlerischer Leiter des Kennedy Center in Washington und Generaldirektor der Opera Society of Washington.

Er und seine Frau gründeten die George and Nora London Foundation for Singers, in deren Rahmen jährlich ein Gesangswettbewerb für junge kanadische und amerikanische Sänger stattfindet, bei dem fünf der 15 Finalisten 12.000 TP11T und die restlichen 10 12.000 TP11T als Förderpreis erhalten.

Folge Nummer vier der Voice Detective Show mit Salvatore Emanuele Samperi, lyrischer Tenor und Vincenzo Bellini und Bel Canto-Spezialist

Die dreißigjährige künstlerische Tätigkeit des Tenors Salvatore Emanuele Samperi beginnt in seiner Geburtsstadt Catania. Er begann sein Gesangsstudium bei Claudia Parada, dann bei dem Lehrer Tito Capobianco (Juliard School in New York), Maestro Meinard Kraak, und schließlich verfeinerte er die Kunst des
„Belcanto“ mit dem Tenor William Matteuzzi.

Er war Finalist beim ersten internationalen Giuseppe di Stefano-Wettbewerb für junge Opernsänger in Trapani auf Sizilien. Dort wurde er von Giuseppe Di Stefano selbst für seine stimmliche Schönheit und seinen Interpretationsstil gelobt.

Salvatore Samperi trat als Solist in mehreren Opernproduktionen in Italien und im Ausland auf und sang neben international bekannten Künstlern wie Angela Gheorghiu und Rolando Panerai.

Er hat für die Toscanini Foundation in Parma, das Galuppi-Festival in Venedig, das Luglio Trapanese Annual Festival, die Royal Albert Hall in London, das Marin County Civic Centre in San Francisco und die Barry Memorial Hall in Wales gesungen.

Er hat zwei CDs für Niccolò Music mit unveröffentlichten Opernstücken von Vincenzo Bellini veröffentlicht. Seine stimmliche Vielseitigkeit reicht von Bellini bis Bernstein, wo er am Teatro del'Opera Giocosa
Er sang viele Staffeln lang die Rolle des Tony in „Westside Story“. Neben seiner erfolgreichen Karriere als Opernsänger wirkte er als Sänger und Schauspieler im Fernsehdrama „Die Jahrhundertwende“ des italienischen Senders RAI mit.

Salvatore Emanuele Samperi ist auch ein preisgekrönter Autor nationaler Schreibwettbewerbe. Seine jüngste Veröffentlichung im Januar 2022 ist eine Biografie mit dem Titel „History of a Catanese: Vincenzo Bellini“. Als führender Bellini-Forscher leitet er das Bellini Cultural Project und ist künstlerischer Leiter von „Bellini for the Young“.