SHORT007 AN INCLUSIVE DISCOVERY AT THE PUCCINI BIRTH HOUSE MUSEUM
What inclusive discovery did Gyaan Lyon aka The Voice Detective make at the Puccini Birth House Museum in Lucca, Italy? Watch to find out….
SHORT007 AN INCLUSIVE DISCOVERY AT THE PUCCINI BIRTH HOUSE MUSEUM
What inclusive discovery did Gyaan Lyon aka The Voice Detective make at the Puccini Birth House Museum in Lucca, Italy? Watch to find out….
HN005 Neapolitan Song: The French Connection
No, this is not about organised crime.
Its about the establishment of a canon of Neapolitan song in the early years of the 19th Century. Scholars have debated the origins and sources of Neapolitan song for many decades, but one thing on which all agree, is that without the transcription and composition of Neapolitan song undertaken by a Frenchman, Guillaume Cottrau, and published by him from 1824 to 1829, we would not have Neapolitan songs as we know them.
Cottrau was born in Paris, but came to Naples as a child, and became to all intents and purposes, a Neapolitan by inclination and adoption without losing his French roots. When his family returned to Paris, Cottrau himself had put down firm roots in Naples and had married into a Neapolitan family as well.
Cottrau collected and transcribed the music that he found in the streets, highways, and countryside. He also published these songs, under the title of Passatempi musicale for the fast growing bourgeois salons where a piano was the instrument de rigeur, and in so doing added, transformed, re-wrote and even composed his own Neapolitan songs. How far he went in changing the words, music and character we may never know. What we do know though, is that without his work, many songs would have been lost forever, and so we must be grateful for what he saved. Through his French connection, his publishing house Girard, spread Neapolitan song throughout Europe and beyond, and today it is a recognisable music the world over.
HN005 Neapolitan Song: The French Connection
No, this is not about organised crime.
Its about the establishment of a canon of Neapolitan song in the early years of the 19th Century. Scholars have debated the origins and sources of Neapolitan song for many decades, but one thing on which all agree, is that without the transcription and composition of Neapolitan song undertaken by a Frenchman, Guillaume Cottrau, and published by him from 1824 to 1829, we would not have Neapolitan songs as we know them.
Cottrau was born in Paris, but came to Naples as a child, and became to all intents and purposes, a Neapolitan by inclination and adoption without losing his French roots. When his family returned to Paris, Cottrau himself had put down firm roots in Naples and had married into a Neapolitan family as well.
Cottrau collected and transcribed the music that he found in the streets, highways, and countryside. He also published these songs, under the title of Passatempi musicale for the fast growing bourgeois salons where a piano was the instrument de rigeur, and in so doing added, transformed, re-wrote and even composed his own Neapolitan songs. How far he went in changing the words, music and character we may never know. What we do know though, is that without his work, many songs would have been lost forever, and so we must be grateful for what he saved. Through his French connection, his publishing house Girard, spread Neapolitan song throughout Europe and beyond, and today it is a recognisable music the world over.
Maria Callas, Sopran, 2. Dezember 1923
Maris Callas ist eine griechische Emigrantin, wurde in Griechenland gezeugt und in New York geboren. Sie wurde auf den Namen Cecilia Sophia Anna Maria Callas getauft, und ihre Namensvetterin, die heilige Cäcilia, die Schutzpatronin der Musik, kam ihr in diesem Fall besonders zugute!
Das tatsächliche Geburtsdatum ist umstritten, aber wenn man dieses Zitat aus dem Buch von Stelios Galatopoulos, Maria Callas La Divina, berücksichtigt, hat Maria das letzte Wort. „Das tatsächliche Geburtsdatum ist ungewiss. In Maria Callas‘ Reisepass ist der 2. und in Groves Wörterbuch der 3. angegeben, aber Callas‘ Mutter erinnert sich an den 4.. Callas selbst betrachtet den 4. als ihren Geburtstag, hauptsächlich, um natürlich mit ihrer Mutter übereinzustimmen, und auch, weil die heilige Barbara die Schutzpatronin der Artillerie ist, für die Callas sagt, dass sie eine besondere Verehrung empfindet.“
Kurz gesagt, Maria Callas war eine erstaunliche Naturgewalt. Ihr Instrument umfasste viele Stimmkategorien, die sie mit größter Kunstfertigkeit und Musikalität über das vielfältige Opernrepertoire hinweg einsetzte, das sie beherrschte, und das allen Zeugenberichten zufolge auf höchst faszinierende und absolut unvergessliche Weise.
Wenn man ihr nicht klassifizierbares Instrument klassifizieren müsste, würde es wahrscheinlich in die Kategorie Soprano dramatico d'agilitá fallen, eine Stimme mit enormem Umfang, die einen blumigen Stil mit dramatischen Akzenten beherrscht, die ihr eine sehr bewegende Klangqualität verleihen. Die Stimme besaß ein großes Volumen im Vergleich zu dem, was ein heutiger dramatischer Sopran legitimerweise aufweisen würde, sowie die umfassende Bruststimme eines echten Mezzosoprans.
Als die Leitung des Scala-Theaters ihr schließlich einen Vertrag als Primadonna in ihrem eigenen Recht nicht mehr verweigern konnte und nicht nur als Ersatz für den erkrankten und beliebtesten Star der damaligen Zeit, Renate Tebaldi,, erlangte sie schwindelerregende Höhen zum Opernstar, der weltweite Berühmtheit und Bewunderung erlangte.
Mit Callas hatte La Scala eine Sängerin, die in der Lage war, die lange vernachlässigten Belcanto-Opern wiederzubeleben. La Scala war so abhängig von Callas' Fähigkeiten, dass sie keine andere lebende Sängerin finden konnte, die die Rolle von Donizettis Anna Bolena für den geplanten Russlandbesuch 1964-1965 singen konnte. Callas lehnte die Teilnahme ab, da ihr für diese Saison keine anderen Rollen an La Scala angeboten wurden.
Ihre Stimme und Mystik haben dazu geführt, dass viele Bücher, Theorien und Filme über sie gedreht wurden.
Um eine Vorstellung von der Aufsehen erregenden Wirkung zu vermitteln, die sie auslöste, lassen wir andere, die sie kannten und ihre Auftritte miterlebten, in Erinnerungen schwelgen.
Als Giuseppe di Stefano, sein Freund und die andere Hälfte des Opern-Dreamteams, das er mit Callas bildete, in einem Interview gebeten wurde, seine beiden Hauptdarstellerinnen zu vergleichen, antwortete er: „Tebaldi hatte die schönste Stimme der Welt“, sagt er. „Maria hatte vier verschiedene Stimmen, aber sie war die ausdrucksstärkste Sängerin, die ich je erlebt habe. Sie war eine wahre Künstlerin. Sie sorgte für Schlagzeilen, aber sie wollte immer nur als ‚die Andere‘ behandelt werden (der im Tebaldi/Callas-Lager gebräuchliche Begriff für die gegensätzliche Diva).“
Madame Biki, eine der berühmtesten Modeschöpferinnen Italiens in den 40er-60er-Jahren, entwarf für Maria Callas und trug dazu bei, dass Callas zu einer Stilikone ihrer Zeit wurde. Der Name Biki war übrigens der Spitzname, den ihr Stiefgroßvater ihr gab, der kein anderer als Giacomo Puccini selbst war. Im Vorwort zu Maria Callas La Divina schrieb sie: „Mode: Das ist der Grund, warum Maria zuerst zu mir kam, und das war keineswegs ein unbedeutender oder irrelevanter Grund. Die Eleganz der Callas, sowohl auf der Bühne als auch im Leben, war einer ihrer vielen Triumphe. Maria Callas ist eine herausragende Persönlichkeit: ein Leben auf dem Höhepunkt. Sie ist vergleichbar mit Persönlichkeiten unserer Zeit wie Picasso, Cocteau und Chaplin, denn in ihrer Kunst übt sie denselben revolutionären und aufregenden Einfluss aus, den diese in ihrer Kunst hatten und haben. Und wie alle von ihnen hat sie Kunst und Leben nie nach zwei verschiedenen Maßstäben beurteilt. In der Kunst – wie im Leben – gibt es keinen Unterschied zwischen kleineren und größeren Dingen. „Alles ist wichtig.“
Von Michael Scott, dem Opernregisseur und Callas-Biografen, erfahren wir folgende erstaunliche Anekdote: „Der große Wendepunkt in Callas‘ Karriere ereignete sich 1949 in Venedig. Sie sollte die Rolle der Brünnhilde in Die Walküre am Teatro la Fenice singen, als Margherita Carosio, die im selben Theater die Elvira in I puritani singen sollte, erkrankte. Da er keinen Ersatz für Carosio finden konnte, teilte Serafin Callas mit, dass sie die Elvira in sechs Tagen singen würde; als Callas protestierte, dass sie die Rolle nicht nur nicht kenne, sondern auch noch drei weitere Brünnhildes zu singen habe, sagte er ihr: „Das garantiere ich Ihnen.“ In den Worten von Michael Scott: „Die Vorstellung, dass eine Sängerin in derselben Karriere Musikstücke mit so unterschiedlichen stimmlichen Anforderungen wie Wagners Brünnhilde und Bellinis Elvira singen könnte, wäre Grund genug für Überraschungen gewesen; aber der Versuch, sie beide in derselben Saison zu sangen, schien eine Größenwahnvorstellung zu sein.“ Scott behauptete: „Von all den vielen Rollen, die Callas übernahm, ist es fraglich, ob eine eine weitreichendere Wirkung hatte.“ Dieser erste Ausflug in das Belcanto-Repertoire veränderte den Lauf von Callas‘ Karriere und brachte sie auf einen Weg, der zu Lucia di Lammermoor, La traviata, Armida, La sonnambula, Il pirata, Il turco in Italia, Medea und Anna Bolena führte, und weckte erneut ihr Interesse an den lange vernachlässigten Opern von Cherubini, Bellini, Donizetti und Rossini.‘
Es ist bekannt, dass Callas mit dem Film- und Opernregisseur Franco Zeffirelli zusammenarbeitete und ihn bewunderte. Er fasste ihren künstlerischen Charakter folgendermaßen zusammen: „Hinter den Kulissen ist Maria ein ganz normales Mädchen, aber wenn sie auf die Bühne geht oder sogar über ihre Arbeit spricht oder anfängt, eine Melodie zu summen, nimmt sie sofort diese zusätzliche Qualität an.“
Für mich ist Maria immer ein Wunder. Man kann sie weder verstehen noch erklären. Man kann alles erklären, was [Laurence] Olivier tut, denn es ist alles Teil eines professionellen Genies. Aber Maria kann von nichts zu allem wechseln, von der Erde zum Himmel. Was hat diese Frau? Ich weiß es nicht, aber wenn dieses Wunder geschieht, ist sie eine neue Seele, ein neues Wesen.‘
Sir Rudolf Bing, Direktor der Metropolitan Opera, drückte ähnliche Gefühle aus: „Wenn man Maria Callas einmal in einer Rolle gehört und gesehen hat – man kann es nicht wirklich unterscheiden –, war es danach sehr schwer, irgendeine andere Künstlerin zu genießen, egal wie großartig sie war, weil sie jeder Rolle, die sie sang und spielte, eine so unglaubliche Persönlichkeit und Leben einhauchte. Eine Bewegung ihrer Hand war mehr, als eine andere Künstlerin in einem ganzen Akt tun könnte.“
Der Dirigent Carlo Maria Giulini erinnerte sich: „Es ist sehr schwierig, über die Stimme der Callas zu sprechen. Ihre Stimme war ein ganz besonderes Instrument. Bei Streichinstrumenten – Geige, Bratsche, Cello – passiert manchmal etwas: Wenn man den Klang dieses Instruments zum ersten Mal hört, ist das erste Gefühl manchmal etwas seltsam. Aber nach nur wenigen Minuten, wenn man sich daran gewöhnt hat, wenn man sich mit dieser Art von Klang angefreundet hat, dann bekommt der Klang eine magische Qualität. Das war Callas.“
Der Biograph Stelios Galatopolous, der Callas‘ italienisches Debüt in „La Gioconda“ in Verona im Jahr 1947 und ihr Debüt in Covent Garden als Norma im Jahr 1952 sowie über einhundert ihrer Auftritte miterlebte, erinnerte sich in seinem Buch: „Am 8. November 1952 gab Callas ihr Londoner Debüt und sorgte in Bellinis „Norma“ für eine Sensation, von der noch viele Jahre später diejenigen sprachen, die die Aufführungen als das Größte betrachteten, was sie jemals auf der Opernbühne gehört hatten.“
„Dennoch gab es einen Kritiker, der nicht bedingungslos aufgeben wollte. Der verstorbene Ernest Newman war nach der Vorstellung im Foyer von Covent Garden von einer Menschenmenge umringt, die seine Meinung hören wollte. Schließlich war er [damals] der älteste Musikkritiker in London und der einzige, der einige der großen Normas der Vergangenheit gehört hatte. Newman sagte sehr wenig: „Sie war wunderbar, wirklich wunderbar.“ Und dann hob er seinen Regenschirm und sagte mit fast hoher Stimme: „Aber sie ist keine Ponselle.“‘
Sogar bei ihren letzten Opernauftritten, als man feststellte, dass sie nicht mehr über ihre volle Stimmkraft verfügte, konnte sie immer noch Bewunderung von höchster Ebene auf sich ziehen. 1965 beschrieb „Clarendon, der vielleicht bedeutendste Musikkritiker Frankreichs, die Aufführung als ein unvergessliches Theatererlebnis. Ich habe Puccinis Tosca viele Male gesehen – Hunderte, aber letzte Nacht war ich überzeugt, dass es wirklich das erste Mal war“, schrieb er.
1969 besetzte der italienische Filmemacher Pier Paolo Pasolini Callas in seinem gleichnamigen Film in ihrer einzigen nicht-opernhaften Schauspielrolle als griechische mythologische Figur Medea. Der Film war kein kommerzieller Erfolg, aber als Callas‘ einziger Filmauftritt dokumentiert er etwas von ihrer Bühnenpräsenz.
Von Oktober 1971 bis März 1972 gab Callas eine Reihe von Meisterkursen an der Juilliard School in New York. Diese Kurse bildeten später die Grundlage für Terrence McNallys Theaterstück Master Class aus dem Jahr 1995.
Callas gab 1973 eine Reihe gemeinsamer Konzerte in Europa und 1974 in den USA, Südkorea und Japan mit dem Tenor Giuseppe di Stefano. Aus kritischer Sicht war dies ein musikalisches Desaster, da beide Interpreten nicht mehr auf dem Höhepunkt ihrer Leistungsfähigkeit waren.
Trotzdem war die Tournee ein enormer Publikumserfolg. Das Publikum strömte herbei, um die beiden Künstler zu hören, die in ihrer Blütezeit so oft zusammen aufgetreten waren. Ihr letzter öffentlicher Auftritt war am 11. November 1974 in Sapporo, Japan. Callas und di Stefano hätten Ende 1975 in Japan in vier Bühnenaufführungen von Tosca zusammen auftreten sollen, aber Callas sagte ab.
Traurigerweise verstarb sie nach einem relativ frühen Rückzug von der Bühne 1977 im Alter von 53 Jahren in Paris. Ihre Asche wurde nach Griechenland zurückgebracht und in der Ägäis verstreut.
2007 erhielt Callas posthum den Grammy Lifetime Achievement Award. Im selben Jahr wurde sie vom BBC Music Magazine zur größten Sopranistin aller Zeiten gewählt.
Auch in jüngerer Zeit fasziniert die Callas die Welt noch immer. 2017 drehte der Filmregisseur Tom Volf den französischen Dokumentarfilm Maria by Maria, der auf Interviews, Briefen und Auftritten basiert und ihre Geschichte erzählt. 2024 feierte das Biopic Callas, gespielt von Angelina Jolie und unter der Regie von Pablo Larraín, seine Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig, wo Jolie acht Minuten stehende Ovationen erhielt, die an die von „La Divina“ auf dem Höhepunkt ihres Ruhms erinnerten.
Maria Callas, Sopran, 2. Dezember 1923
Maris Callas ist eine griechische Emigrantin, wurde in Griechenland gezeugt und in New York geboren. Sie wurde auf den Namen Cecilia Sophia Anna Maria Callas getauft, und ihre Namensvetterin, die heilige Cäcilia, die Schutzpatronin der Musik, kam ihr in diesem Fall besonders zugute!
Das tatsächliche Geburtsdatum ist umstritten, aber wenn man dieses Zitat aus dem Buch von Stelios Galatopoulos, Maria Callas La Divina, berücksichtigt, hat Maria das letzte Wort. „Das tatsächliche Geburtsdatum ist ungewiss. In Maria Callas‘ Reisepass ist der 2. und in Groves Wörterbuch der 3. angegeben, aber Callas‘ Mutter erinnert sich an den 4.. Callas selbst betrachtet den 4. als ihren Geburtstag, hauptsächlich, um natürlich mit ihrer Mutter übereinzustimmen, und auch, weil die heilige Barbara die Schutzpatronin der Artillerie ist, für die Callas sagt, dass sie eine besondere Verehrung empfindet.“
Kurz gesagt, Maria Callas war eine erstaunliche Naturgewalt. Ihr Instrument umfasste viele Stimmkategorien, die sie mit größter Kunstfertigkeit und Musikalität über das vielfältige Opernrepertoire hinweg einsetzte, das sie beherrschte, und das allen Zeugenberichten zufolge auf höchst faszinierende und absolut unvergessliche Weise.
Wenn man ihr nicht klassifizierbares Instrument klassifizieren müsste, würde es wahrscheinlich in die Kategorie Soprano dramatico d'agilitá fallen, eine Stimme mit enormem Umfang, die einen blumigen Stil mit dramatischen Akzenten beherrscht, die ihr eine sehr bewegende Klangqualität verleihen. Die Stimme besaß ein großes Volumen im Vergleich zu dem, was ein heutiger dramatischer Sopran legitimerweise aufweisen würde, sowie die umfassende Bruststimme eines echten Mezzosoprans.
Als die Leitung des Scala-Theaters ihr schließlich einen Vertrag als Primadonna in ihrem eigenen Recht nicht mehr verweigern konnte und nicht nur als Ersatz für den erkrankten und beliebtesten Star der damaligen Zeit, Renate Tebaldi,, erlangte sie schwindelerregende Höhen zum Opernstar, der weltweite Berühmtheit und Bewunderung erlangte.
Mit Callas hatte La Scala eine Sängerin, die in der Lage war, die lange vernachlässigten Belcanto-Opern wiederzubeleben. La Scala war so abhängig von Callas' Fähigkeiten, dass sie keine andere lebende Sängerin finden konnte, die die Rolle von Donizettis Anna Bolena für den geplanten Russlandbesuch 1964-1965 singen konnte. Callas lehnte die Teilnahme ab, da ihr für diese Saison keine anderen Rollen an La Scala angeboten wurden.
Ihre Stimme und Mystik haben dazu geführt, dass viele Bücher, Theorien und Filme über sie gedreht wurden.
Um eine Vorstellung von der Aufsehen erregenden Wirkung zu vermitteln, die sie auslöste, lassen wir andere, die sie kannten und ihre Auftritte miterlebten, in Erinnerungen schwelgen.
Als Giuseppe di Stefano, sein Freund und die andere Hälfte des Opern-Dreamteams, das er mit Callas bildete, in einem Interview gebeten wurde, seine beiden Hauptdarstellerinnen zu vergleichen, antwortete er: „Tebaldi hatte die schönste Stimme der Welt“, sagt er. „Maria hatte vier verschiedene Stimmen, aber sie war die ausdrucksstärkste Sängerin, die ich je erlebt habe. Sie war eine wahre Künstlerin. Sie sorgte für Schlagzeilen, aber sie wollte immer nur als ‚die Andere‘ behandelt werden (der im Tebaldi/Callas-Lager gebräuchliche Begriff für die gegensätzliche Diva).“
Madame Biki, eine der berühmtesten Modeschöpferinnen Italiens in den 40er-60er-Jahren, entwarf für Maria Callas und trug dazu bei, dass Callas zu einer Stilikone ihrer Zeit wurde. Der Name Biki war übrigens der Spitzname, den ihr Stiefgroßvater ihr gab, der kein anderer als Giacomo Puccini selbst war. Im Vorwort zu Maria Callas La Divina schrieb sie: „Mode: Das ist der Grund, warum Maria zuerst zu mir kam, und das war keineswegs ein unbedeutender oder irrelevanter Grund. Die Eleganz der Callas, sowohl auf der Bühne als auch im Leben, war einer ihrer vielen Triumphe. Maria Callas ist eine herausragende Persönlichkeit: ein Leben auf dem Höhepunkt. Sie ist vergleichbar mit Persönlichkeiten unserer Zeit wie Picasso, Cocteau und Chaplin, denn in ihrer Kunst übt sie denselben revolutionären und aufregenden Einfluss aus, den diese in ihrer Kunst hatten und haben. Und wie alle von ihnen hat sie Kunst und Leben nie nach zwei verschiedenen Maßstäben beurteilt. In der Kunst – wie im Leben – gibt es keinen Unterschied zwischen kleineren und größeren Dingen. „Alles ist wichtig.“
Von Michael Scott, dem Opernregisseur und Callas-Biografen, erfahren wir folgende erstaunliche Anekdote: „Der große Wendepunkt in Callas‘ Karriere ereignete sich 1949 in Venedig. Sie sollte die Rolle der Brünnhilde in Die Walküre am Teatro la Fenice singen, als Margherita Carosio, die im selben Theater die Elvira in I puritani singen sollte, erkrankte. Da er keinen Ersatz für Carosio finden konnte, teilte Serafin Callas mit, dass sie die Elvira in sechs Tagen singen würde; als Callas protestierte, dass sie die Rolle nicht nur nicht kenne, sondern auch noch drei weitere Brünnhildes zu singen habe, sagte er ihr: „Das garantiere ich Ihnen.“ In den Worten von Michael Scott: „Die Vorstellung, dass eine Sängerin in derselben Karriere Musikstücke mit so unterschiedlichen stimmlichen Anforderungen wie Wagners Brünnhilde und Bellinis Elvira singen könnte, wäre Grund genug für Überraschungen gewesen; aber der Versuch, sie beide in derselben Saison zu sangen, schien eine Größenwahnvorstellung zu sein.“ Scott behauptete: „Von all den vielen Rollen, die Callas übernahm, ist es fraglich, ob eine eine weitreichendere Wirkung hatte.“ Dieser erste Ausflug in das Belcanto-Repertoire veränderte den Lauf von Callas‘ Karriere und brachte sie auf einen Weg, der zu Lucia di Lammermoor, La traviata, Armida, La sonnambula, Il pirata, Il turco in Italia, Medea und Anna Bolena führte, und weckte erneut ihr Interesse an den lange vernachlässigten Opern von Cherubini, Bellini, Donizetti und Rossini.‘
Es ist bekannt, dass Callas mit dem Film- und Opernregisseur Franco Zeffirelli zusammenarbeitete und ihn bewunderte. Er fasste ihren künstlerischen Charakter folgendermaßen zusammen: „Hinter den Kulissen ist Maria ein ganz normales Mädchen, aber wenn sie auf die Bühne geht oder sogar über ihre Arbeit spricht oder anfängt, eine Melodie zu summen, nimmt sie sofort diese zusätzliche Qualität an.“
Für mich ist Maria immer ein Wunder. Man kann sie weder verstehen noch erklären. Man kann alles erklären, was [Laurence] Olivier tut, denn es ist alles Teil eines professionellen Genies. Aber Maria kann von nichts zu allem wechseln, von der Erde zum Himmel. Was hat diese Frau? Ich weiß es nicht, aber wenn dieses Wunder geschieht, ist sie eine neue Seele, ein neues Wesen.‘
Sir Rudolf Bing, Direktor der Metropolitan Opera, drückte ähnliche Gefühle aus: „Wenn man Maria Callas einmal in einer Rolle gehört und gesehen hat – man kann es nicht wirklich unterscheiden –, war es danach sehr schwer, irgendeine andere Künstlerin zu genießen, egal wie großartig sie war, weil sie jeder Rolle, die sie sang und spielte, eine so unglaubliche Persönlichkeit und Leben einhauchte. Eine Bewegung ihrer Hand war mehr, als eine andere Künstlerin in einem ganzen Akt tun könnte.“
Der Dirigent Carlo Maria Giulini erinnerte sich: „Es ist sehr schwierig, über die Stimme der Callas zu sprechen. Ihre Stimme war ein ganz besonderes Instrument. Bei Streichinstrumenten – Geige, Bratsche, Cello – passiert manchmal etwas: Wenn man den Klang dieses Instruments zum ersten Mal hört, ist das erste Gefühl manchmal etwas seltsam. Aber nach nur wenigen Minuten, wenn man sich daran gewöhnt hat, wenn man sich mit dieser Art von Klang angefreundet hat, dann bekommt der Klang eine magische Qualität. Das war Callas.“
Der Biograph Stelios Galatopolous, der Callas‘ italienisches Debüt in „La Gioconda“ in Verona im Jahr 1947 und ihr Debüt in Covent Garden als Norma im Jahr 1952 sowie über einhundert ihrer Auftritte miterlebte, erinnerte sich in seinem Buch: „Am 8. November 1952 gab Callas ihr Londoner Debüt und sorgte in Bellinis „Norma“ für eine Sensation, von der noch viele Jahre später diejenigen sprachen, die die Aufführungen als das Größte betrachteten, was sie jemals auf der Opernbühne gehört hatten.“
„Dennoch gab es einen Kritiker, der nicht bedingungslos aufgeben wollte. Der verstorbene Ernest Newman war nach der Vorstellung im Foyer von Covent Garden von einer Menschenmenge umringt, die seine Meinung hören wollte. Schließlich war er [damals] der älteste Musikkritiker in London und der einzige, der einige der großen Normas der Vergangenheit gehört hatte. Newman sagte sehr wenig: „Sie war wunderbar, wirklich wunderbar.“ Und dann hob er seinen Regenschirm und sagte mit fast hoher Stimme: „Aber sie ist keine Ponselle.“‘
Sogar bei ihren letzten Opernauftritten, als man feststellte, dass sie nicht mehr über ihre volle Stimmkraft verfügte, konnte sie immer noch Bewunderung von höchster Ebene auf sich ziehen. 1965 beschrieb „Clarendon, der vielleicht bedeutendste Musikkritiker Frankreichs, die Aufführung als ein unvergessliches Theatererlebnis. Ich habe Puccinis Tosca viele Male gesehen – Hunderte, aber letzte Nacht war ich überzeugt, dass es wirklich das erste Mal war“, schrieb er.
1969 besetzte der italienische Filmemacher Pier Paolo Pasolini Callas in seinem gleichnamigen Film in ihrer einzigen nicht-opernhaften Schauspielrolle als griechische mythologische Figur Medea. Der Film war kein kommerzieller Erfolg, aber als Callas‘ einziger Filmauftritt dokumentiert er etwas von ihrer Bühnenpräsenz.
Von Oktober 1971 bis März 1972 gab Callas eine Reihe von Meisterkursen an der Juilliard School in New York. Diese Kurse bildeten später die Grundlage für Terrence McNallys Theaterstück Master Class aus dem Jahr 1995.
Callas gab 1973 eine Reihe gemeinsamer Konzerte in Europa und 1974 in den USA, Südkorea und Japan mit dem Tenor Giuseppe di Stefano. Aus kritischer Sicht war dies ein musikalisches Desaster, da beide Interpreten nicht mehr auf dem Höhepunkt ihrer Leistungsfähigkeit waren.
Trotzdem war die Tournee ein enormer Publikumserfolg. Das Publikum strömte herbei, um die beiden Künstler zu hören, die in ihrer Blütezeit so oft zusammen aufgetreten waren. Ihr letzter öffentlicher Auftritt war am 11. November 1974 in Sapporo, Japan. Callas und di Stefano hätten Ende 1975 in Japan in vier Bühnenaufführungen von Tosca zusammen auftreten sollen, aber Callas sagte ab.
Traurigerweise verstarb sie nach einem relativ frühen Rückzug von der Bühne 1977 im Alter von 53 Jahren in Paris. Ihre Asche wurde nach Griechenland zurückgebracht und in der Ägäis verstreut.
2007 erhielt Callas posthum den Grammy Lifetime Achievement Award. Im selben Jahr wurde sie vom BBC Music Magazine zur größten Sopranistin aller Zeiten gewählt.
Auch in jüngerer Zeit fasziniert die Callas die Welt noch immer. 2017 drehte der Filmregisseur Tom Volf den französischen Dokumentarfilm Maria by Maria, der auf Interviews, Briefen und Auftritten basiert und ihre Geschichte erzählt. 2024 feierte das Biopic Callas, gespielt von Angelina Jolie und unter der Regie von Pablo Larraín, seine Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig, wo Jolie acht Minuten stehende Ovationen erhielt, die an die von „La Divina“ auf dem Höhepunkt ihres Ruhms erinnerten.
Folge 8 der Voice Detective Show: 100 Jahre Giacomo Puccini am 29. November 2024
Giacomo Puccini muss Opernliebhabern nicht vorgestellt werden. Wie Mozart, ein weiterer großer Opernkomponist, stammte Giacomo aus einer Familie professioneller Musiker, die bei der Kirche angestellt waren. Bereits sein Urgroßvater, der ebenfalls Giacomo hieß, hatte in männlicher Linie die Position des Maestro di Capella in der Kathedrale von Lucca inne.
Dieses Jahr feiern wir am 29. November seinen 100. Todestag. Er war ein durch und durch moderner Mann, verliebt in Autos, die neuesten Technologien und den zeitgenössischen Lebensstil. Es ist kaum zu glauben, aber er komponierte nur 12 Opern, die in Bezug auf Musik und dramatischen Inhalt von so herausragender Qualität sind, dass sein Ruf als einer der größten Opernkomponisten auf einem so schmalen Opus feststeht. Kein Opernhaus, so scheint es, kann eine Saison haben, ohne dass einige von Puccinis Meisterwerken aufgeführt werden. Und seine Fähigkeit, Worte und Musik mit emotionaler Wirkung zu verbinden, ist außergewöhnlich. Wenn Orpheus die Fähigkeit hatte, wilde Tiere zu zähmen, Felsen zu bewegen und sogar die Götter zu beeinflussen, dann muss Puccini sicherlich ein knapper Zweiter sein, wenn es darum geht, die härtesten Herzen mit seinen seelendurchdringenden Arien zu bewegen. Es dürfte schwierig sein, einen Mann zu finden, der nicht „Nessun dorma“ singen möchte, oder eine Frau, die nicht inspiriert ist, zu versuchen, „Visi d'arte“ zu singen.
Nachdem seine finanzielle Sicherheit gesichert war, lebte Puccini bis zu seinen letzten Lebensjahren in Torre del Lago. Hier frönte er seiner Leidenschaft für die Jagd und dem einfachen Leben und schrieb viele seiner denkwürdigsten Opernpartituren. Und hier kann man auch seine Villa am Ufer des Sees besuchen und etwas von der sanften Atmosphäre des Ortes genießen, den er sein Zuhause nannte. Und auch hier findet jeden Sommer ein Puccini-Festival statt, das Opernliebhaber, Puccini-Fans und Musiker aus der ganzen Welt anzieht.
Folge 8 der Voice Detective Show: 100 Jahre Giacomo Puccini am 29. November 2024
Giacomo Puccini muss Opernliebhabern nicht vorgestellt werden. Wie Mozart, ein weiterer großer Opernkomponist, stammte Giacomo aus einer Familie professioneller Musiker, die bei der Kirche angestellt waren. Bereits sein Urgroßvater, der ebenfalls Giacomo hieß, hatte in männlicher Linie die Position des Maestro di Capella in der Kathedrale von Lucca inne.
Dieses Jahr feiern wir am 29. November seinen 100. Todestag. Er war ein durch und durch moderner Mann, verliebt in Autos, die neuesten Technologien und den zeitgenössischen Lebensstil. Es ist kaum zu glauben, aber er komponierte nur 12 Opern, die in Bezug auf Musik und dramatischen Inhalt von so herausragender Qualität sind, dass sein Ruf als einer der größten Opernkomponisten auf einem so schmalen Opus feststeht. Kein Opernhaus, so scheint es, kann eine Saison haben, ohne dass einige von Puccinis Meisterwerken aufgeführt werden. Und seine Fähigkeit, Worte und Musik mit emotionaler Wirkung zu verbinden, ist außergewöhnlich. Wenn Orpheus die Fähigkeit hatte, wilde Tiere zu zähmen, Felsen zu bewegen und sogar die Götter zu beeinflussen, dann muss Puccini sicherlich ein knapper Zweiter sein, wenn es darum geht, die härtesten Herzen mit seinen seelendurchdringenden Arien zu bewegen. Es dürfte schwierig sein, einen Mann zu finden, der nicht „Nessun dorma“ singen möchte, oder eine Frau, die nicht inspiriert ist, zu versuchen, „Visi d'arte“ zu singen.
Nachdem seine finanzielle Sicherheit gesichert war, lebte Puccini bis zu seinen letzten Lebensjahren in Torre del Lago. Hier frönte er seiner Leidenschaft für die Jagd und dem einfachen Leben und schrieb viele seiner denkwürdigsten Opernpartituren. Und hier kann man auch seine Villa am Ufer des Sees besuchen und etwas von der sanften Atmosphäre des Ortes genießen, den er sein Zuhause nannte. Und auch hier findet jeden Sommer ein Puccini-Festival statt, das Opernliebhaber, Puccini-Fans und Musiker aus der ganzen Welt anzieht.
EPISODE 8 DER VOICE DETECTIVE SHOW ZU EHREN VON GIACOMO PUCCNI (VDS008-MITGLIEDER)
Giacomo Puccini muss Opernliebhabern nicht vorgestellt werden. Wie Mozart, ein weiterer großer Opernkomponist, stammte Giacomo aus einer Familie professioneller Musiker, die bei der Kirche angestellt waren. Bereits sein Urgroßvater, der ebenfalls Giacomo hieß, hatte in männlicher Linie die Position des Maestro di Capella in der Kathedrale von Lucca inne.
Dieses Jahr feiern wir am 29. November seinen 100. Todestag. Er war ein durch und durch moderner Mann, verliebt in Autos, die neuesten Technologien und den zeitgenössischen Lebensstil. Es ist kaum zu glauben, aber er komponierte nur 12 Opern, die in Bezug auf Musik und dramatischen Inhalt von so herausragender Qualität sind, dass sein Ruf als einer der größten Opernkomponisten auf einem so schmalen Opus feststeht. Kein Opernhaus, so scheint es, kann eine Saison haben, ohne dass einige von Puccinis Meisterwerken aufgeführt werden. Und seine Fähigkeit, Worte und Musik mit emotionaler Wirkung zu verbinden, ist außergewöhnlich. Wenn Orpheus die Fähigkeit hatte, wilde Tiere zu zähmen, Felsen zu bewegen und sogar die Götter zu beeinflussen, dann muss Puccini sicherlich ein knapper Zweiter sein, wenn es darum geht, die härtesten Herzen mit seinen seelendurchdringenden Arien zu bewegen. Es dürfte schwierig sein, einen Mann zu finden, der nicht „Nessun dorma“ singen möchte, oder eine Frau, die nicht inspiriert ist, zu versuchen, „Visi d'arte“ zu singen.
Nachdem seine finanzielle Sicherheit gesichert war, lebte Puccini bis zu seinen letzten Lebensjahren in Torre del Lago. Hier frönte er seiner Leidenschaft für die Jagd und dem einfachen Leben und schrieb viele seiner denkwürdigsten Opernpartituren. Und hier kann man auch seine Villa am Ufer des Sees besuchen und etwas von der sanften Atmosphäre des Ortes genießen, den er sein Zuhause nannte. Und auch hier findet jeden Sommer ein Puccini-Festival statt, das Opernliebhaber, Puccini-Fans und Musiker aus der ganzen Welt anzieht.
Alfredo Kraus, Tenor, 24. November 1927
An diesem Tag im Jahr 1927 wurde Alfredo Kraus geboren. Es ist nicht schwer anzuerkennen, dass er aufgrund seines Gesangs und seiner Lebensführung den Titel „Tenore di grazie“ verdiente.
Alfredo und sein älterer Bruder Francesco Kraus Trujillo, ein Bariton, wurden auf den Kanarischen Inseln als Kinder eines Österreichers und einer Spanierin geboren. Sie erhielten eine solide musikalische Ausbildung, die schon in jungen Jahren mit Klavierunterricht begann und später nebeneinander Musik und Oper studierte.
1948 ging der 21-jährige Alfredo nach Barcelona, wo er zwei Jahre lang Gesang bei dem russischen Lehrer Gali Markoff studierte, der eine strenge und wissenschaftliche Methode auf seine natürliche, aber leichte Stimme anwandte. Er war auch Schüler von Francisco Andres, der ihm eine Gesangstechnik beibrachte, die der von Mercedes Llopart, der großen spanischen Sängerin und Lehrerin, ähnelte. Dann studierten er und sein älterer Bruder in Mailand bei Mercedes Llopart selbst. Unter ihrer Anleitung lernte er die korrekte Positionierung des Tons in der „Maske“ (den Resonanzhöhlen des Gesichts), wie man sich auf das Zwerchfell stützt und tatsächlich den Atem zwischen Zwerchfell und Maske komprimiert. All dies sind Elemente der berühmten Lamperti-Garcia-Gesangstechnik aus der Mitte des 19. Jahrhunderts.
Wie viele spanische Sänger begann er seine Karriere als Zarzuela-Sänger auf der Bühne in Madrid und Barcelona.
Im Alter von 29 Jahren, im Jahr 1956, nachdem er die Silbermedaille beim Internationalen Gesangswettbewerb in Genf gewonnen hatte, wurde er für sein Operndebüt in Kairo als Herzog von Mantua engagiert.
Nach seinem erfolgreichen Debüt in Kairo wurde er eingeladen, den Alfredo in Verdis La Traviata zu singen. Zunächst sang er 1957 in Venedig und anschließend in Turin und Barcelona sowie 1958 im Stole Theatre in London, wo er mit der damals ebenso unbekannten jungen Sopranistin Renata Scotto als Partnerin auftrat.
1958 sang er an der Seite von Maria Callas in der legendären La Traviata-Aufführung im Teatro Nacional de São Carlos in Lissabon, von der später ein Live-Mitschnitt veröffentlicht wurde. An seine Erfahrung, mit Maria Callas in Lissabon zu singen, erinnert er sich mit Dankbarkeit und besonderer Genugtuung.
Callas' Ruhm und die Berichte über ihr schwieriges Temperament auf und hinter der Bühne haben ihn verständlicherweise nervös gemacht. Zu seiner Überraschung erwies sie sich jedoch als außerordentlich unterstützende und sympathische Kollegin, deren anregende Präsenz zu seinem eigenen Erfolg beitrug.
Weitere Debüts folgten 1959 als Edgardo in „Lucia di Lammermoor“ in Covent Garden und 1960 als Elvino in „La Sonnambula“ an der Scala. Sein amerikanisches Debüt gab er 1962 in Chicago als Nemorino in „L’elisir d’amore“, gefolgt von seinem Debüt an der Metropolitan in New York in „Rigoletto“, wo das Publikum seine ausgefeilte Technik, seine tadellose Diktion und seine Beherrschung des Belcanto-Repertoires feierte.
Kraus steuerte seine Karriere sehr sorgfältig und blieb sozusagen „seiner Meinung treu“. Er vermied es, jemals außerhalb seines lyrischen Tenorrepertoires zu singen, obwohl ihm häufig Angebote dazu unterbreitet wurden.
Besonders bekannt war er für seine Interpretationen von Massenets Werther, Gounods Faust und Rollen, die extrem hohe Töne erfordern, wie Bellinis I Puritani, von dem der Dirigent Tulio Serafin dachte, dass die Rolle wie für ihn gemacht sei, mit ihrer teuflisch schwierigen Tessitura, die in einer Reihe von D-Tönen gipfelt. Es versteht sich fast von selbst, dass er La fille du Régiment mit seinen neun hohen Cs sang. Er sang diese Arie 1992 bei der Gala Lirica in Sevilla noch meisterhaft, sogar im Alter von 65 Jahren. Seine überragende Technik und seine Entschlossenheit, nie über seine Fähigkeiten hinaus zu singen, ermöglichten es ihm, bis in seine Siebziger zu singen und aufzutreten.
denn der Künstler hat die Pflicht, ein Lehrer zu sein, ein Erzieher, jenseits von populärem Geschmack und Mode. Anstatt für die Galerie zu singen, sollten wir für jenen Teil des Publikums singen, seien es 50, 20, 10 oder sogar 1%, der es wirklich versteht. Ich glaube zutiefst an elitäre Standards, nicht aus dem snobistischen sozialen Aspekt, sondern aus der Sicht von Qualität und Exzellenz. Indem wir für diese Minderheit des Publikums singen, die in der Lage ist, das, was Sie tun, wirklich zu schätzen, tragen wir auch dazu bei, das Verständnisniveau der Mehrheit zu erhöhen, die nun den Unterschied zwischen Exzellenz und Mittelmäßigkeit gehört hat und kennen wird. Vielleicht nicht heute, aber sicherlich morgen oder übermorgen. Was macht es schon, wenn man vorübergehend angefeindet wird? Ich gebe meine Kunst, es ist das Publikum, das zu mir kommen sollte, und nicht umgekehrt. Auf diese Weise hinterlassen wir der Zukunft unserer Kunst etwas Wertvolles und Wertvolles.“
Aus technischer Sicht verlieh er seiner Stimme Abwechslung durch die Verwendung von Piani, Pianissimi, Smorzature, Rinforzati und Kopftönen mit Farbe, die in einen Kopf-Squillo übergingen, den Gualerzi, ein führender italienischer Kritiker, als Falsett empfand. In der spanischen Zeitschrift Ritmo vom März 1978 antwortete Kraus auf Gualerzis Kritik mit den Worten: „Ich habe die Falsetttechnik nie ausprobiert. Ich hatte nie das Bedürfnis danach und außerdem weiß ich nicht, wie man sie macht. Maschera und Falsett sind zwei völlig verschiedene Emissionstechniken. Wenn man die eine beherrscht, kann man die andere nicht. Es ist nicht leicht, die Stimme von einer Position in die andere zu verlagern.“ Diese Ansicht bekräftigte er 1981 in seinem Interview mit Bruce Duffie.
Kraus' Diskographie ist umfangreich, er hat viele vollständige Opernaufnahmen bei EMI gemacht und war bei einem Plattenlabel tätig. Les Pêcheurs de Perles war auf Langspielplatten zu hören, die später von der Plattenfirma Carillon Records vermarktet und in Italien vom Haus Giancarlo Bongiovanni vertrieben wurden.
Im Laufe seiner Karriere erhielt Alfredo Kraus zahlreiche Ehrungen und Auszeichnungen, darunter das Großkreuz des Ordens Alfons X. des Weisen, den Orden Isabella der Katholischen, Kommandeur nach Nummer, einen Ritter der französischen Ehrenlegion, das österreichische Großkreuz der Ehren für Wissenschaft und Kunst, den Enrico-Caruso-Preis, Italien, den Metropolitan Opera House Prize, New York, und den Titel eines Kammersängers der Wiener Oper. Er erhielt auch Auszeichnungen auf den Inseln, auf denen er geboren wurde, darunter die Goldmedaille der Kanarischen Inseln, die Auszeichnung als Lieblingssohn der Stadt Las Palmas de Gran Canaria, die Kunstpreise Can de Plata und Can de Oro des Cabildo Insular de Gran Canaria sowie den Preis für Schöne Künste und Darstellende Kunst der Kanarischen Inseln.
Eines seiner liebsten Projekte war die Gründung eines internationalen, alle zwei Jahre stattfindenden Gesangswettbewerbs im Jahr 1990, der bis heute in seinem Namen jungen Opernsängern aller Nationalitäten hilft.
Drei Auditorien in Las Palmas de Gran Canaria, Majadahonda (Madrid) und Aspe (Alicante) sowie zwei Kulturzentren in Mirasierra-Fuencarral (El Pardo, Madrid) und Tejeda (Gran Canaria) wurden nach Alfredo Kraus benannt. Eine Grundschule in Lomo Los Frailes (Tamaraceite, Gran Canaria), der Lehrstuhl für Gesang am Liceo-Konservatorium in Barcelona und die Aula Cultural (Kulturabteilung) der Universität Las Palmas de Gran Canaria sind ebenfalls nach ihm benannt. Im Jahr 2000 erhielt die von Amigos Canarios de la Ópera organisierte Opernsaison in Las Palmas de Gran Canaria den Namen Alfredo Kraus, im selben Jahr würdigte die spanische Post seine Karriere mit einer Briefmarke in der Serie „Personajes Populares“ (Beliebte Persönlichkeiten). .
Er starb 1999 in Madrid an einer langen Krankheit im Alter von 71 Jahren, zwei Jahre nach dem Tod seiner Frau Rosa, die er 1956 geheiratet hatte.
Im Nachruf der Los Angeles Times hieß es, Kraus habe behauptet, dass es die Emotionen und nicht die Präzision seien, die einen Opernsänger groß machten. „Für mich ist es viel wichtiger, eine Rolle zu leben und zu atmen, als sie perfekt zu singen, denn eine perfekte Stimme kann so langweilig sein wie Spülwasser“, sagte er. „Was das Publikum verstehen muss, ist, dass Singen eine Frage der Musikalität, Sensibilität, Persönlichkeit und vor allem Reife ist.“
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