ETTORE BASTIANINI, BARITON, 24. SEPTEMBER 1922

ETTORE BASTIANINI
24. September 2022

Heute feiern wir den Bariton aller Baritone, den großen Ettore Bastianini, der im italienischen Siena geboren wurde. Seine Stimme wurde zuerst von Fathima und Anselmo Ammanati als Bassist erkannt und ausgebildet. Als er Anfang der 1950er Jahre mit einem anderen großen Bariton, Gino Bechi, und der Sopranistin Maria Caniglia durch Ägypten tourte, beugte sich Gino Bechi eines Tages zu mir herüber und flüsterte: „Du bist wirklich ein Bariton, weißt du. Ich bin ein Narr, das zu sagen, denn ich brauche nicht noch mehr Konkurrenz, aber es ist wahr.“ Als Bassist hatte er ein wunderbares Timbre, aber es war in der Lautstärke begrenzt und im Bassregister weich und schwach, er hatte Probleme, die tiefsten Töne zu erreichen, und in Rigoletto war er auf die Chorsänger angewiesen, um das letzte „Fa“ in Sparafuciles Arie zu singen.

Lange zuvor hatte er als Bass den 6. Nationalen Gesangswettbewerb am Teatro Communale in Florenz gewonnen, der ihm ein Stipendium einbrachte. Doch kriegsbedingt war 1942 für künstlerische Leistungen ungünstig, er wurde zur Luftwaffe eingezogen und konnte seinen Preis nicht in Anspruch nehmen. 1945 debütierte er als Colline in La Bohème am Teatro Alighieri in Ravenna.

1946 konnte er endlich sein Stipendium nutzen, um bei Maestro Flamino und seiner Frau, der Sängerin Dina Manucci Contina, am Teatro Communale zu studieren.

Bis 1950 sang er erfolgreich als Bass, doch erst nachdem sein Trainer/Lehrer Luciano Betterini ihn ermutigt hatte, seinen Baritonbereich zu erkunden, nahm er sich eine Auszeit von der Bühne, um sich dieser neuen Stimmkategorie zu widmen. Da er sehr zielstrebig, wettbewerbsorientiert und fleißig war, dauerte es nicht lange, bis er nach seinem Debüt als Bariton als Giorgio Germont in Siena neben Maria Callas als Enrico Ashton in Lucia di Lammermoor am Teatro Communale sang und 1953 gab er sein Metropolitan-Debüt als Giorgio Germant in La Traviata.

1954 sang er neben Renata Tebaldi und Giuseppe di Stefano in „Eugen Onegin“ an der Scala.

Durch die daraus resultierenden Plattenverträge mit Decca steht den Opernliebhabern ein Katalog mit einigen der berühmtesten Aufnahmen der Nachkriegszeit zur Verfügung, mit einer Reihe zeitgenössischer Künstler von gleichem Ruhm, Kaliber und Legende.

Wenn man von seiner Arbeitsbelastung, seinen Auftritten und seinen Reisen von Amerika nach Europa und wieder zurück liest, ist das ein schwindelerregendes Erlebnis. 1967 erlag er schließlich einem Kehlkopfkrebs, der erstmals 1962 diagnostiziert worden war. Er ließ sich jedoch in seinen letzten Jahren nicht davon abhalten, auf der Bühne zu singen, obwohl er sich zahlreichen Strahlentherapien unterzog.

Das letzte Wort haben nun seine geschätzten Kollegen.

„Mario Del Monaco kannte ihn als einen großartigen und lieben Kollegen, den liebsten und besten, den er in seiner Karriere hatte: „E, con infinita nostalgia, Ettore Bastianini, una delle piu belle voci di baritono di questa scorcio di secolo, un raro esempio dizione e di belcantismo espressi con una voce di eccezionale bellezza.“ („Eine der schönsten Stimmen aus diesem Teil des Jahrhunderts, ein seltenes Beispiel für Diktion und Belcantismo, ausgedrückt mit einer Stimme von außergewöhnlicher Schönheit.“)

Carlo Bergonzi erinnerte sich folgendermaßen an ihn: „Eine natürliche Schönheit der Stimme, ein gleichmäßiges Timbre, Eleganz der Phrasierung und Gestik, Zuverlässigkeit in Diktion und Ausdruck, eine sichere Technik und nicht zuletzt eine tiefe Ernsthaftigkeit und professionelle Disziplin: Das waren die grundlegenden Eigenschaften von Ettore Bastianini, die ihn zu einem großen Bariton machten – vielleicht zum letzten echten Verdi-Bariton.“

RICHARD TUCKER, TENOR, 15. AUGUST 1913

An diesem Tag im Jahr 1913 wurde der Tenor Richard Tucker in Brooklyn, New York, geboren. Seine Karriere war eng mit seiner Geburtsstadt verknüpft. An der Metropolitan Opera in New York hinterließ er in einer Karriere, die sich über drei Jahrzehnte erstreckte, einen unvergesslichen Eindruck in der Operngeschichte.

Die Wertschätzung seiner Kollegen war so groß, dass der Bariton Robert Merrill, der zu dieser Zeit mit Tucker auf Tournee war, als dieser plötzlich nach einem Zusammenbruch in seinem Hotelzimmer starb, ganz einfach sagte: „Er war der größte Tenor der Welt.“

Nur zwei andere Starsänger in der 90-jährigen Geschichte des Unternehmens – der Tenor Giovanni Martinelli und der Bariton Antonio Scotti – hielten sich länger in der hart umkämpften Arena der Metropolitana durch: Martinelli 32 Spielzeiten und Scotti 34.
Mr. Tuckers Opernkarriere war in gewisser Weise ein glückliches Ergebnis seiner Ehe mit Sara Perelmuth. Sara war die Schwester von Jan Peerce, der bereits ein bekannter Tenor war. Die Familie Peremuth hielt den jungen Verkäufer nicht für eine gute Partie für ihre Tochter, aber bald geriet Richard in eine freundschaftliche Rivalität mit seinem Schwager. Er beschloss, dass auch er ein berühmter Sänger werden könnte, und begann, Gesangsunterricht bei dem Wagner-Tenor Paul Althouse zu nehmen. Althouse, beeindruckt von der Entschlossenheit seines Schülers, erinnerte sich: „Tucker kam einfach zur Stunde, nahm seinen Hut ab, sang, setzte seinen Hut wieder auf und ging.“

Er gab 1943 sein Debüt als Alfredo in „La Traviata“ an der Salmaggi Opera in New York. 1947 erhielt er die prestigeträchtige Einladung, in einer aufgezeichneten Rundfunksendung unter der Leitung von Arturo Toscanini den Radames zu singen. Außerdem sang er den Enzo neben Maria Callas bei ihrem viel beachteten Debüt in „La Gioconda“ in der Arena von Verona.
Später trat er in Covent Garden, Wien, La Scala und Florenz auf.

Luciano Pavarotti, selbst einer der führenden Tenöre der Met, sagte aus Mailand: „Richard Tucker war einer meiner Götter. In meinem Leben … war er immer diese großartige Stimme, die mir als Inspiration diente. Ich und die Welt betrauern den Tod dieses großartigen Tenors.“

Die Sopranistin Joan Sutherland und ihr Ehemann, der Dirigent Richard Bonynge, erklärten in London: „Eine der phänomenalen Stimmen dieses Jahrhunderts. Es war immer erstaunlicher, wie frisch und jung seine Stimme klang. Die Musikwelt wird ihn sehr vermissen.“

Richard Tucker war sich bewusst, dass seine schauspielerischen Fähigkeiten möglicherweise nicht mit seinen stimmlichen Fähigkeiten übereinstimmten. Als Rudolf Bing 1950 als Generaldirektor an die Met kam, beklagte sich Mr. Tucker jedoch ironisch, dass seine Stimme nicht mehr als ausreichend angesehen werde. „Ein Opernstar zu sein“, sagte er, „ist nicht mehr das, was es einmal war. Bei Mr. Johnson wollte er, dass man schauspielert, aber bei Mr. Bing muss man schauspielern.“

Dennoch waren die Kraft und Schönheit seines Gesangs so groß, dass Kritiker ihn mit Größen wie Caruso und Mario Lanza verglichen. Seine großartige Stimme wurde gut aufgenommen und im Grove Book of Opera Singers heißt es: „… hatte er nur wenige Ebenbürtige in der Darstellung italienischer Leidenschaften oder in Inbrunst, Leichtigkeit, Gleichmäßigkeit und stimmlicher Sicherheit.“

Seine Beerdigung fand am 10. Januar auf der Bühne der Metropolitan Opera statt; er war der einzige Sänger, dem jemals diese Ehre zuteil wurde.
Die Erinnerung und die Leistungen von Richard Tucker werden von der Richard Tucker Music Foundation wachgehalten.

EMMA CALVÉ, SOPRAN, 15. AUGUST 1858

ERWEITERTE FUNKTION

Die gefeierte, geheimnisvolle französische Opernsopranistin der Belle Époque Emma Calvé wurde 1858 im Département Aveyron im Süden Frankreichs geboren.

Als kleines Kind, das in dem felsigen, baumlosen Gelände aufwuchs, bevor die Familie nach Spanien zog, rief sie ihren Spielkameraden einmal im Scherz zu, dass das Schloss auf dem Hügel von Cabrières eines Tages ihr gehören würde. Diese Vorhersage sollte sich bewahrheiten, denn ihr großer internationaler Ruhm und Reichtum ermöglichten es ihr, das Schloss später in ihrem Leben zu erwerben. Es wurde ihr Sommerdomizil, wo sie behauptete, dass

„Ich bin fest davon überzeugt, dass die außerordentliche Erhaltung meiner Stimme größtenteils den vielen Monaten zu verdanken ist, die ich an diesem ruhigen Ort verbringe, fernab von weltlichem Vergnügen und Ablenkungen. Wenn ich zu lange weg bleibe, werde ich krank, wie eine Pflanze, der das Wasser entzogen wird. Meine Lungen sehnen sich nach der trockenen, belebenden Luft der Bergebenen. Ich brauche mein Land, mein Zuhause!

In ihrer Autobiografie beschreibt sie diese frühen Kindheitsjahre in Spanien und ihre Faszination für die Zigeunerkultur. Interessanterweise erinnert sie sich – angesichts ihres späteren Ruhms als ultimative Interpretin der Rolle der Carmen – daran, wie sie umherirrte und ihre Familie nach ihr suchte, bis ihre Mutter sie schließlich fröhlich singend und tanzend in einem Zigeunerlager fand.

Mit sieben Jahren kehrte die Familie nach Frankreich zurück und nachdem sie genügend Französisch gelernt hatte, wurde sie in ein Kloster geschickt. Sie schreibt über diese Zeit.

„Nicht lange danach, als ich im siebten Jahr war, beschlossen meine Eltern, in ihr Heimatland zurückzukehren. Ich sprach nur Spanisch, und sie hatten die größte Mühe der Welt, mich dazu zu zwingen, Französisch zu lernen. Als ich meine neue Sprache endlich beherrschte, wurde ich in ein Kloster in Millau geschickt, nicht weit vom Haus der Familie meines Vaters entfernt.

„Die Atmosphäre der Religion und Mystik, die ich im Kloster vorfand, hinterließ einen tiefen Eindruck auf mich. Ich wurde äußerst fromm; und als ich gefirmt wurde, war ich fest entschlossen, Nonne zu werden. Anscheinend ist diese Art der vorübergehenden „Berufung“ oder des Rufs zum religiösen Leben unter Sängerinnen und Schauspielerinnen nicht ungewöhnlich. Ich kenne zwei sehr große Künstlerinnen, die dieselbe Erfahrung gemacht haben.

Ihr stimmliches und musikalisches Talent wurde von Nachbarn und Freunden bemerkt, deren Lob ausreichte, um ihre Mutter auf sie aufmerksam zu machen. Emma und ihre beiden Brüder machten sich auf den Weg nach Paris, um den berühmtesten und angesehensten Gesangslehrer dort aufzusuchen, den pensionierten Tenor Jules Puget. Sie hatte kein Geld, um den Unterricht zu bezahlen, versprach ihm aber, ihm das Geld zurückzuzahlen: „Geben Sie meiner Tochter eine Chance. Sie werden selbst beurteilen, welches Talent sie haben könnte. Ich bin nicht reich, aber Sie können mir vollkommen vertrauen. Wir werden Sie bezahlen, sobald sie Erfolg hat!“

Puget brachte ihr drei Jahre lang die Grundlagen des Belcanto bei, bevor er sie ermutigte, Bühnenerfahrung zu sammeln. Kurz darauf gab sie ihr Debüt am Theatre de la Moniaire de Bruxelles als Margarite in Gououds Faust. Abgesehen davon, dass sie aus der Oper nur die Arie Le Roi de Thulé kannte, hatte sie keinerlei Kenntnisse über die Rolle und hatte nur zwei Wochen Zeit, sie zu lernen.

Zuvor war der örtliche Metzger von Calvés Stimme fasziniert und erkannte, dass die Familie in finanziellen Schwierigkeiten steckte. Er bot ihr an, ihr Essen auf Kredit zu geben, um ihr beim Aufbau ihres Lebensunterhalts zu helfen. Das Geld könnte später ausgezahlt werden, wenn sie mit ihrer Stimme eine Anstellung gefunden hätte.

„Ihre Tochter hat eine hübsche Stimme“, bemerkte der Metzger, während er ihre Bestellung zubereitete. „Meine Frau und ich finden, sie ist ein Wunder!“
„Das ist sehr nett von Ihnen“, antwortete meine Mutter. „Sie arbeitet sehr hart und ich hoffe, dass sie eines Tages …“
„Ja, sie ist eine gute Sängerin“, unterbrach er sie, „aber sie ist zu dünn. Viel zu dünn! Sie sollte jede Menge Beefsteaks und Koteletts essen!“
Meine Mutter war überrascht über diesen scheinbar recht plumpen Weg, den Handel anzukurbeln. Doch bevor sie antworten konnte, fuhr der verblüffende Mann fort:
„Ich sage Ihnen, was ich tun werde“, sagte er. „Um Ihnen zu beweisen, wie viel Vertrauen ich in die Zukunft Ihrer Tochter habe, werde ich in diesem Geschäft ein Konto für Sie eröffnen. Sie können mich bezahlen, wenn sie ihr Debüt gibt!“

Nach dem Tod ihres Lehrers Puget setzte sie ihre Studien sechs Monate lang bei Madame Marchesi in Paris fort. Während dieser Zeit lernte sie große Künstler kennen, die sie beobachten und von ihnen lernen konnte, wie die Sopranistin Madame Gabrielle Krauss und den französischen Bariton Victor Maurel, der sie engagierte, um in der Oper Aben-Hamet von Theodore Dubois an seiner Seite zu singen. Sie schreibt Maurel zu, dass er ihr unschätzbare Lektionen in lyrischer Deklamation erteilte, die ihre künstlerische Karriere beeinflussten.

Anschließend wurde sie als Sängerin an die Opéra Comique in Paris engagiert, wo sie zwei Jahre lang tätig war und einen starken Einfluss auf Madame Marie Caroline Carvalho hatte, die sich zu dieser Zeit am Ende ihrer Karriere befand und bereits Hauptrollen in vielen Opern von Jules Massenet gespielt hatte.

Ihr Ehrgeiz bestand darin, in Italien zu singen, und dieser Wunsch ging in Erfüllung, als sie an der Mailänder Scala die Hauptrolle der Flora in Samaras „Mirabilio“ sang und kreierte. Dies hatte verheerende Folgen, gab ihr jedoch den Entschluss, ihre Unzulänglichkeiten und ihre Kunst zu perfektionieren.

In ihren eigenen Worten: „Ich ging mit allen Fehlern und Vorteilen meiner Jugend nach Mailand. Meine Spielzeiten an der Opéra Comique hatten mich nichts gelehrt, ich schien nur eine neue Schüchternheit entwickelt zu haben, die meine Fähigkeiten im entscheidenden Moment lähmte. Trotz des brennenden Feuers in mir wirkte ich kalt, denn ich war nicht in der Lage, mit meinem Publikum zu kommunizieren oder meine Gefühle in irgendeiner Weise auszudrücken.

Am Abend meines Debüts an der Scala hatte ich schreckliche Angst. Ich sang falsch und verlor völlig den Kopf. Das Publikum zischte mich aus, und das zu Recht! Wie oft habe ich seitdem dieses glückliche Zischen gesegnet, das mir meine Unzulänglichkeiten bewusst machte und mich dazu anspornte, die ernsthaften Studien zu beginnen, die ich so dringend brauchte!‘

Der bekannte Verleger M. Hugel kam ihr zu Hilfe, indem er sie Madame Rosina Laborde vorstellte, die sie in die versierte Sängerin und Künstlerin verwandeln sollte, die sie wurde. Laborde war viele Jahre lang Mitglied der Pariser Oper und kannte Madame Malibran, La Pasta, La Sontag, La Frezzolini, Grizi, Mario, Tamburini und Lablache.

„Sie beschrieb uns ihre Art zu singen, ihre Gesten und ihre Bühnenkunst, alle Traditionen der schönen alten italienischen Schule.“

Sie war auch eine strenge Lehrerin, wie Calvé erzählt. „Sie hatte eine wirklich phänomenale Geduld mit ihren Schülern. Ich erinnere mich, dass sie mich einmal einen Satz aus der Wahnsinnsszene von Ophelia achtzig Mal wiederholen ließ. Ich war den Tränen nahe vor Nervosität und Erschöpfung, als sie mir endlich erlaubte, mich auszuruhen. „Das wird sehr gut gehen“, bemerkte sie ruhig am Ende der Tortur. „Sie sind es wert, meine Schülerin zu sein, denn Sie beginnen, Geduld zu lernen!“

Calvé führt großes Leiden und ihre Krankheit auch darauf zurück, dass sie die nötige geistige Schärfe und Fähigkeit besaß, ihrem Publikum ihre Gefühle zu vermitteln, was ihr bis dahin verwehrt geblieben war.

Sie machte rasche Fortschritte und nach einem Studienjahr bei Laborde wurde sie erneut nach Italien engagiert, nach San Carlo in Neapel, wo sie die Ophelia sang und Victor Maurel die Rolle des Hamlet spielte. Außerdem trat sie in Bizets „Pecheurs de Perles“ mit dem Tenor Fernando de Lucia auf, mit dem sie später Mascagnis „Amico Fritz“ komponierte.

Da sie unbedingt zurückkehren und ihre erste Erfahrung an der Scala wiederholen wollte, wurde für sie ein Auftritt als Ophelia mit dem berühmten italienischen Bariton Mattia Battistini arrangiert. Nach anfänglicher Kälte des Publikums im ersten Akt war sie der Situation gewachsen und brillierte triumphierend mit ihrer Kadenz, die sie vor Angst fast in den Wahnsinn trieb. In ihren eigenen Worten: „Entschlossen, einen vollständigen Triumph zu erringen, nahm ich eine Kadenz in Angriff, die ich noch nie zuvor in der Öffentlichkeit versucht hatte. Es war ein extrem schwieriges Gesangsstück, das vom tiefen A über das hohe C bis zum F reichte. Als ich einmal auf diesem schwindelerregenden Gipfel war, war ich wie ein Kind auf einer Leiter und hatte Angst, mich zu bewegen oder herunterzukommen! Der Dirigent war zu Tode erschrocken. Ich hielt den Ton so lange ich konnte, aber als mir die Luft ausging, musste ich die chromatische Tonleiter hinabsteigen. Ich tat dies mit solchem Elan und solcher Perfektion, dass das Publikum in tosenden Applaus ausbrach. Selten habe ich solche Ovationen bekommen! Ich kann wirklich sagen, dass dies der größte Moment meiner Opernkarriere war. Welch intensive, welch triumphale Freude erfüllte mein junges Herz in dieser Nacht!

In jenen Jahren in Italien schrieb sie ihre künstlerische Entwicklung in hohem Maße dem Einfluss der italienischen Schauspielerin Eleonore Duse, bekannt als La Duse, zu und nahm einen realistischen Schauspielstil an, der möglicherweise der Beginn des Method Acting war.

Calvé untersuchte und studierte die gesamte historische Literatur sowie das künstlerische und kulturelle Material zu den Rollen, die sie spielte, und vertiefte sich, soweit möglich, vor Ort in die Kultur. Nach meinen Erfolgen in Italien wollte ich unbedingt nach Paris zurückkehren. Als Carvalho mich engagierte, um „Cavalleria Rusticana“ an der Opera Comique zu inszenieren, kehrte ich voller Ehrgeiz und Enthusiasmus zurück an den Ort meiner ersten Bemühungen. Doch trotz der Erfahrungen, die ich in meinen Jahren in Italien gemacht hatte, fühlte ich mich in diesem konventionellen Theater, wo Tradition und etablierte Bräuche blind verehrt wurden, fehl am Platz.
Meine Interpretation der Rolle der Santuzza versetzte meine Kameraden in Erstaunen. Meine spontanen und scheinbar ungeübten Gesten schockierten sie. Sogar das Kostüm, das ich aus Italien mitgebracht hatte, die Kleidung einer echten Bäuerin, mit grobem Hemd, abgetragenen Sandalen und allem, galt als exzentrisch und hässlich. Ich wurde gnadenlos kritisiert und verspottet. Bei der Generalprobe hörte ich, wie einer der älteren Sänger über mich urteilte.
„Wie schade!“, rief er aus. „Sie hat eine schöne Stimme und hat wirklich erstaunliche Fortschritte gemacht. Aber was für eine Schauspielerei! In diesem Teil der Welt schlagen wir beim Singen nicht mit den Fäusten auf den Tisch. Wenn sie so weitermacht, wird sie ruiniert sein!“

Calvé ist dafür bekannt, dass sie erdige spanische Tänze lernte und authentische Zigeunerkleidung trug, um die Rolle der Carmen darzustellen, die bis dahin durch eine theatralisch imaginierte Interpretation des Themas beschönigt worden war, die damals von ihrer Vorgängerin Célestine Galli Marie vertreten wurde. Zunächst wurde dieser Realismus als zu weit gehend angesehen, aber Galli Marie selbst bewunderte Calvé und gab ihr ihre Zustimmung.

Dann ereignete sich ein sehr interessantes operngeschichtliches Ereignis, als Calvé den Vatikan besuchte, um dem Chor der Sixtinischen Kapelle unter der Leitung des letzten Kastraten, Mustapha, eines Türken, zuzuhören. Sie war beeindruckt von seiner exquisiten hohen Tenorstimme, wahrhaft engelsgleich, weder männlich noch weiblich, tief, subtil, ergreifend in ihrer lebendigen Intensität. Er sang die klassische Kirchenmusik bewundernswert, insbesondere Palestrina. Er hatte bestimmte merkwürdige Töne, die er seine vierte Stimme nannte: seltsame, geschlechtslose Töne, übermenschlich, unheimlich!
Ich war von seinem Talent so beeindruckt, dass ich beschloss, bei ihm Unterricht zu nehmen. Meine erste Frage war, wie ich lernen könnte, diese himmlischen Töne zu singen.
„Das ist ganz einfach“, antwortete er. „Sie müssen nur zwei Stunden am Tag mit fest geschlossenem Mund üben. Nach zehn Jahren können Sie vielleicht etwas damit anfangen.“
Das war nicht gerade ermutigend!
„Tausend Dank!“, rief ich aus. „So werde ich es nie lernen! Es erfordert zu viel Geduld!“
Trotzdem machte ich mich mit der Hartnäckigkeit, die ein wesentlicher Bestandteil meines Charakters ist, an die Arbeit. Meine ersten Versuche waren erbärmlich. Meine Mutter versicherte mir, dass sie wie das Miauen einer kranken Katze klangen! Nach zwei Jahren begann ich jedoch, meine neu erworbenen Fähigkeiten anzuwenden; aber erst im dritten Studienjahr erlangte ich eine vollständige Meisterschaft dieser schwierigen Kunst.
Diese besonderen Töne, die ich seitdem mit großem Erfolg verwende, sind im normalen Stimmverlauf nur selten zu finden.‘

Weitere Informationen zur Vierten Stimme finden Sie in einem speziellen Artikel in High Notes unter www.voicedetective.com. Bleiben Sie dran!

Sie sang viele Jahre lang jede Saison im Covent Garden in London und trat dort in allen Opern meines Repertoires auf. Ich habe an diesem Theater auch mehrere Rollen geschaffen, insbesondere
„La Navarraise“ von Massenet im Jahr 1894 und „Amy Robsart“, die erste Produktion der Autorin de Lara, deren „Messaline“ ich einige Jahre später sang.‘

„Während meines Engagements in England wurde ich jedes Jahr nach Windsor Castle gerufen, um für Königin Victoria zu singen.“

Calvé wurde ein beliebter Gast von Königin Victoria, der sich mit ihr in perfektem Französisch unterhielt und sogar viele Gedichte im provenzalischen Dialekt kannte und rezitieren konnte. Sie ehrte Calvé, indem sie eine Büste von ihr als Santuzza für ihre Privatsammlung in Auftrag gab, die nach dem Tod der Königin in einem Raum mit ihren persönlichen Besitztümern ausgestellt wurde.

Ihr Debüt an der Metropolitan Opera in New York gab sie am 29. November 1893 in der Rolle der Santuzza in
Cavalleria Rusticana.

„Das amerikanische Publikum interessierte sich damals nicht besonders für die Oper. In den Zeitungen wurde sie heftig kritisiert, aber ich selbst hatte großen Erfolg.
Am nächsten Morgen ließen mich die Regisseure rufen. Sie wollten das Programm sofort ändern und baten mich, „Carmen“ zu singen, nicht auf Französisch, wie ich es immer gesungen hatte, sondern auf Italienisch. Ich lehnte ab! Die Wirkung meines französischen Diktats wäre verloren gegangen und die ganze Oper wäre aus dem Fokus geraten. Das war eine unmögliche Forderung. Einer der Regisseure war besonders hartnäckig und nicht gerade höflich.
„Sie haben keine Wahl!“, sagte er knapp. „,Cavalleria‘ war nicht der Erfolg, den wir erwartet hatten. Wir müssen sofort etwas ändern, mehr gibt es dazu nicht zu sagen.“
Ich war verzweifelt. Ich konnte den Regisseuren nicht klarmachen, was ich selbst so klar sah, nämlich dass dieses Kunstwerk, das im Kopf eines Franzosen, Prosper Merimee, erdacht und von einem französischen Komponisten vertont worden war, von mir, einer Französin, auf Französisch gesungen werden musste. Auf keine andere Weise konnte es seinen vollen Wert, seinen wahren Geschmack und seine wahre Qualität erreichen. Es schien mir sowohl unkünstlerisch als auch undurchführbar, etwas anderes zu versuchen. Wenn die Regisseure „Cavalleria“ durch ein erfolgreiches Stück ersetzen wollten, würden sie ihr Ziel nicht erreichen, wenn sie eine wirkungslose „Carmen“ aufführten.
In meiner Aufregung und Hilflosigkeit wandte ich mich an den älteren Coquelin, der zu diesem Zeitpunkt in New York als Schauspieler tätig war. Ich erzählte ihm von meinen Problemen. Er hatte vollstes Verständnis für meinen Standpunkt und ging mit seiner üblichen Freundlichkeit persönlich zu den Regisseuren und nutzte seinen Einfluss, um sie davon zu überzeugen, die Idee aufzugeben. Sie sagten ihm, sie hätten keinen französischen Tenor, um die Rolle des Don Jose zu singen, und deshalb müsse ich auf Italienisch singen! Unbeeindruckt von dieser Abfuhr beschloss er, dort Erfolg zu haben, wo sie gescheitert waren. Er würde einen Tenor finden. Er ging zu Jean de Reszke und legte ihm den Fall vor. Obwohl sie nicht in de Reszkes Repertoire war, versprach er Coquelin, dass er die Rolle singen würde. Was für ein triumphaler Erfolg waren die Produktionen von „Carmen“!“ Von da an war es der Publikumsmagnet im Metropolitan. Wir gaben es immer wieder vor ausverkauftem Haus. Die Kasseneinnahmen waren erstaunlich! In den folgenden Spielzeiten ließ seine Popularität nie nach. Es stellte sich keine weitere Frage, wie es gesungen werden sollte.“

Was für unvergessliche Besetzungen, was für herrliche Abende! Jean de Reszke, Melba, Plancon und ich! Das Publikum war begeistert. Nach jeder Vorstellung wurden wir tausendmal zurückgerufen. Man sagte, „Carmen“ sei epidemisch geworden, eine freudige Ansteckung.

Als sie ihre frühen Neigungen zur Spiritualität wiederentdeckte, wurde sie zu einer Zeit ihres Lebens mit Swami Vivekananda bekannt gemacht, als sie, wie sie sagt, „körperlich und geistig sehr deprimiert war“. Ich hatte das Glück und die Freude, einen Mann zu kennen, der wahrhaftig „mit Gott wandelte“, ein edles Wesen, ein Heiliger, ein Philosoph und ein wahrer Freund. Sein Einfluss auf mein spirituelles Leben war tiefgreifend. Er öffnete mir neue Horizonte, erweiterte und belebte meine religiösen Ideen und Ideale und lehrte mich ein breiteres Verständnis der Wahrheit. Meine Seele wird ihm ewig dankbar sein.
Dieser außergewöhnliche Mann war ein Hindu-Mönch des Vedanta-Ordens. Er hieß Swami Vivekananda und war in Amerika für seine religiösen Lehren weithin bekannt. Als ich ein Jahr lang in Chicago war, hielt er Vorlesungen. Da ich zu dieser Zeit körperlich und geistig sehr deprimiert war, beschloss ich, zu ihm zu gehen, nachdem ich gesehen hatte, wie sehr er einigen meiner Freunde geholfen hatte.
Es wurde ein Termin für mich vereinbart, und als ich bei ihm zu Hause ankam, wurde ich sofort in sein Arbeitszimmer geführt. Zuvor hatte man mir gesagt, ich solle nicht sprechen, bis er mich anspräche. Als ich den Raum betrat, blieb ich daher einen Moment lang schweigend vor ihm stehen. Er saß in einer edlen Meditationshaltung da, sein safrangelbes Gewand fiel in geraden Linien auf den Boden, sein Kopf war in einen Turban gehüllt und nach vorne gebeugt, die Augen auf den Boden gerichtet. Nach einer kurzen Pause sprach er, ohne aufzublicken.
„Mein Kind“, sagte er, „was für eine unruhige Atmosphäre herrscht bei dir! Bleib ruhig! Das ist wichtig.“
Dann sprach dieser Mann, der nicht einmal meinen Namen kannte, mit ruhiger Stimme, unbekümmert und distanziert mit mir über meine geheimen Probleme und Ängste. Er sprach über Dinge, von denen ich dachte, dass selbst meine engsten Freunde sie nicht wüssten. Es schien wunderbar, übernatürlich!
„Woher wissen Sie das alles?“, fragte ich schließlich. „Wer hat mit Ihnen über mich gesprochen?“
Er sah mich mit seinem ruhigen Lächeln an, als wäre ich ein Kind, das eine dumme Frage gestellt hätte.
„Niemand hat mit mir gesprochen“, antwortete er sanft. „Denken Sie, dass das nötig ist? Ich lese in Ihnen wie in einem offenen Buch.“
Schließlich war es für mich Zeit zu gehen.
„Sie müssen vergessen“, sagte er, als ich aufstand. „Werden Sie wieder fröhlich und glücklich. Bauen Sie Ihre Gesundheit auf. Bleiben Sie nicht in Stille bei Ihren Sorgen. Verwandeln Sie Ihre Gefühle in eine Form des äußeren Ausdrucks. Ihre geistige Gesundheit verlangt es. Ihre Kunst verlangt es!“
Ich verließ ihn, tief beeindruckt von seinen Worten und seiner Persönlichkeit. Er schien mein Gehirn von all seinen fiebrigen Komplexitäten befreit und stattdessen seine klaren und beruhigenden Gedanken hineingelegt zu haben.
Dank seiner starken Willenskraft wurde ich wieder munter und heiter. Er verwendete keine der üblichen hypnotischen oder mesmerischen Einflüsse. Es waren die Stärke seines Charakters, die Reinheit und Intensität seiner Absicht, die mich überzeugten. Als ich ihn besser kennenlernte, schien es mir, als würde er die chaotischen Gedanken in einen Zustand friedlicher Ruhe versetzen, so dass man seinen Worten seine volle und ungeteilte Aufmerksamkeit widmen konnte.

Der Swami lehrte mich eine Art Atemgebet. Er sagte immer, dass die Kräfte der Gottheit, die überall im Äther verteilt sind, durch das Einatmen in den Körper gelangen können.

Nach ihrem letzten Auftritt an der Metropolitan Opera im Jahr 1904 wandte sie sich der Konzertbühne zu und begab sich wie so viele ihrer damaligen Kollegen auf eine weltweite Konzerttournee. Zuvor war sie bereits mit Swami Vivekanandas Gefolge auf ausgedehnte Reisen gegangen. Ihre Reisen führten sie, wie der Titel ihres Buches andeutet: „Ich habe unter jedem Himmel gesungen“, in alle vier Ecken der Welt, wo sie brillierte, geehrt und verehrt wurde.
Im australischen Melbourne war sie überwältigt von der Menschenmenge, die zu einem Begrüßungsempfang gekommen war.

„Als der Tag kam, wurde ich in eine Halle geführt, in der ich nicht mehr als ein paar hundert Menschen erwartete. Wie groß war meine Erschrecken, als ich mich in einem riesigen, scheunenartigen Raum wiederfand, in dem sich mindestens viertausend Bürger Melbournes versammelt hatten, um mich zu begrüßen!“

Ihre Reiseberichte und die Wunder, die sie gesehen und erlebt hat, sind faszinierend zu lesen, ebenso wie ihre Lebensgeschichte, in der sie ihren Karriereweg und ihre Anekdoten so lebendig schildert. Es ist ein Blick in die vergangenen Jahre der Oper, als die Stars großzügig bezahlt wurden und vom Publikum einen gottgleichen Status genossen. Das Interesse, das sie erregten, war vergleichbar mit der Beatlemania.

Was in ihrer Autobiografie jedoch zum Ausdruck kommt, ist Calves Bescheidenheit, Freundlichkeit und scharfe Intelligenz, die nie aufhört, Grenzen zu erforschen, zu lernen und zu überschreiten.

Sie war als die ultimative Interpretin von Carmen und Santuzza bekannt. Es sind Aufnahmen aus den Jahren 1902-1920 erhältlich, die einen Eindruck davon vermitteln, was für eine unglaubliche Künstlerin sie gewesen sein muss.

In Amerika und Frankreich gab sie während des Ersten Weltkrieges Benefizkonzerte zur Unterstützung der Kriegsanstrengungen und pflegte, pflegte und tröstete die verwundeten Soldaten in Frankreich.

„1915 und 1916 ging ich wieder nach Amerika und sang in über vierzig Konzerten zugunsten des Lafayette Fund und anderer Kriegsorganisationen. Eines Abends im Juni 1916 sang ich im Bazar des Allies in New York. In der großen Halle der Waffenkammer müssen sich zehntausend Menschen befunden haben. In einer Ecke war eine Plattform aufgebaut worden, und das Orchester und der Chor des Metropolitan Opera House wurden engagiert, um mich zu begleiten. Ich erinnere mich, dass die Plattform sehr hoch war und dass ich auf einer Leiter hinaufklettern musste – ein ziemlich beängstigendes Unterfangen!
Als ich über diese Menschenmasse blickte, war ich tief bewegt. Noch nie zuvor hatte ich vor einer solchen Versammlung gesungen. Ich hatte fast Angst, aber ich nahm meinen Mut zusammen und begann die „Marseillaise“. Der Refrain sollte vom Opernchor übernommen werden, aber plötzlich brach das ganze riesige Publikum in donnernden Gesang aus.
„Ich weiß nicht, ob ich als Krankenschwester besser war als als Bäuerin. Jedenfalls habe ich getan, was ich konnte, und eine gewisse Zeit in Krankenhäusern verbracht. Es ist alles so schrecklich, eine so grausame Erinnerung, dass ich es selbst jetzt nicht ertragen kann, daran zu denken.“

„Ich habe viel für die genesenden Soldaten gesungen. Sie liebten die alten französischen Balladen, die Volkslieder der Bretagne und der Pyrenäen und aus meiner Heimat. Eines Tages war ich in einem Krankenhaus, in dem sowohl deutsche als auch französische Verwundete behandelt wurden. Nachdem ich den französischen Soldaten mehrere Lieder vorgesungen hatte, fragte mich einer der Poilus, ob ich erlauben würde, die Tür zur Gefangenenstation zu öffnen.
„Die armen Kerle dort drinnen sollten die Möglichkeit haben, Ihre himmlische Stimme zu hören!“, sagte er.
„Nein! Nein!“, rief ich. „Ich konnte nicht für sie singen! Sie haben uns zu sehr verletzt!“
Der Junge sah überrascht auf. Zum ersten Mal fiel mir auf, dass ihm der rechte Arm fehlte.
„Und ich?“, fragte er. „Meinen Sie nicht, dass sie mir auch wehgetan haben?“
Ich war beschämt über diese Großzügigkeit und sagte dem Pfleger, er solle die Tür öffnen. Danach sang ich, während ich auf der Schwelle zwischen den beiden Krankenstationen stand, aber ich hielt die Augen fest geschlossen. Ich konnte mich nicht überwinden, sie anzusehen!‘

Nachdem sie sich von der Bühne zurückgezogen hatte, kehrte sie in ihr geliebtes Midi in Frankreich zurück, wo sie die Türen ihres Schlosses für junge Sänger öffnete, um ihr Wissen an zukünftige Generationen weiterzugeben.

Sie starb am 6. Januar 1942 in Montpellier

Swarmi Vivekananda schrieb über Calvé.

„Sie wurde arm geboren, aber dank ihrer angeborenen Talente, ihrer enormen Arbeit und ihres Fleißes und nachdem sie viele Härten überwunden hatte, ist sie jetzt enorm reich und genießt den Respekt von Königen und Kaisern. … Die seltene Kombination aus Schönheit, Jugend, Talent und „göttlicher“ Stimme hat Calve den höchsten Platz unter den Sängerinnen des Westens eingebracht. Es gibt in der Tat keinen besseren Lehrer als Elend und Armut. Dieser ständige Kampf gegen die bittere Armut, das Elend und die Härte ihrer Mädchentage, der zu ihrem gegenwärtigen Triumph darüber geführt hat, hat ihr Leben mit einer einzigartigen Sympathie und einer Tiefe des Denkens mit einem weiten Horizont erfüllt.“

GIUSEPPE DI STEFANO, TENOR, 24. JULI 1921

Die goldene Stimme von Giuseppe di Stefano, der von seinen Tenor-Nachfolgern wie Luciano Pavarotti und Jose Carreras so bewundert und verehrt wurde, wurde in dem kleinen Dorf Motte Sant'Anastasia am Stadtrand von Catania auf Sizilien geboren.

Als Giuseppe sechs Jahre alt war, zog seine Familie nach Mailand. Hier verbrachte er seine prägenden Jahre und während seiner Ausbildung an einem Jesuitenkolleg dachte er sogar eine kurze Zeit lang darüber nach, Priester zu werden.

Es war im Alter von 16 Jahren, als Giuseppe während eines Kartenspiels nach einer Niederlage spontan in Gesang ausbrach und sein Gegner meinte, er sollte seine Stimme trainieren. Es dauerte zwei Jahre, bis er ernsthaft mit dem Gesangstraining begann, aber seine beiden Lehrer, beide Baritone, Luigi Montesanto und Mariano Stabile, lehrten ihn, wie wichtig eine klare Diktion ist. Die Klarheit, auf die diese Lehrer Wert legten, wurde während seiner gesamten Karriere zum Markenzeichen von di Stefanos Gesang. Diese klare Diktion, kombiniert mit der schönen Süße der Stimme, seiner natürlichen Musikalität und einem großzügigen Interpretationsstil, sorgten dafür, dass di Stefano seine Fans begeisterte. Als Sänger wurde Di Stefano für seine hervorragende Diktion, sein einzigartiges Timbre, seine leidenschaftliche Darbietung und insbesondere für die Süße seines sanften Gesangs bewundert. Er galt als der natürliche Nachfolger von Beniamino Gigli, der in seiner Jugend Giuseppes Lieblingstenor war.

Das Schicksal griff erneut ein, als di Stefano während des Zweiten Weltkriegs zur Armee eingezogen wurde. Sein kommandierender Offizier bezeichnete ihn als den schlechtesten Soldaten aller Zeiten, erkannte jedoch den großen Sänger in ihm. Da er die Welt dieses großen Talents nicht berauben wollte, beschloss der Offizier, dass er seinem Land besser dienen würde, wenn er die Streitkräfte verließ und sang. Dieses Szenario war möglicherweise die Inspiration oder ähnelt zumindest dem in Mario Lanzas Film „Weil du mir gehörst“, in dem Lanza einem opernliebenden Armeekommandanten begegnet, der dem berühmten „Opernsoldaten“ hilft, zu singen, anstatt seine Ausbildung zu absolvieren, als er zur Armee eingezogen wird.
Während der Kriegsjahre trat di Stefano unter dem Namen Nino Florio auf. Nach der Niederlage Italiens konnte er in die Schweiz fliehen. Nach einer Zeit der Internierung durfte er schließlich bei Radio Lausanne auftreten. In einer Sendung aus Lausanne sang er den ersten von vielen Nemorinos in l'elisir d'amore. Seine Stimme war auch auf Aufnahmen mit Interpretationen seiner sizilianischen Heimatlieder zu hören, die Ende der 1940er Jahre die Aufmerksamkeit anspruchsvoller Ohren außerhalb Italiens erregten.

Sein offizielles Debüt gab er 1946 in Reggio Emilia als Des Grieux in Massenets Manon. Im folgenden Jahr wiederholte er die Rolle an der Oper von Rom. Ein wichtiger Plattenvertrag mit EMI stand bevor.

Im Jahr 1948 gab er als Herzog in „Rigoletto“ sein Debüt an der Metropolitan Opera und eroberte anschließend die Herzen des Met-Publikums mit seinem wunderschönen Ton, seiner Musikalität und seiner Ausgelassenheit in den Rollen des Faust, Alfredo, Nemorino, Des Grieux und später des Cavaradossi und Rodolfo.

Bei seinem Metropolitan-Debüt in Faust attackierte er das hohe C forte und wurde dann sanfter bis zum Pianissimo. Sir Rudolf Bing schrieb in seinen Memoiren: „Der spektakulärste Moment in meinem Beobachtungsjahr war, als ich sein Diminuendo auf dem hohen C in „Salut! demeure“ in Faust hörte: Ich werde mein Leben lang die Schönheit dieses Klangs nicht vergessen.“

Seine Aufnahme mit Maria Callas in der Tosca von 1953 unter der Leitung von Victor de Sabato gilt als Maßstab für die Interpretation. Die Live-Aufnahme von Lucia di Lammermoor aus dem Jahr 1955 in Berlin unter der Leitung von Herbert von Karajan zeigt beide Künstler auf dem Höhepunkt ihres Könnens.

Zwischen 1953 und 1957 wurden für EMI zehn komplette Opern mit Maria Callas aufgenommen. Die beiden waren das andere Dream-Team der Zeit, das es auf der Bühne, als Berühmtheit und bei den Plattenverkäufen mit Renate Tebaldi und Mario Del Monaco aufnehmen konnte.

Di Stefano hat sein Leben in vollen Zügen genossen. Wie in seinen Rollen hielt er seine Großzügigkeit, Warmherzigkeit und Lebensfreude nicht zurück. Man sagte ihm, er genoss die schönen Dinge des Lebens vielleicht ein bisschen zu sehr, und später verlor seine Stimme etwas von ihrer Pracht. Di Stefano bestand darauf, dass dies daran lag, dass seine Stimmbänder aufgrund einer Allergie gegen Kunstfasern beschädigt und entzündet waren.

In späteren Jahren lebte er in Kenia. Bei einem versuchten Raubüberfall wurde er von den Angreifern schwer verletzt, geschlagen und bewusstlos zurückgelassen, da er sich weigerte, die Medaille, die er um den Hals trug und die ihm Arturo Toscanini als Anerkennung für sein Talent geschenkt hatte, freizugeben.

„Er hat mich angebetet“, sagt der Tenor ohne eine Spur von Wichtigtuerei. „Seine angebliche Strenge war Unsinn. Er sagte mir einmal: ‚Ich werde dir folgen, aber du solltest besser gut singen.‘ Und das habe ich getan.“
Die Verletzungen erwiesen sich als weitaus schlimmer als ursprünglich angenommen. Trotz dreier Operationen, einer Verlegung nach Mailand und dem Aufwachen aus dem Koma erholte er sich nie wieder und starb drei Monate nach dem Angriff.
Damit wir uns von dieser schrecklichen Geschichte über das Ende eines solch großartigen Mannes und Sängers erholen und sie zerstreuen können, hinterlassen wir Ihnen hier ein paar Zitate des Mannes selbst aus dem LA Times-Interview mit Walter Price aus dem Jahr 1988.

Auf die Frage, welche Sänger er bewundert, lächelt er mit einem schelmischen Charme, der ihn in der Vergangenheit sicherlich schon in Schwierigkeiten gebracht hat, und antwortet: „Nur die Großen.“
Im selben Interview wurde er gefragt, ob er aufhören würde. Er antwortete: „Ich weiß es nicht. Ich habe Ihnen gesagt, dass ich nie Pläne gemacht habe. Del Monaco sagte mir einmal, er würde sich umbringen, wenn er nicht mehr singen könne. Ich sagte ihm, ich würde mich umbringen, wenn ich nicht aufhören könnte.“
Grazie, Giuseppe!

KIRSTEN FLAGSTAD, SOPRAN, 12. JULI 1895

Kirsten Flagstad wurde in Hamar, Norwegen geboren. Wie so viele herausragende Sänger wuchs sie in einer musikalisch begabten Familie auf und diese Sopranistin wurde tatsächlich als „Stimme des Jahrhunderts“ gefeiert. Sie wurde in Oslo von ihrem Vater Michael, einem Dirigenten, ihrer Mutter Maja, einer Pianistin, großgezogen und gefördert. Ihre Geschwister, die später Musiker wurden, waren ihre Brüder Ole, ein Dirigent, und Lasse, ein Pianist, und ihre Schwester Karen-Marie, ebenfalls eine Wagner-Sopranistin.
Flagstad debütierte 1913 als Nuri in Eugen d'Alberts Tiefland am Nationaltheater in Oslo. Frühe Aufnahmen ihrer Stimme wurden in diesem jungen Alter zwischen 1913 und 1915 gemacht.
Nachdem sie über ein Jahrzehnt lang Oper und Operette an der Opéra Comique gesungen hatte, die interessanterweise von Alexander Varnay, dem Vater einer anderen Wagner-Sopranistin, Astrid Varnay, mitgeleitet wurde, ist es auch erwähnenswert, dass Flagstad zu dieser Zeit Desdemona in Leo Slezaks Otello sang. Im Laufe ihrer Karriere tendierte sie zu den schwereren, dramatischeren Sopranrollen. Anscheinend war es die Rolle der Aïda, die das Potenzial freisetzte, letztendlich ihre wahre Berufung zu finden, als sie 1932 die Rolle der Isolde in Wagners Tristan und Isolde übernahm.
Die aus Skandinavien stammende Sopranistin Ellen Gulbranson machte Winifred Wagner auf Flagstads Stimme aufmerksam und engagierte Flagstad 1933 zunächst für kleinere Rollen in Bayreuth. In der folgenden Saison sang sie die Sieglinde in der Walküre und die Gutrune in der Götterdämmerung neben Frida Leider als Brünnhilde.
Ein Jahr später wurde sie bei einem Vorsingen sofort von der Metropolitan Opera in New York engagiert, die nach einem Ersatz für das gleiche Repertoire wie Frida Leider suchte. Ihr schlankes, jugendliches Aussehen war ein zusätzlicher Bonus zu ihren offensichtlichen stimmlichen Fähigkeiten und ihrem Talent.
Ihr Debüt an der Metropolitan war eine Sensation und fast über Nacht hatte sie sich als die herausragende Wagner-Sopranistin der Ära etabliert. Ihre manchmal drei oder vier Aufführungen pro Woche in der Anfangszeit an der Met waren Wochen im Voraus ausverkauft und Spenden aus ihren landesweiten Radioaufrufen während der Pause bei den Samstagsmatineen halfen der Metropolitan Opera, zu diesem Zeitpunkt vor dem drohenden Bankrott zu bewahren. 1935 sang sie die drei Brünnhilden im Ring-Zyklus für die San Francisco Opera. 1936 und 1937 sang sie die Wagner-Rollen Senta, Isolde und Brünnhilde in Covent Garden, wo sie den gleichen Ruhm und Respekt erlangte wie in New York
Trotz Ratschlägen von Freunden und Kollegen und sogar Bitten des ehemaligen Präsidenten Herbert Hoover kehrte sie 1941 in das von Deutschland besetzte Norwegen zurück, bevor die Vereinigten Staaten in den Zweiten Weltkrieg eintraten. Sie unternahm diesen Schritt, um wieder mit ihrem Ehemann vereint zu sein. Die Entscheidung wurde sicherlich dadurch erschwert, dass ihre 20-jährige Tochter mit einem Amerikaner verheiratet war und in Montana lebte.
Während dieser Zeit sang sie nur in den nicht besetzten Ländern Schweiz und Schweden. Doch die öffentliche Meinung schadete ihrem Ruf und sie fiel in Ungnade beim Publikum.
Nach der Wiedereröffnung im Jahr 1947 engagierte Covent Garden trotz finanzieller Schwierigkeiten Flagstad für vier aufeinanderfolgende Spielzeiten von 1948 bis 1952, wo sie ihre Wagner-Rollen, darunter Kundry und Sieglinde, sang.
In Amerika hatte sich die öffentliche Meinung ihr gegenüber nicht geändert. Der neue Direktor der Met, Rudolf Bing, wurde für seine Entscheidung, Flagstad für die Saison 1950-1951 erneut zu engagieren, scharf kritisiert: „Die größte Sopranistin dieses Jahrhunderts muss im größten Opernhaus der Welt singen“, entgegnete er.
Da sie bereits über fünfzig war und das Gefühl hatte, dass sie für die anspruchsvollen Wagner-Rollen nicht mehr die Ausdauer und Gesundheit von früher besaß, sollten diese Auftritte an der Met ihre letzten sein. Ihre Abschiedsvorstellung an der Met gab sie im April 1952, allerdings nicht als Wagner-Heldin, sondern in der Titelrolle von Glucks Alceste. Ihren letzten öffentlichen Auftritt in der Rolle von Purcells Dido aus Dido und Aeneas gab sie am 5. Juli 1953 in London.
Sie war 1952 Gast in der BBC-Radiosendung Desert Island Discs und erwählte Stricknadeln und Wolle zu ihren Luxusartikeln. Nicht unähnlich einer anderen Primadonna mit großartiger Stimme, Joan Sutherland, die sich hinter der Bühne mit Stickarbeiten beschäftigte.
Kirsten Flagstads umfangreicher Plattenkatalog und die bestehenden Live-Mitschnitte aus der Metropolitan gelten weiterhin als klassische Maßstäbe und zollen ihren größten Rollen Tribut, auch wenn einige ihrer beständigsten Aufnahmen erst nach ihrer Blütezeit aufgenommen wurden. Sie verewigte Richard Strauß' Vier Letzte Lieder, die Strauß selbst für ihre Uraufführung vorgesehen hatte, obwohl er nicht lange genug lebte, um die Aufführung zu erleben.
Das Plattenlabel Decca hatte vor, sie mit dem Mezzosopran-Repertoire Wagners aufzunehmen, mit beiden Fricka-Rollen in Das Rheingold und Die Götterdämmerung. Auch Brahms‘ Alt-Rhapsodie und Vier Ernste Lieder sollten aufgenommen werden, bevor sie 1962 starb, was den Respekt ihrer Plattenfirma für sie und die Qualität ihrer noch immer gleichbleibenden und außergewöhnlichen Stimme bezeugt.
In seinem Nachruf schrieb der Opernkritiker der New York Times, Harold C. Schonberg: „Diese Stimme! Wie soll man sie beschreiben?“ „Sie war gewaltig, klang aber nicht gewaltig, denn sie wirkte nie übertrieben oder fehl am Platz. Sie hatte eine ziemlich kühle, silbrige Qualität und wurde instrumental behandelt, fast so, als würde eine riesige Geige legato Phrasen von sich geben.“
Unglaublich, aber wahr: Flagstad sang die Rolle der Isolde von 1935 bis 1941 70 Mal auf der Bühne der Met und machte damit „Tristan und Isolde“ zu einem der größten Kassenschlager in der Geschichte der Metropolitan Opera.
(Neun dieser Aufführungen waren Samstagnachmittags-Radioübertragungen, nicht zitiert)

Das Kirsten Flagstad Museum in Hamar, Norwegen (https://kirsten-flagstad.no/en), beherbergt eine private Sammlung von Opernartefakten. Ihre Kostüme ziehen besondere Aufmerksamkeit auf sich und umfassen mehrere Beispiele, die aus den Archiven der Metropolitan Opera ausgeliehen wurden. Ihr Porträt erschien auf der norwegischen 100-Kronen-Note und auf dem Heckteil von Flugzeugen der Norwegian Air Shuttle.

Kirsten Flagstad malte ein Verkehrsflugzeug der Norwegian Air Shuttle.

LUISA TETRAZZINI, SOPRAN, 29. JUNI 1871

Luisa Tetrazzini

Die Koloratursopranistin Luisa Tetrazzini wurde an diesem Tag im Jahr 1871 in Florenz geboren. Weniger bekannt ist, dass sie zwei ältere Schwestern hatte, die ebenfalls Sopranistinnen waren, obwohl sie nicht so berühmt waren wie sie.

Nachdem sie zunächst bei ihrer neun Jahre älteren Schwester Eva studiert hatte, nahm sie anschließend Unterricht bei Evas Lehrer, Professor Ceccherini, am Instituto Musicale in Florenz.

Wie im Leben so vieler berühmter Sängerinnen kam ihr großer Durchbruch mit ihrem Operndebüt im Jahr 1890, als sie im Alter von nur 19 Jahren die Rolle der Primadonna in Meyerbeers „L’Africaine“ am Teatro Paglione in Florenz einnahm.

In ihrer Autobiografie „My Life in Song“ erinnert sie sich: „Die Bürgersteige vom Theater zu meinem Haus waren selbst zu dieser späten Stunde noch mit vielen Menschen gesäumt, und alle schienen mir Glückwünsche zuzurufen.“

Nur zwei Monate später wurde sie engagiert, um die Rolle in Rom für den König und die Königin von Italien zu wiederholen.

Der Tenor Giacomo Lauri Volpi beschrieb sie als „Frau mit einer schillernden Stimme, einem brillanten Timbre und einem Umfang und einer Beweglichkeit, die weit über das Normale hinausgehen …“ Ihre Stimme wurde als von „warmer, klarinettenartiger Schönheit“ beschrieben.

Es wurde jedoch behauptet, dass ihre Mittelstimme eher dünn und kindlich war (obwohl sie mit zunehmender Reife an Wärme zunahm). Dieser Aspekt ihrer Stimme gefiel einem anderen berühmten Tenor, John McCormack, nicht, der sie mit „dem Wehklagen eines mürrischen Kindes“ verglich. Dennoch hatte Tetrazzini selbst nur lobende Worte für McCormacks „Gott gegebene Gabe“ übrig und bemerkte großzügig: „Ich fand, dass seine reiche Stimme so gut zu meiner passte, dass ich ihn mit nach Amerika nahm, und er sang mit mir sowohl in New York als auch in den anderen großen Städten, als die Hammerstein Company auf Tournee ging.“

Später wurde geschrieben: „Tetrazzini besaß eine außergewöhnliche Gesangstechnik, die es ihr ermöglichte, jede stimmliche Herausforderung mit freudiger Leichtigkeit zu meistern. Sie beherrschte Läufe, Triller, Staccati und Stimmverzierungen aller Art vollkommen.“

Sie etablierte sich in Lateinamerika und Europa, wo sie in St. Petersburg ihre Lieblingsrolle in Donizettis Lucia di Lammermoor mit Enrico Caruso sang. Dies war der Beginn einer engen Freundschaft und später sogar einer Zusammenarbeit bei einem Buch über Gesangstechnik zwischen den beiden.

Dem englischen Opernpublikum war sie allerdings noch relativ unbekannt. Doch das sollte sich ändern, als sie die Gelegenheit bekam, Nellie Melba in der Rolle der Violetta in La Traviata in Covent Garden zu vertreten. Sie wurde zwanzig Mal vor den Vorhang gerufen und von EA Baugham in der Daily News mit Lob der Kritiker bedacht: „Ich glaube nicht, dass ich übertreibe, wenn ich sage, dass Mme Tetrazzini die Stimme des Jahrhunderts hat und sich sogar von den großen italienischen Sängerinnen, die wir kennen, abhebt …“

Ihr Superstar-Status stand unmittelbar bevor, als Kritiker sie mit ihrem Idol Adelina Patti verglichen. Patti, die der früheren Operngeneration entstammte, besuchte eine Aufführung und lud sie später zum Mittagessen ein. Die beiden Sopranistinnen wurden enge Freunde und Patti wurde oft dabei beobachtet, wie sie bei Tetrazzinis Aufführungen laut klatschte. Ebenso schrieb Tetrazzini über einen Brief, den sie von Patti erhalten hatte: „Lob von einem gemischten Publikum ist sehr erfreulich, nachdem man sein Bestes gegeben hat. Aber Lob, und solches Lob, von Patti ist weit mehr als die vorübergehende Freude über eine öffentliche Ovation.“

Es folgten Engagements in Amerika und Plattenverträge mit der Victor Recording Company hielten ihre Stimme zwischen 1904 und 1920 für die Nachwelt fest.

Ein sehr berühmtes Ereignis, für das sie bekannt ist, ist ihr Widerstand gegen Oscar Hammerstein, der sie an ihren Vertrag hielt, nicht in San Francisco zu singen. Hammerstein war ihr Agent, den sie für seinen Unternehmergeist und Geschäftssinn bewunderte. Sie rief aus: „Ich werde in San Francisco singen, und wenn ich dort auf der Straße singen muss, denn ich weiß, dass die Straßen von San Francisco frei sind.“ Mit dieser Erklärung gewann sie ihren Rechtsstreit und ihr neuer Agent WH Leahy verkündete, dass sie auf den Straßen von San Francisco singen würde. Und so bestieg Tetrazzini an einem klaren Weihnachtsabend im Jahr 1910 in einem strahlend weißen Kleid eine Bühnenplattform, umgeben von einer Menge von schätzungsweise zwei- bis dreihunderttausend Einwohnern von San Francisco, und brachte der Stadt, die sie liebte, ein Ständchen.

Neben diesem Vorgeschmack auf die Open-Air-Benefizauftritte des kommenden Megastars ist sie auch in der kulinarischen Welt in Erinnerung geblieben. Ob Truthahn oder Chicken Tetrazzini, das Gericht hat sich seinen Weg in die allgegenwärtige Liste der Lieblingsgerichte erarbeitet.

Nach dem Ersten Weltkrieg widmete sie sich vor allem Konzerten und Rezitalen. Tetrazzini war dreimal verheiratet und in Rechtsstreitigkeiten mit ihrem dritten Ehemann verwickelt, die ihren enormen Reichtum schmälerten. Dennoch war sie für ihre Großzügigkeit bekannt.

In ihrem Ruhestand unterrichtete sie sowohl in Rom als auch in Mailand und ihre Gesangstechnik war angeblich atemberaubend und blieb es bis zu ihrem Tod im Jahr 1940.

JOHN MCCORMACK, TENOR, 14. JUNI 1884

John McCormack

Hätte ein Sänger in seinem Leben jemals so viele Auszeichnungen, Titel und Ruhm erhalten können? Vielleicht war es Beniamino Gigli …

John McCormacks Leben war von Anfang an von Ruhm und Reichtum geprägt. Geboren wurde er in Westmeath, County Athlone in Irland. Seine musikalischen Neigungen wurden durch das Singen im Kirchenchor und zweifellos auch durch seine schottischen Eltern gefördert, die übrigens über hervorragende Gesangsstimmen verfügten.

Später, als die Familie nach Dublin zog, trat er dem Chor der St. Mary's Pro Cathedral bei. Dort wurde sein Talent vom Chorleiter und Komponisten Vincent O'Brien erkannt.

Ein Jahr nach seiner Ausbildung gewann er für seinen Gesang die begehrte Medaille Feis Ceoil. Im folgenden Jahr ermutigte er seinen Freund, ebenfalls Tenor und später selbst berühmt geworden, den Autor James Joyce, am Gesangswettbewerb teilzunehmen. Joyce belegte den 3. Platz. Man fragt sich, welchen Karriereweg Joyce wohl eingeschlagen hätte, wenn er gewonnen hätte!

Spendenaktionen ermöglichten ihm eine Ausbildung bei Vincenzo Sabatini in Mailand. Sabatini fand seine Stimme überhaupt nicht mangelhaft und konzentrierte sich darauf, ihm eine Atemtechnik beizubringen, die zu einem Markenzeichen von McCormacks Gesang werden sollte. Berühmt für seine außergewöhnliche Atemkontrolle, konnte er in Mozarts „Il mio tesoro“ aus Don Giovanni 64 Noten mit einem Atemzug singen, und sein Gesang von Stücken von Händel war in dieser bemerkenswerten Fähigkeit ebenso beeindruckend.

Sein Operndebüt gab er 1906 unter dem Namen Giovanni Foli in Mascagnis L'amico Fritz. Es folgten Engagements in Amerika und auf dem Höhepunkt seiner Karriere tourte er als Startenor für die Saison der Melba Grand Opera 1911 durch Australien. Von 1908 bis 1914 trat er regelmäßig in Covent Garden mit NELLIE MELBA oder LUISA TETRAZZINI auf.

Ab 1912 richtete sich sein Interesse immer mehr auf konzertante Auftritte, bei denen er seine Stimme den Massen näherbrachte – und die Massen verehrten ihn.

Nach Enrico Caruso wurde er der beliebteste „Red Seal“-Künstler der Victor Talking Machine Company. Apropos Caruso: Nachdem er Carusos Auftritt als Rodolfo in La Bohème in der ersten Reihe im Covent Garden gehört hatte, sagte McCormack: „Das war die beste Lektion, die ich bis dahin je erhalten hatte, und ein unbeschreiblicher Ansporn. Der Klang von Carusos Stimme an diesem Abend blieb mir monatelang in den Ohren.“

Oder, wie aus einem anderen Bericht hervorgeht: „Er kam auf die Idee, sich diese Ausbildung anzueignen, als er 1904 in Covent Garden einen Caruso hörte. McCormack war damals zwanzig und stand am Anfang seiner Karriere als professioneller Sänger. ‚Ich werde nie ruhen‘, sagte er nach diesem Auftritt zu einem Freund. Ich werde arbeiten und trainieren und beten, und eines Tages werden zwei Männer so singen. Caruso und ich.“

Zwei Jahre später sang er selbst in London und wurde der jüngste führende Tenor des Covent Garden in Mascagnis Cavalleria Rusticana.

Er erhielt weiterhin Lob, während sein Stern unaufhaltsam aufstieg. Der berühmte Geiger Jan Kubelik machte ihm eines der größten Komplimente, nachdem er ihn in Prag gehört hatte: „Dieser Mann muss eine Stradivari im Hals haben.“

Vielleicht, weil ihm die schauspielerische Seite der Opernaufführung nicht so gefiel, oder weil er erkannte, dass er mit seiner Stimme mehr Menschen erreichen und mehr Geld verdienen konnte, wenn er mit Leuten wie Fritz Kreisler auftrat, entschied er sich für Konzertauftritte und die Karriere als Popmusiker. Während der Katastrophe des Ersten Weltkriegs im Jahr 1917 beschloss er außerdem, amerikanischer Staatsbürger zu werden. McCormacks Biograf Gordon Ledbetter glaubt, dass der Tenor der letzte Sänger war, der so unterschiedliche Stile erfolgreich zusammenbrachte.

Ein anderer Biograf, der versuchte, dem zeitgenössischen Publikum McCormacks große Fangemeinde zu vermitteln, sagte, er sei wie Pavarotti, Madonna und Johnny Carson in einer Person!

Seine Hits aus Kriegszeiten fanden bei der irischen Bevölkerung in Amerika großen Anklang, da sie sowohl auf Irland als auch auf die Vereinigten Staaten stolz sein konnten. McCormack wurde ein Radio-Megastar und spendete großzügig für die US-Kriegsanstrengungen und katholische Wohltätigkeitsorganisationen.

Zu seinen Hits aus dieser Zeit zählten unter anderem „It’s a Long Way to Tipperary“, „Mother MacCree“ und der Hollywoodfilm „Song o’My Heart“, für den er eine halbe Million Dollar dafür bekam, elf Lieder für den Soundtrack zu singen.

Er wurde ein sehr reicher Mann und allen Berichten zufolge genoss er seinen Reichtum in vollen Zügen und gab der Öffentlichkeit in Form zahlreicher Benefizkonzerte und Spenden etwas zurück.

Nicht viele Opernsänger werden zu päpstlichen Grafen – nicht so John Count McCormack, wie auf seinem Grabstein in seinem Geburtsland Irland eingraviert ist. Früher in seinem Leben wurde er zusätzlich zum Malteserritter dreimal zum päpstlichen Ritter ernannt. Er starb im Alter von 61 Jahren an einer Lungenentzündung, sieben Jahre nach seinem Abschiedskonzert in der Royal Albert Hall. Trotz des Abschiedskonzerts im Jahr 1938, während des Zweiten Weltkriegs, kam er aus dem Ruhestand zurück, um das Rote Kreuz zu unterstützen.

ROBERTO ALAGNA, TENOR, 7. JUNI 1963

„Ich habe nie besonders an Astrologie geglaubt, aber Experten haben immer behauptet, dass ich alle Eigenschaften eines Zwillings habe: sehr gesellig, aber auch sehr anpassungsfähig. Es war also von Geburt an vorherbestimmt, dass ich zu allen Wendungen und Rollen fähig sein würde!“

„Ich habe mich besonders für die Astrologie interessiert, aber die Spezialisten, die mir täglich zur Seite stehen, bestätigen, dass ich alle Eigenschaften von Edelsteinen habe: sehr kontaktfreudig und auch sehr anpassungsfähig.“ Ich habe meine Geburt nicht bestätigt, weil ich in der Lage bin, alle Revanchen und Rollen zu übernehmen!

Das Singen liegt dem französisch-sizilianischen Tenor Roberto Alagna im Blut. Sein berühmter Urgroßvater mütterlicherseits, Jimmy, sang für den großen Enrico Caruso, als der Maestro eines Tages zufällig in seinem Brieftaschenladen in New York City, USA, vorbeischaute, und Enrico war so beeindruckt, dass er Jimmy vorschlug, für den Chor der Metropolitan Opera vorzusingen! Was für ein Kompliment! (Obwohl Jimmy den Vorschlag des Maestros – oder des „Commendatore“, „des Kommandanten“, wie Jimmy ihn liebevoll nannte – ablehnte, da er sich lieber auf sein Geschäft konzentrieren wollte.)

Robertos Gesangsmentor Rafael Ruiz war ein direkter Schüler des legendären italienischen Tenors Aureliano Pertile (1885-1952). Diese Tatsache erregte die Aufmerksamkeit von Luciano Pavarotti, als Roberto ihn bei einer Schallplattensignierstunde im Pariser Kaufhaus Printemps traf. Ein Jahr später wurde Roberto, ohne es zu wissen, zu einem Vorsingen in der ersten Runde des Internationalen Pavarotti-Gesangswettbewerbs im italienischen Pesaro eingeladen, dem Geburtsort des legendären Komponisten des 19. Jahrhunderts Gioachino Rossini (1792-1868). Er sang für Luciano sein Glückslied „La Danza“ von Rossini und dachte, er sei disqualifiziert, weil Luciano ihm nicht erlaubte, wie alle anderen Teilnehmer, ein zweites Stück für ihn zu singen. Im Gegenteil, Luciano war von seiner Stimme begeistert und qualifizierte sich für die nächste Runde. Tatsächlich erzählte Saimir Pirgu, ein albanischer Tenor, der bei Luciano studierte, Roberto Jahre später etwas, das er nicht über Luciano wusste: „Jedes Mal, wenn wir bei Luciano Unterricht hatten, sprach er nur von einem Tenor, Roberto, und er sagte: ‚Hier, nimm diese LP und sing so.‘“

Nach dem Gewinn des Pavarotti International Voice Competition 1988 in Philadelphia – der Heimatstadt von Mario Lanza – erlebte Robertos Karriere einen steilen Aufstieg.

Sein Debüt gab er mit der Glyndebourne Touring Company in der Rolle des Alfred Germont in Verdis La Traviata. Ab 1990 hat er eine Reihe wichtiger Rollen an den führenden Opernhäusern gespielt: La Scala, Covent Garden und der New York Metropolitan.

1995 gewann er einen Olivier Award für seine Darstellung des Roméo in Gounods Roméo et Juliette, die für ihre Diktion und feinen Nuancen ausgezeichnet wurde und einen Wendepunkt in seiner Karriere darstellte, der ihm seinen Platz unter den Großen des französischen Repertoires sicherte. Alagna hat sich auch lange vernachlässigten Repertoires zugewandt und sich von seinen Anfängen als lyrischer Tenor mit zunehmender Reife seiner Stimme an schwerere Spinto-Rollen wie Samson in Samson et Dalia, Canio in I Pagliacci, Mauricio in Adriana Lecouvreur und Des Grieux in Manon Lescaut gewagt.

Roberto ist für seine charismatische Bühnenpräsenz bekannt und hat durch seine Aufnahmen in einer Vielzahl unterschiedlicher Musikgenres sowie durch seine Auftritte in Filmen und Musikvideos große Popularität erlangt. Sein 2008 veröffentlichtes Album „Sicilian“ war ein großer Erfolg und erreichte mit über 350.000 verkauften Exemplaren das breite Publikum.

Roberto Alagna wurde 2008 zum Chevalier de la légion d'honneur ernannt.

Herzlichen Glückwunsch zum Geburtstag, Roberto! Wir wünschen dir Glück, Gesundheit und Erfolg! Vielen Dank für deine Bereitschaft und Entschlossenheit, deinem Publikum auf der ganzen Welt weiterhin Freude zu bereiten!

Joyeux-Jubiläum Roberto! Wir wünschen Ihnen Glück, Gesundheit und Erfolg! Merci für Ihre freiwillige und begeisterte Fortsetzung der Freude an Ihrem Publikum auf der ganzen Welt!

GEORGE LONDON, BASSBARITON, 30. MAI 1920

George London wurde in Montreal als Sohn russischer Emigranten geboren und wuchs in Los Angeles auf. Er besaß eine dunkle und resonante Bassbariton-Stimme mit einem leicht durchdringenden oberen Register, das er meisterhaft von den feinsten Pianissimi bis zu den lautesten Fortes einsetzte. Er war auch für seine imposante Bühnenpräsenz und die hervorragende Darstellung seiner Rollen bekannt.

Ein interessanter Aspekt seiner Karriere ist, dass er, bevor er internationale Anerkennung erlangte, in den Jahren 1947-48 als Mitglied des Bel Canto Trios mit Mario Lanza und Francis Yeend auftrat (1).

Schon bald nach seiner Zeit am Trio kam seine internationale Karriere in Schwung, beginnend mit seinem Debüt in Wien 1949 (2). 1951 folgte ein Debüt bei den Bayreuther Festspielen als Amfortas im Parsifal, woraufhin er in weiteren Spielzeiten diese Rolle und die Titelrolle des Fliegenden Holländers zu hören bekam.

An der Metropolitan Opera in New York sang er über 270 Vorstellungen und wurde zu einem der berühmtesten Vertreter der fünf charakteristischen Bassbaritonrollen Don Giovanni, Amfortas, Wotan, Scarpia und Boris Godunow. Es war keine Kleinigkeit und ein Beweis für seine Gesangskunst, dass ihm 1960 auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges die Ehre zuteil wurde, als erster nicht-russischer Sänger die Titelrolle des Boris Godunow am Bolschoi-Theater zu singen (3). Ganz einfach, er war in der Lage, alle Gesangsstile von Mozart über die französische Romantik und Moderne bis hin zu Verdi, Wagner, Mahler und Richard Strauß zu umfassen, sowie viele Aufführungen von Broadway-Stücken und amerikanischen Liedern und Liedern.

Sowohl die Beatles als auch Maria Callas verdankten ihre Bekanntheit einem größeren Publikum durch ihre Auftritte in der Ed Sullivan Show. Am 25. November 1956 gab Maria Callas ihr nationales Fernsehdebüt als Floria Tosca in einem gekürzten 2. Akt von Puccinis Tosca. Weniger Menschen erinnern sich daran, dass es George Londons Baron Scarpia war, der sich mit seinem stimmlichen Können und seiner Bühnenpräsenz als perfekter Gegenpart zu Callas erwies (4).

Auf einer weiteren klassischen Londoner Aufnahme singt er den Baron Scarpia in Puccinis Tosca, zusammen mit der anderen führenden Primadonna der Zeit, Renate Tebaldi, und Mario del Monaco, um das mit Stars gespickte Team zu komplettieren.

Aus gesundheitlichen Gründen gelang es ihm zwar nie, die Rolle des Hans Sachs in den „Meistersingern von Nürnberg“ zu übernehmen, dennoch existieren Aufnahmen von Sachs‘ Monologen aus Konzertauftritten und eine private Aufnahme seiner Darstellung des Wotan im „Rheingold“, die er als Teil des gesamten Kölner Ring-Zyklus aufführte.

Leider musste sich George London auf dem Höhepunkt seiner Karriere von der Bühne zurückziehen, da seine Stimme aufgrund einer Stimmbandlähmung nachließ. Die Behandlungen erwiesen sich als unzureichend, um seiner Stimme ihre frühere Kraft zurückzugeben, und so lehnte er als vollendeter Künstler weitere Engagements ab.

Später wurde er künstlerischer Leiter des Kennedy Center in Washington und Generaldirektor der Opera Society of Washington.

Er und seine Frau gründeten die George and Nora London Foundation for Singers, in deren Rahmen jährlich ein Gesangswettbewerb für junge kanadische und amerikanische Sänger stattfindet, bei dem fünf der 15 Finalisten 12.000 TP11T und die restlichen 10 12.000 TP11T als Förderpreis erhalten.

DAME NELLIE MELBA, SOPRAN, 19. MAI 1861

Die berühmte Nellie Melba, geboren 1861, war eine Frau mit einer Mission. Nach einem bescheidenen Start ihrer Karriere als lyrische Koloratursopranistin in ihrer Heimatstadt Melbourne in Australien verließ sie 1886 das Land, um ihre Karriere in London fortzusetzen.