SHORT007 AN INCLUSIVE DISCOVERY AT THE PUCCINI BIRTH HOUSE MUSEUM

What inclusive discovery did Gyaan Lyon aka The Voice Detective make at the Puccini Birth House Museum in Lucca, Italy? Watch to find out….

HN005 Neapolitan Song: The French Connection

No, this is not about organised crime.

Its about the establishment of a canon of Neapolitan song in the early years of the 19th Century. Scholars have debated the origins and sources of Neapolitan song for many decades, but one thing on which all agree, is that without the transcription and composition of Neapolitan song undertaken by a Frenchman, Guillaume Cottrau, and published by him from 1824 to 1829, we would not have Neapolitan songs as we know them.

Cottrau was born in Paris, but came to Naples as a child, and became to all intents and purposes, a Neapolitan by inclination and adoption without losing his French roots. When his family returned to Paris, Cottrau himself had put down firm roots in Naples and had married into a Neapolitan family as well.

Cottrau collected and transcribed the music that he found in the streets, highways, and countryside. He also published these songs, under the title of Passatempi musicale for the fast growing bourgeois salons where a piano was the instrument de rigeur, and in so doing added, transformed, re-wrote and even composed his own Neapolitan songs. How far he went in changing the words, music and character we may never know. What we do know though, is that without his work, many songs would have been lost forever, and so we must be grateful for what he saved. Through his French connection, his publishing house Girard, spread Neapolitan song throughout Europe and beyond, and today it is a recognisable music the world over.

Maria Callas, Sopran, 2. Dezember 1923

Maris Callas ist eine griechische Emigrantin, wurde in Griechenland gezeugt und in New York geboren. Sie wurde auf den Namen Cecilia Sophia Anna Maria Callas getauft, und ihre Namensvetterin, die heilige Cäcilia, die Schutzpatronin der Musik, kam ihr in diesem Fall besonders zugute!

Das tatsächliche Geburtsdatum ist umstritten, aber wenn man dieses Zitat aus dem Buch von Stelios Galatopoulos, Maria Callas La Divina, berücksichtigt, hat Maria das letzte Wort. „Das tatsächliche Geburtsdatum ist ungewiss. In Maria Callas‘ Reisepass ist der 2. und in Groves Wörterbuch der 3. angegeben, aber Callas‘ Mutter erinnert sich an den 4.. Callas selbst betrachtet den 4. als ihren Geburtstag, hauptsächlich, um natürlich mit ihrer Mutter übereinzustimmen, und auch, weil die heilige Barbara die Schutzpatronin der Artillerie ist, für die Callas sagt, dass sie eine besondere Verehrung empfindet.“ 

Kurz gesagt, Maria Callas war eine erstaunliche Naturgewalt. Ihr Instrument umfasste viele Stimmkategorien, die sie mit größter Kunstfertigkeit und Musikalität über das vielfältige Opernrepertoire hinweg einsetzte, das sie beherrschte, und das allen Zeugenberichten zufolge auf höchst faszinierende und absolut unvergessliche Weise.

Wenn man ihr nicht klassifizierbares Instrument klassifizieren müsste, würde es wahrscheinlich in die Kategorie Soprano dramatico d'agilitá fallen, eine Stimme mit enormem Umfang, die einen blumigen Stil mit dramatischen Akzenten beherrscht, die ihr eine sehr bewegende Klangqualität verleihen. Die Stimme besaß ein großes Volumen im Vergleich zu dem, was ein heutiger dramatischer Sopran legitimerweise aufweisen würde, sowie die umfassende Bruststimme eines echten Mezzosoprans.

Als die Leitung des Scala-Theaters ihr schließlich einen Vertrag als Primadonna in ihrem eigenen Recht nicht mehr verweigern konnte und nicht nur als Ersatz für den erkrankten und beliebtesten Star der damaligen Zeit, Renate Tebaldi,, erlangte sie schwindelerregende Höhen zum Opernstar, der weltweite Berühmtheit und Bewunderung erlangte.

Mit Callas hatte La Scala eine Sängerin, die in der Lage war, die lange vernachlässigten Belcanto-Opern wiederzubeleben. La Scala war so abhängig von Callas' Fähigkeiten, dass sie keine andere lebende Sängerin finden konnte, die die Rolle von Donizettis Anna Bolena für den geplanten Russlandbesuch 1964-1965 singen konnte. Callas lehnte die Teilnahme ab, da ihr für diese Saison keine anderen Rollen an La Scala angeboten wurden.

Ihre Stimme und Mystik haben dazu geführt, dass viele Bücher, Theorien und Filme über sie gedreht wurden.

Um eine Vorstellung von der Aufsehen erregenden Wirkung zu vermitteln, die sie auslöste, lassen wir andere, die sie kannten und ihre Auftritte miterlebten, in Erinnerungen schwelgen.

Als Giuseppe di Stefano, sein Freund und die andere Hälfte des Opern-Dreamteams, das er mit Callas bildete, in einem Interview gebeten wurde, seine beiden Hauptdarstellerinnen zu vergleichen, antwortete er: „Tebaldi hatte die schönste Stimme der Welt“, sagt er. „Maria hatte vier verschiedene Stimmen, aber sie war die ausdrucksstärkste Sängerin, die ich je erlebt habe. Sie war eine wahre Künstlerin. Sie sorgte für Schlagzeilen, aber sie wollte immer nur als ‚die Andere‘ behandelt werden (der im Tebaldi/Callas-Lager gebräuchliche Begriff für die gegensätzliche Diva).“

Madame Biki, eine der berühmtesten Modeschöpferinnen Italiens in den 40er-60er-Jahren, entwarf für Maria Callas und trug dazu bei, dass Callas zu einer Stilikone ihrer Zeit wurde. Der Name Biki war übrigens der Spitzname, den ihr Stiefgroßvater ihr gab, der kein anderer als Giacomo Puccini selbst war. Im Vorwort zu Maria Callas La Divina schrieb sie: „Mode: Das ist der Grund, warum Maria zuerst zu mir kam, und das war keineswegs ein unbedeutender oder irrelevanter Grund. Die Eleganz der Callas, sowohl auf der Bühne als auch im Leben, war einer ihrer vielen Triumphe. Maria Callas ist eine herausragende Persönlichkeit: ein Leben auf dem Höhepunkt. Sie ist vergleichbar mit Persönlichkeiten unserer Zeit wie Picasso, Cocteau und Chaplin, denn in ihrer Kunst übt sie denselben revolutionären und aufregenden Einfluss aus, den diese in ihrer Kunst hatten und haben. Und wie alle von ihnen hat sie Kunst und Leben nie nach zwei verschiedenen Maßstäben beurteilt. In der Kunst – wie im Leben – gibt es keinen Unterschied zwischen kleineren und größeren Dingen. „Alles ist wichtig.“

Von Michael Scott, dem Opernregisseur und Callas-Biografen, erfahren wir folgende erstaunliche Anekdote: „Der große Wendepunkt in Callas‘ Karriere ereignete sich 1949 in Venedig. Sie sollte die Rolle der Brünnhilde in Die Walküre am Teatro la Fenice singen, als Margherita Carosio, die im selben Theater die Elvira in I puritani singen sollte, erkrankte. Da er keinen Ersatz für Carosio finden konnte, teilte Serafin Callas mit, dass sie die Elvira in sechs Tagen singen würde; als Callas protestierte, dass sie die Rolle nicht nur nicht kenne, sondern auch noch drei weitere Brünnhildes zu singen habe, sagte er ihr: „Das garantiere ich Ihnen.“ In den Worten von Michael Scott: „Die Vorstellung, dass eine Sängerin in derselben Karriere Musikstücke mit so unterschiedlichen stimmlichen Anforderungen wie Wagners Brünnhilde und Bellinis Elvira singen könnte, wäre Grund genug für Überraschungen gewesen; aber der Versuch, sie beide in derselben Saison zu sangen, schien eine Größenwahnvorstellung zu sein.“ Scott behauptete: „Von all den vielen Rollen, die Callas übernahm, ist es fraglich, ob eine eine weitreichendere Wirkung hatte.“ Dieser erste Ausflug in das Belcanto-Repertoire veränderte den Lauf von Callas‘ Karriere und brachte sie auf einen Weg, der zu Lucia di Lammermoor, La traviata, Armida, La sonnambula, Il pirata, Il turco in Italia, Medea und Anna Bolena führte, und weckte erneut ihr Interesse an den lange vernachlässigten Opern von Cherubini, Bellini, Donizetti und Rossini.‘

Es ist bekannt, dass Callas mit dem Film- und Opernregisseur Franco Zeffirelli zusammenarbeitete und ihn bewunderte. Er fasste ihren künstlerischen Charakter folgendermaßen zusammen: „Hinter den Kulissen ist Maria ein ganz normales Mädchen, aber wenn sie auf die Bühne geht oder sogar über ihre Arbeit spricht oder anfängt, eine Melodie zu summen, nimmt sie sofort diese zusätzliche Qualität an.“

Für mich ist Maria immer ein Wunder. Man kann sie weder verstehen noch erklären. Man kann alles erklären, was [Laurence] Olivier tut, denn es ist alles Teil eines professionellen Genies. Aber Maria kann von nichts zu allem wechseln, von der Erde zum Himmel. Was hat diese Frau? Ich weiß es nicht, aber wenn dieses Wunder geschieht, ist sie eine neue Seele, ein neues Wesen.‘

Sir Rudolf Bing, Direktor der Metropolitan Opera, drückte ähnliche Gefühle aus: „Wenn man Maria Callas einmal in einer Rolle gehört und gesehen hat – man kann es nicht wirklich unterscheiden –, war es danach sehr schwer, irgendeine andere Künstlerin zu genießen, egal wie großartig sie war, weil sie jeder Rolle, die sie sang und spielte, eine so unglaubliche Persönlichkeit und Leben einhauchte. Eine Bewegung ihrer Hand war mehr, als eine andere Künstlerin in einem ganzen Akt tun könnte.“
Der Dirigent Carlo Maria Giulini erinnerte sich: „Es ist sehr schwierig, über die Stimme der Callas zu sprechen. Ihre Stimme war ein ganz besonderes Instrument. Bei Streichinstrumenten – Geige, Bratsche, Cello – passiert manchmal etwas: Wenn man den Klang dieses Instruments zum ersten Mal hört, ist das erste Gefühl manchmal etwas seltsam. Aber nach nur wenigen Minuten, wenn man sich daran gewöhnt hat, wenn man sich mit dieser Art von Klang angefreundet hat, dann bekommt der Klang eine magische Qualität. Das war Callas.“

Der Biograph Stelios Galatopolous, der Callas‘ italienisches Debüt in „La Gioconda“ in Verona im Jahr 1947 und ihr Debüt in Covent Garden als Norma im Jahr 1952 sowie über einhundert ihrer Auftritte miterlebte, erinnerte sich in seinem Buch: „Am 8. November 1952 gab Callas ihr Londoner Debüt und sorgte in Bellinis „Norma“ für eine Sensation, von der noch viele Jahre später diejenigen sprachen, die die Aufführungen als das Größte betrachteten, was sie jemals auf der Opernbühne gehört hatten.“

„Dennoch gab es einen Kritiker, der nicht bedingungslos aufgeben wollte. Der verstorbene Ernest Newman war nach der Vorstellung im Foyer von Covent Garden von einer Menschenmenge umringt, die seine Meinung hören wollte. Schließlich war er [damals] der älteste Musikkritiker in London und der einzige, der einige der großen Normas der Vergangenheit gehört hatte. Newman sagte sehr wenig: „Sie war wunderbar, wirklich wunderbar.“ Und dann hob er seinen Regenschirm und sagte mit fast hoher Stimme: „Aber sie ist keine Ponselle.“‘

Sogar bei ihren letzten Opernauftritten, als man feststellte, dass sie nicht mehr über ihre volle Stimmkraft verfügte, konnte sie immer noch Bewunderung von höchster Ebene auf sich ziehen. 1965 beschrieb „Clarendon, der vielleicht bedeutendste Musikkritiker Frankreichs, die Aufführung als ein unvergessliches Theatererlebnis. Ich habe Puccinis Tosca viele Male gesehen – Hunderte, aber letzte Nacht war ich überzeugt, dass es wirklich das erste Mal war“, schrieb er.

1969 besetzte der italienische Filmemacher Pier Paolo Pasolini Callas in seinem gleichnamigen Film in ihrer einzigen nicht-opernhaften Schauspielrolle als griechische mythologische Figur Medea. Der Film war kein kommerzieller Erfolg, aber als Callas‘ einziger Filmauftritt dokumentiert er etwas von ihrer Bühnenpräsenz.
Von Oktober 1971 bis März 1972 gab Callas eine Reihe von Meisterkursen an der Juilliard School in New York. Diese Kurse bildeten später die Grundlage für Terrence McNallys Theaterstück Master Class aus dem Jahr 1995.
Callas gab 1973 eine Reihe gemeinsamer Konzerte in Europa und 1974 in den USA, Südkorea und Japan mit dem Tenor Giuseppe di Stefano. Aus kritischer Sicht war dies ein musikalisches Desaster, da beide Interpreten nicht mehr auf dem Höhepunkt ihrer Leistungsfähigkeit waren.
Trotzdem war die Tournee ein enormer Publikumserfolg. Das Publikum strömte herbei, um die beiden Künstler zu hören, die in ihrer Blütezeit so oft zusammen aufgetreten waren. Ihr letzter öffentlicher Auftritt war am 11. November 1974 in Sapporo, Japan. Callas und di Stefano hätten Ende 1975 in Japan in vier Bühnenaufführungen von Tosca zusammen auftreten sollen, aber Callas sagte ab.
Traurigerweise verstarb sie nach einem relativ frühen Rückzug von der Bühne 1977 im Alter von 53 Jahren in Paris. Ihre Asche wurde nach Griechenland zurückgebracht und in der Ägäis verstreut.

2007 erhielt Callas posthum den Grammy Lifetime Achievement Award. Im selben Jahr wurde sie vom BBC Music Magazine zur größten Sopranistin aller Zeiten gewählt.

Auch in jüngerer Zeit fasziniert die Callas die Welt noch immer. 2017 drehte der Filmregisseur Tom Volf den französischen Dokumentarfilm Maria by Maria, der auf Interviews, Briefen und Auftritten basiert und ihre Geschichte erzählt. 2024 feierte das Biopic Callas, gespielt von Angelina Jolie und unter der Regie von Pablo Larraín, seine Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig, wo Jolie acht Minuten stehende Ovationen erhielt, die an die von „La Divina“ auf dem Höhepunkt ihres Ruhms erinnerten.

Folge 8 der Voice Detective Show: 100 Jahre Giacomo Puccini am 29. November 2024

Giacomo Puccini muss Opernliebhabern nicht vorgestellt werden. Wie Mozart, ein weiterer großer Opernkomponist, stammte Giacomo aus einer Familie professioneller Musiker, die bei der Kirche angestellt waren. Bereits sein Urgroßvater, der ebenfalls Giacomo hieß, hatte in männlicher Linie die Position des Maestro di Capella in der Kathedrale von Lucca inne.

Dieses Jahr feiern wir am 29. November seinen 100. Todestag. Er war ein durch und durch moderner Mann, verliebt in Autos, die neuesten Technologien und den zeitgenössischen Lebensstil. Es ist kaum zu glauben, aber er komponierte nur 12 Opern, die in Bezug auf Musik und dramatischen Inhalt von so herausragender Qualität sind, dass sein Ruf als einer der größten Opernkomponisten auf einem so schmalen Opus feststeht. Kein Opernhaus, so scheint es, kann eine Saison haben, ohne dass einige von Puccinis Meisterwerken aufgeführt werden. Und seine Fähigkeit, Worte und Musik mit emotionaler Wirkung zu verbinden, ist außergewöhnlich. Wenn Orpheus die Fähigkeit hatte, wilde Tiere zu zähmen, Felsen zu bewegen und sogar die Götter zu beeinflussen, dann muss Puccini sicherlich ein knapper Zweiter sein, wenn es darum geht, die härtesten Herzen mit seinen seelendurchdringenden Arien zu bewegen. Es dürfte schwierig sein, einen Mann zu finden, der nicht „Nessun dorma“ singen möchte, oder eine Frau, die nicht inspiriert ist, zu versuchen, „Visi d'arte“ zu singen.

Nachdem seine finanzielle Sicherheit gesichert war, lebte Puccini bis zu seinen letzten Lebensjahren in Torre del Lago. Hier frönte er seiner Leidenschaft für die Jagd und dem einfachen Leben und schrieb viele seiner denkwürdigsten Opernpartituren. Und hier kann man auch seine Villa am Ufer des Sees besuchen und etwas von der sanften Atmosphäre des Ortes genießen, den er sein Zuhause nannte. Und auch hier findet jeden Sommer ein Puccini-Festival statt, das Opernliebhaber, Puccini-Fans und Musiker aus der ganzen Welt anzieht.

Alfredo Kraus, Tenor, 24. November 1927

An diesem Tag im Jahr 1927 wurde Alfredo Kraus geboren. Es ist nicht schwer anzuerkennen, dass er aufgrund seines Gesangs und seiner Lebensführung den Titel „Tenore di grazie“ verdiente.

Alfredo und sein älterer Bruder Francesco Kraus Trujillo, ein Bariton, wurden auf den Kanarischen Inseln als Kinder eines Österreichers und einer Spanierin geboren. Sie erhielten eine solide musikalische Ausbildung, die schon in jungen Jahren mit Klavierunterricht begann und später nebeneinander Musik und Oper studierte.

1948 ging der 21-jährige Alfredo nach Barcelona, wo er zwei Jahre lang Gesang bei dem russischen Lehrer Gali Markoff studierte, der eine strenge und wissenschaftliche Methode auf seine natürliche, aber leichte Stimme anwandte. Er war auch Schüler von Francisco Andres, der ihm eine Gesangstechnik beibrachte, die der von Mercedes Llopart, der großen spanischen Sängerin und Lehrerin, ähnelte. Dann studierten er und sein älterer Bruder in Mailand bei Mercedes Llopart selbst. Unter ihrer Anleitung lernte er die korrekte Positionierung des Tons in der „Maske“ (den Resonanzhöhlen des Gesichts), wie man sich auf das Zwerchfell stützt und tatsächlich den Atem zwischen Zwerchfell und Maske komprimiert. All dies sind Elemente der berühmten Lamperti-Garcia-Gesangstechnik aus der Mitte des 19. Jahrhunderts.

Wie viele spanische Sänger begann er seine Karriere als Zarzuela-Sänger auf der Bühne in Madrid und Barcelona.

Im Alter von 29 Jahren, im Jahr 1956, nachdem er die Silbermedaille beim Internationalen Gesangswettbewerb in Genf gewonnen hatte, wurde er für sein Operndebüt in Kairo als Herzog von Mantua engagiert.

Nach seinem erfolgreichen Debüt in Kairo wurde er eingeladen, den Alfredo in Verdis La Traviata zu singen. Zunächst sang er 1957 in Venedig und anschließend in Turin und Barcelona sowie 1958 im Stole Theatre in London, wo er mit der damals ebenso unbekannten jungen Sopranistin Renata Scotto als Partnerin auftrat.

1958 sang er an der Seite von Maria Callas in der legendären La Traviata-Aufführung im Teatro Nacional de São Carlos in Lissabon, von der später ein Live-Mitschnitt veröffentlicht wurde. An seine Erfahrung, mit Maria Callas in Lissabon zu singen, erinnert er sich mit Dankbarkeit und besonderer Genugtuung.
Callas' Ruhm und die Berichte über ihr schwieriges Temperament auf und hinter der Bühne haben ihn verständlicherweise nervös gemacht. Zu seiner Überraschung erwies sie sich jedoch als außerordentlich unterstützende und sympathische Kollegin, deren anregende Präsenz zu seinem eigenen Erfolg beitrug.

Weitere Debüts folgten 1959 als Edgardo in „Lucia di Lammermoor“ in Covent Garden und 1960 als Elvino in „La Sonnambula“ an der Scala. Sein amerikanisches Debüt gab er 1962 in Chicago als Nemorino in „L’elisir d’amore“, gefolgt von seinem Debüt an der Metropolitan in New York in „Rigoletto“, wo das Publikum seine ausgefeilte Technik, seine tadellose Diktion und seine Beherrschung des Belcanto-Repertoires feierte.

Kraus steuerte seine Karriere sehr sorgfältig und blieb sozusagen „seiner Meinung treu“. Er vermied es, jemals außerhalb seines lyrischen Tenorrepertoires zu singen, obwohl ihm häufig Angebote dazu unterbreitet wurden.

Besonders bekannt war er für seine Interpretationen von Massenets Werther, Gounods Faust und Rollen, die extrem hohe Töne erfordern, wie Bellinis I Puritani, von dem der Dirigent Tulio Serafin dachte, dass die Rolle wie für ihn gemacht sei, mit ihrer teuflisch schwierigen Tessitura, die in einer Reihe von D-Tönen gipfelt. Es versteht sich fast von selbst, dass er La fille du Régiment mit seinen neun hohen Cs sang. Er sang diese Arie 1992 bei der Gala Lirica in Sevilla noch meisterhaft, sogar im Alter von 65 Jahren. Seine überragende Technik und seine Entschlossenheit, nie über seine Fähigkeiten hinaus zu singen, ermöglichten es ihm, bis in seine Siebziger zu singen und aufzutreten.

denn der Künstler hat die Pflicht, ein Lehrer zu sein, ein Erzieher, jenseits von populärem Geschmack und Mode. Anstatt für die Galerie zu singen, sollten wir für jenen Teil des Publikums singen, seien es 50, 20, 10 oder sogar 1%, der es wirklich versteht. Ich glaube zutiefst an elitäre Standards, nicht aus dem snobistischen sozialen Aspekt, sondern aus der Sicht von Qualität und Exzellenz. Indem wir für diese Minderheit des Publikums singen, die in der Lage ist, das, was Sie tun, wirklich zu schätzen, tragen wir auch dazu bei, das Verständnisniveau der Mehrheit zu erhöhen, die nun den Unterschied zwischen Exzellenz und Mittelmäßigkeit gehört hat und kennen wird. Vielleicht nicht heute, aber sicherlich morgen oder übermorgen. Was macht es schon, wenn man vorübergehend angefeindet wird? Ich gebe meine Kunst, es ist das Publikum, das zu mir kommen sollte, und nicht umgekehrt. Auf diese Weise hinterlassen wir der Zukunft unserer Kunst etwas Wertvolles und Wertvolles.“

Aus technischer Sicht verlieh er seiner Stimme Abwechslung durch die Verwendung von Piani, Pianissimi, Smorzature, Rinforzati und Kopftönen mit Farbe, die in einen Kopf-Squillo übergingen, den Gualerzi, ein führender italienischer Kritiker, als Falsett empfand. In der spanischen Zeitschrift Ritmo vom März 1978 antwortete Kraus auf Gualerzis Kritik mit den Worten: „Ich habe die Falsetttechnik nie ausprobiert. Ich hatte nie das Bedürfnis danach und außerdem weiß ich nicht, wie man sie macht. Maschera und Falsett sind zwei völlig verschiedene Emissionstechniken. Wenn man die eine beherrscht, kann man die andere nicht. Es ist nicht leicht, die Stimme von einer Position in die andere zu verlagern.“ Diese Ansicht bekräftigte er 1981 in seinem Interview mit Bruce Duffie.
Kraus' Diskographie ist umfangreich, er hat viele vollständige Opernaufnahmen bei EMI gemacht und war bei einem Plattenlabel tätig. Les Pêcheurs de Perles war auf Langspielplatten zu hören, die später von der Plattenfirma Carillon Records vermarktet und in Italien vom Haus Giancarlo Bongiovanni vertrieben wurden.

Im Laufe seiner Karriere erhielt Alfredo Kraus zahlreiche Ehrungen und Auszeichnungen, darunter das Großkreuz des Ordens Alfons X. des Weisen, den Orden Isabella der Katholischen, Kommandeur nach Nummer, einen Ritter der französischen Ehrenlegion, das österreichische Großkreuz der Ehren für Wissenschaft und Kunst, den Enrico-Caruso-Preis, Italien, den Metropolitan Opera House Prize, New York, und den Titel eines Kammersängers der Wiener Oper. Er erhielt auch Auszeichnungen auf den Inseln, auf denen er geboren wurde, darunter die Goldmedaille der Kanarischen Inseln, die Auszeichnung als Lieblingssohn der Stadt Las Palmas de Gran Canaria, die Kunstpreise Can de Plata und Can de Oro des Cabildo Insular de Gran Canaria sowie den Preis für Schöne Künste und Darstellende Kunst der Kanarischen Inseln.
Eines seiner liebsten Projekte war die Gründung eines internationalen, alle zwei Jahre stattfindenden Gesangswettbewerbs im Jahr 1990, der bis heute in seinem Namen jungen Opernsängern aller Nationalitäten hilft.
Drei Auditorien in Las Palmas de Gran Canaria, Majadahonda (Madrid) und Aspe (Alicante) sowie zwei Kulturzentren in Mirasierra-Fuencarral (El Pardo, Madrid) und Tejeda (Gran Canaria) wurden nach Alfredo Kraus benannt. Eine Grundschule in Lomo Los Frailes (Tamaraceite, Gran Canaria), der Lehrstuhl für Gesang am Liceo-Konservatorium in Barcelona und die Aula Cultural (Kulturabteilung) der Universität Las Palmas de Gran Canaria sind ebenfalls nach ihm benannt. Im Jahr 2000 erhielt die von Amigos Canarios de la Ópera organisierte Opernsaison in Las Palmas de Gran Canaria den Namen Alfredo Kraus, im selben Jahr würdigte die spanische Post seine Karriere mit einer Briefmarke in der Serie „Personajes Populares“ (Beliebte Persönlichkeiten). .
Er starb 1999 in Madrid an einer langen Krankheit im Alter von 71 Jahren, zwei Jahre nach dem Tod seiner Frau Rosa, die er 1956 geheiratet hatte.

Im Nachruf der Los Angeles Times hieß es, Kraus habe behauptet, dass es die Emotionen und nicht die Präzision seien, die einen Opernsänger groß machten. „Für mich ist es viel wichtiger, eine Rolle zu leben und zu atmen, als sie perfekt zu singen, denn eine perfekte Stimme kann so langweilig sein wie Spülwasser“, sagte er. „Was das Publikum verstehen muss, ist, dass Singen eine Frage der Musikalität, Sensibilität, Persönlichkeit und vor allem Reife ist.“

Amelita Galli Curci, Sopran, 18. November 1822

Galli Curci wurde in Mailand, Italien, in eine großbürgerliche Familie mit italienisch-spanischen Wurzeln geboren. Ihr musikalisches Können zeigte sich schon in jungen Jahren, als sie das Mailänder Konservatorium abschloss und 1903 den ersten Preis als Pianistin gewann.

Wir müssen dem Opernkomponisten Piero Mascagni danken, der sie ermutigte, Gesangsunterricht bei Carignani und Sara Dufes zu nehmen, aber anscheinend blieb sie zu Beginn ihrer Karriere hauptsächlich Autodidaktin und nutzte Klavierübungen und Traktate der damaligen Größen, um ihre Gesangsfähigkeiten zu verfeinern. Später in New York nahm sie Unterricht bei der Koloratursopranistin Estelle Liebling.

Mit 24 Jahren debütierte sie als Gilda in Verdis Rigoletto und wurde in den folgenden acht Jahren im Koloraturrepertoire nicht nur in Italien, sondern auch in Spanien, Ägypten, Russland sowie Mittel- und Südamerika immer erfolgreicher. Während dieser Zeit in Buenos Aires sang sie zwei Aufführungen von Lucia di Lammermoor mit Enrico Caruso.

Da ihr nur ein Vertrag für kleinere Rollen an der Mailänder Scala angeboten wurde, schwor sie, dort in Zukunft nie mehr zu singen. Auf der Suche nach mehr Möglichkeiten richtete sie ihren Blick auf die andere Seite des Atlantiks. Sie heiratete den Aristokraten Marchese Luigi Curci, einen aufstrebenden Maler, Architekten, Kostüm- und Bühnenbildner, und sie wurden zum Star der italienischen Gesellschaft.

In New York hoffte Galli-Curci auf ein Engagement an der Metropolitan Opera, doch Maestro Gatti-Cassazza hatte seine Frau Maria Barrientos bereits engagiert, um in dieser Saison alle Koloratursopranrollen zu singen. Glücklicherweise war Cleofonte Campanini von der kriselnden Chicago Opera in der Stadt auf der Suche nach Sängerinnen und war bereit, der Diva eine Chance zu geben. Gegen den Willen ihres Mannes Luigi packte die Familie Curci ihre Koffer und zog nach Chicago.

Ihr mit Spannung erwartetes Met-Debüt in derselben Oper war für die Premiere am 14. November 1921 vorgesehen, zusammen mit zwei italienischen Landsleuten, dem Tenor Beniamino Gigli, der einen Großteil von Carusos lyrischem Repertoire erbte, und dem Bariton Giuseppe De Luca. Die neue Produktion, die von Joseph Urban entworfen und von Roberto Moranzoni dirigiert wurde, enttäuschte nicht. Max Smith schrieb in seiner Kritik für den Herald American:
„Wie faszinierend ist Amelitas Verkörperung der Violetta, die sie bereits während ihrer Zusammenarbeit mit der Chicago Opera Company kennengelernt hat! Wie fantasievoll lebhaft im ersten Akt, wie ergreifend im zweiten, wie tragisch im letzten. Es war in der Tat angemessen, dass Giulio Gatti-Casazza seinen neuesten „Star“ in der Traviata aufführte. Denn sicherlich offenbart keine andere Rolle ihre eigenen besonderen Fähigkeiten, sowohl schauspielerisch als auch stimmlich, besser: Keine andere erlaubt es ihr, die charakteristische Zartheit ihrer Kunst, den im Wesentlichen weiblichen Charme ihrer Überzeugungen, ergreifender zu offenbaren.“
In der Presse folgten Vergleiche mit den größten Koloratursängerinnen der jüngeren Vergangenheit – Adelina Patti, Marcella Sembrich, Luisa Tetrazzini –, die bewiesen, dass selbst diejenigen, die an der neuen Diva etwas auszusetzen hatten, sie eindeutig in eine illustre Linie von Belcanto-Virtuosen aufgenommen hatten. Neben ihren Auftritten in der Oper und zahlreichen Konzerttourneen beruhte Galli-Curcis Ruhm gleichermaßen auf ihren meistverkauften Aufnahmen. Die Verkaufszahlen ihrer Platten konkurrierten mit denen von Caruso, und sie nahm oft populäre oder leichte Lieder sowie Opernarien auf. Ihr unverwechselbares Stimmtimbre – weichkörnig, samtig und rein – ließ sich selbst mit der primitiven Technologie der Zeit gut auf Schallplatten übertragen.“

Ihr Ruhm und ihre Popularität wuchsen. 1918 war ein entscheidendes Jahr für Galli-Curcis Entwicklung zum internationalen Star. Amelita wurde nicht nur von Paparazzi verfolgt (die sie verehrte), sondern wurde auch eine prominente Werbeträgerin für RCA Victors „Talking Machines“ und erschien 1918 und 1919 in glamourösen Outfits in ganzseitigen Anzeigen in der New York Times. Sie pries auch die Vorzüge von Kosmetika, Pelzen und Autos.

Nach dem Waffenstillstand im Jahr 1918 flehte Luigi Amelita an, nach Italien zurückzukehren, um ihre Ehe zu retten, doch Amelita weigerte sich, ihren Ruhm und ihre Affäre mit Homer Samuels, ihrem Probenbegleiter in Chicago, aufzugeben.

Luigi verlangte die Scheidung, und es kam zu einem öffentlichen Skandal, der fast ein Jahr lang auf den Gesellschaftsseiten der Chicagoer Zeitungen erschien.

Amelita Galli-Curci und Homer Samuels heirateten am 15. Januar 1921 im Haus von Homers Eltern in Minneapolis und Amelita wurde amerikanische Staatsbürgerin. Sie kehrte nie nach Italien zurück.

Das Paar kaufte ein Landhaus in den Catskill Mountains im Norden des Staates New York. Sie nannten ihren Zufluchtsort „Sul Monte“ und entkamen dem Stress von Galli-Curcis Karriere, wann immer es möglich war.

Die Strapazen, die mit der Nachfrage und Popularität in den beiden großen Opernhäusern Chicago und New York verbunden waren, machten sich in ihrer Stimme bemerkbar. 1935 weigerte sie sich, ein immer stärker werdendes Geschwür in ihrem Nacken und die damit verbundenen Schmerzen anzuerkennen. Sie willigte ein, den durch eine Schilddrüsendisjunktion entstandenen Kropf von einem Arzt entfernen zu lassen, der sich nicht daran störte, an einer so berühmten goldenen Kehle zu operieren. Im Gegenteil, er sonnte sich offenbar im Ruhm, und es ergaben sich viele Fotogelegenheiten mit seiner berühmten Patientin. Die Operation blieb jedoch nicht ohne Folgen, und sie konnte nie mehr das lyrische und dramatische Sopranrepertoire erobern, das der Arzt ihr nach ihrer Genesung zugetraut hatte. Es folgte die zweifelhafte Ehre, dass der beschädigte Nerv, der äußere Ast des Nervus laryngeus superior, nach ihr benannt wurde, und der bis heute als „Nerv von Galli Curci“ bezeichnet wird.

In ihren Ruhestandsjahren interessierten sich Galli Curci und ihr Ehemann Homer für östliche Spiritualität und waren aktive Mitglieder der Yogananda-Gesellschaft. Galli Curci schrieb das Vorwort zu Paramahansa Yoganandas Buch „Whispers from Eternity“ aus dem Jahr 1929. Yoganandas berühmtestes Buch ist „Autobiography of a Yogi“, ein Werk, das viele Menschen weltweit inspiriert hat, darunter George Harrison und Apple-Gründer Steve Jobs.

In einer Videoaufnahme erzählt Joan Sutherland, wie aufgeregt sie und ihr Ehemann Richard Bonynge waren, als sie die Gelegenheit bekamen, ihre Gesangsheldin kennenzulernen. Abgesehen von einem Gespräch über Koloraturen erinnerte sie sich daran, wie sehr sie vom Stil und der Präsenz der Diva beeindruckt war, als diese die Tür öffnete und sie begrüßte. Sie war komplett in passendem Pink gekleidet, abgesehen von einem Schildpattkamm im Haar. Sutherland bestellte liebevoll rosa Briefpapier zu ihren Ehren, das sie immer an sie denken ließ.

Außerdem wurde sie gewürdigt und mit einem Stern auf dem Hollywood Walk of Fame geehrt.

Galli Curci starb acht Tage nach ihrem 81. Geburtstag in ihrem Haus in Kalifornien.

Im Vorwort von Whispers of Eternity schrieb sie:
„Die Anhänger aller Religionen können aus dieser Quelle universeller Gebete trinken. Diese Anrufungen sind die Antwort auf den modernen wissenschaftlichen Geist, der Gott auf intelligente Weise sucht. Die Gebete in diesem Buch sind sehr vielfältig und ermöglichen es daher jedem von uns, jene Gebete auszuwählen, die seinen eigenen Bedürfnissen am besten entsprechen und hilfreich sind.

Meine bescheidene Bitte an die Leser ist in den folgenden Zeilen ausgedrückt:

Verpassen Sie nicht beim hastigen intellektuellen Lesen die Minen der Erkenntnis, die im Boden verborgen sind, der die Wortpflanzen in diesem Buch nährt. Wie der Autor uns sagt, graben Sie tief, täglich und wiederholt, mit einer Spitzhacke aufmerksamen, ehrfürchtigen und meditativen Studiums. Dann werden Sie das unbezahlbare Juwel der Selbstverwirklichung finden.“

YouTube-Video mit einer Reihe von Fotos, darunter Galli Curci auf ihrer Australien-Tour, abgebildet mit einem Kookaburra (ein weiterer berühmter Vogel mit einem erstaunlichen Triller!)

JON VICKERS, TENOR, 29. OKTOBER 1926

Jon Vickers wurde 1926 im ländlichen Saskatchewan geboren und war ein sehr zurückhaltender Mann. Tatsächlich überrascht seine Zurückhaltung als einer der größten Tenöre des 20. Jahrhunderts, bis man erkennt, dass er seine Emotionen, seine Dynamik und seine zielstrebige Professionalität für seine Bühnenauftritte nutzte. Es gibt keine größere Anerkennung als die seiner idealen Partnerin in so vielen Wagner-Rollen als die von Birgit Nilsson, die schrieb: „… Ich habe viele wunderbare Tenöre auf der Bühne gehabt. … Aber Jon Vickers war anders, sehr anders, sowohl als Künstler als auch als Mensch. Er schaute weder nach rechts noch nach links; seine Meinungen waren so stark wie der Fels der Walküre. Er musste seinen Willen durchsetzen, egal was passierte.“ Seine erstaunliche Hingabe an seine Kunst ist in seinen Auftritten und seiner Aussage zu hören: „Egal, was wir in diesem Streben nach Exzellenz taten, wir taten es zur Ehre Gottes. Das habe ich nie verloren.“ Sein religiöser Sinn verlieh seinen Auftritten eine unvergessliche und mitreißende Spannung, die ihn zu einem Sänger der Superlative machte, ohne Anmaßung und mit völligem Eintauchen in die Rolle und das Drama.

Seine frühe Kindheit war geprägt von Depressionen und der Arbeit auf dem Familienfeld, was manchmal seiner Stärke und Ausdauer zugeschrieben wird. Seine Familie, die alle Musik und Gesang liebte, hörte Samstagnachmittags die Radioübertragungen der Metropolitan Opera, und das bedeutete, dass der junge Jon die Allerbesten hörte. Der junge Jon war als Kirchensänger sehr gefragt und trat häufig auf, aber Jahre später bemerkte er: „Anfangs sang ich, weil ich singen musste. Es war ein Teil von mir … eine absolute Notwendigkeit, die eine Art emotionales und sogar körperliches Bedürfnis in mir befriedigte.“

Durch sein Singen in Kirchen wurde George Lambert auf ihn aufmerksam, der in Kanada nach jungen Talenten Ausschau hielt. Obwohl Jon damals 25 Jahre alt war, bot Lambert ihm ein Stipendium für das Toronto Conservatory an. In späteren Jahren betrachtete Vickers Lambert als seinen einzigen Lehrer.

Sein erster professioneller Auftritt war ein Konzert in Toronto am 17. April 1951. Von 1952 bis 1956 trat er in Kanada auf. Obwohl er zu diesem Zeitpunkt regelmäßig auftrat, kamen ihm Zweifel an seiner Karriere, da er seine wachsende Familie kaum ernähren konnte und er sich bis Juni 1956 das Singen abgewöhnen wollte. An diesem entscheidenden Punkt kam ihm ein Schlaglicht, als Regina Resnik Vickers ihrem Agenten empfahl. Internationale Aufmerksamkeit bedeutete, dass er bis 1957 zahlreiche Auftritte in London hatte und Verdi und französisches Repertoire sang. Aber wirkliche Spuren und eine Legende wurde er mit Wagner-Aufführungen. Seinen ersten Auftritt in Bayreuth hatte er am 28. Juli 1958 als Siegmund in der Walküre. Danach war der Siegmund seine Domäne. Er sang die schweren Verdi-Rollen, und sein Florestan in Beethovens Fidelio und Brittens Peter Grimes in der gleichnamigen Oper setzen Maßstäbe für alle anderen. Sein letzter Auftritt war typisch für den großen, aber öffentlichkeitsscheuen Mann: eine Konzertina-Aufführung des zweiten Akts von Parsifal in Kitchener im ländlichen Ontario.

Seine gewaltige und kraftvolle Stimme ist in der klassischen Aufnahme von Tristan und Isolde unter der Leitung von Herbert von Karajan zu hören. Trotz Vickers' Ruf als anspruchsvoller Kollege war er einer von Karajans Lieblingssängern. Es ist bedauerlich, dass wir ihn nicht mehr live auf der Bühne erleben können. In den Worten eines Kritikers beherrschte Vickers „die Bühne von Anfang bis Ende. Mit seiner schallenden Stimme schuf der Tenor eine tragische Figur von furchteinflößender Stärke und herzzerreißender Schärfe, die mit der gesamten Bandbreite an Farbtönen gestaltet wurde, vom arroganten Militärmann bis zum wimmernden Wesen auf dem Boden seiner Zelle.“ Es ist interessant festzustellen, dass die Intensität und Aufregung seiner Bühnenpersönlichkeit so groß war, dass andere Sänger angeblich Angst vor ihm hatten.

Der heldenhafteste aller Tenöre, Jon Vickers, ist am 10. Juli 2015 verstorben. Seine Paraderolle war wohl die des Peter Grimes.

Folge 7 Teil 2 der Voice Detective Show mit Garth McLean

Garth McLean ist ein kanadischer Schauspieler, Autor und engagierter Yoga-Praktizierender und hoch angesehener Yoga-Lehrer, der in Los Angeles, USA lebt.
Zu Garths Schauspielkarriere zählen die Hollywoodfilme „Alarmstufe: Rot 2“, „Prototyp“, „Rockin‘ Road Trip“ und „Chicago Hope“.
Nachdem bei ihm 1996 Multiple Sklerose (MS) diagnostiziert wurde, bewältigt Garth seine Krankheit und seinen hektischen Zeitplan als Schauspieler und Yoga-Lehrer mit der täglichen Praxis des Iyengar-Yoga nach der Lehre des verstorbenen Yoga-Meisters Yogacharya BKS Iyengar.
Garth ist eine führende Persönlichkeit der weltweiten Iyengar-Gemeinschaft und der Iyengar-Familie in Pune, Indien, wohin er seit 2000 jedes Jahr zurückkehrt, um zu studieren und seine Praxis zu vertiefen. Er lernte Yoga direkt von BKS Iyengar selbst und seiner ältesten Tochter Geeta.
Als Yogalehrer besitzt er die Qualifikation eines zertifizierten Iyengar-Yogalehrers „CIYT“ (Level 3 – Intermediate Sr III), ist zertifizierter Yogatherapeut und anerkannter Anbieter beruflicher Weiterbildung bei der International Association of Yoga Therapists (C-IAYT) sowie registrierter Yogalehrer (E-RYT 500) und Weiterbildungsanbieter (YACEP) bei der Yoga Alliance.
Im Jahr 2019 wurde Garth die Ehre zuteil, als Hauptlehrer für Iyengar-Yoga beim World Yoga Festival aufzutreten. Darüber hinaus war er im selben Jahr Moderator und Plenarsprecher beim Symposium of Yoga Therapy and Research (SYTAR) der International Association of Yoga Therapists.
Garth war Gastlehrer beim französischen Kongress der Iyengar-Yoga-Lehrer (2009) und beim spanischen Kongress der Iyengar-Yoga-Lehrer (2011) und ist seit kurzem Co-Moderator beim Europäischen Kongress für Rehabilitation und Medizin in Slowenien (April 2024).
lokal und weltweit. Neben regelmäßigen Intensivkursen bietet er Workshops über die positive Wirkung von Yoga auf Multiple Sklerose und andere neurologische Erkrankungen an. Er bietet regelmäßig Workshops in Europa, Großbritannien und Südamerika an. Er hat auch in Australien, der Russischen Föderation und Tunesien unterrichtet.
Er ist Mitbegründer und derzeitiges Mitglied des Vorstands der Iyengar Yoga Therapeutics Group, einer gemeinnützigen Organisation mit Sitz in Los Angeles, deren Ziel es ist, Menschen bei der Bewältigung von Krankheiten und Beschwerden durch die therapeutische Anwendung von Yoga zu helfen. Garth ist Mitglied des Beirats und Mitglied des Lehrkörpers von AnuYoga, einer gemeinnützigen Organisation (Tel Aviv), die die Integration von Iyengar Yoga als therapeutische Intervention in die Rehabilitationsbehandlung von Patienten in Krankenhäusern und im medizinischen Bereich fördert.
Er hat „Yoga und Multiple Sklerose, ein praktischer Leitfaden für Menschen mit Multipler Sklerose und Yogalehrer“ veröffentlicht (Singing Dragon Books, London 2020).
In Folge 7, Teil 1 dieses Monats „Iyengar-Yoga für (Un-)Fähigkeiten“ erzählt Garth Gyaan von seinem Weg mit Multipler Sklerose und wie Iyengar-Yoga ihm geholfen hat, seine Krankheit in Remission zu halten …
In Episode 7, Teil 2 dieses Monats, „Einblicke in Garth McLeans Schauspielkarriere“, wird Garth über seine Erfahrungen als Schauspieler und Schauspielerinnen sprechen. Zu seinen Erfahrungen als Schauspielstudent gehörte die Zusammenarbeit mit Sanford Meisner in New York an dessen Neighborhood Playhouse School of the Theatre. Vor Kurzem hat er eine Ein-Personen-Show mit dem Titel „Looking For Lightning“ über seine Karriere geschrieben und aufgeführt, die er live beim Edinburgh Fringe Festival (2018) aufführte. Weitere Informationen zu „Looking for Lightning“ finden Sie unter www.lookingforlightning.com

SHORT006 KÄNGURU IN ÖSTERREICH ODER KOALABÄREN IN GRIECHENLAND?

Sehen Sie sich die neueste Entdeckung unseres „The Voice Detective“ Gyaan Lyon an …

HN004 Leonardo da Vinci, seine Musikalität und die Mona Lisa

Wir wissen, dass Leonardo da Vinci in Florenz aufwuchs und ausgebildet wurde, im pulsierenden Herzen der Renaissance. Wir kennen ihn auch als Maler der Mona Lisa und als herausragenden Forscher der Wunder der Natur. Er war viele Jahre lang am Hof der Herzöge von Mailand tätig, wo er sein berühmtes Letztes Abendmahl malte.

Doch wie viele von uns wissen, dass Leonardo da Vinci laut seinem frühen Biographen Giorgio Vasari ursprünglich wegen seines Rufs als Musiker nach Mailand gerufen wurde? Ich zitiere aus der Übersetzung von Vasaris Leben in AB Hinds: „Nach dem Tod von Giovan. Galeazzo, Herzog von Mailand, und der Thronbesteigung von Ludovico Sforza im selben Jahr 1493 wurde Lionardo nach Mailand eingeladen, um dort Lyra zu spielen, was dem Prinzen große Freude bereitete. Lionardo nahm sein eigenes Instrument mit, das er selbst aus Silber gefertigt und in die Form eines Pferdekopfes gebracht hatte, eine kuriose und neuartige Idee, um die Harmonien lauter und klangvoller zu machen, sodass er alle dort versammelten Musiker übertraf.“

Die Beziehung zwischen Leonardo und der Musik endet hier jedoch nicht. Er machte sich bei seinen Recherchen und Überlegungen viele Notizen über die Natur des Klangs und über Musik und die Erzeugung von Klängen. Eine letzte interessante Tatsache, die wiederum von Vasari stammt, ist, dass er, während er die Mona Lisa malte, „Leute zum Spielen und Singen einlud und Hofnarren, um sie bei Laune zu halten und die Melancholie zu vertreiben, die die Malerei normalerweise Porträts verleiht.“