Episode 9 Of The Voice Detective Show with Melissa Tran, Chartered Physiotherapist, UK

Melissa is a musculoskeletal and orthopaedic physiotherapist, qualified from Brunel University with almost 10 years of experience. She specialises in chronic pain following 20 years of practicing sports & remedial massages, with emphasis on injury management and rehabilitation.

Apart from providing treatments, Melissa has been a personal trainer and strength & conditioning coach with almost two decades of experience, knowledge and skill to help clients with general fitness goals and wellness coaching, to sports specific training including nutritional guidance. She has worked with people from all different backgrounds; children, the elderly to professional athletes including Charlton Football Club. Most recently, she worked as physiotherapist to Michael McKinson, who is currently ranked UK No.1 WBO Welterweight boxer.

Throughout the years of working in the health & fitness industry, she has acquired vast experience as a health consultant. Patients have often described Melissa as a magician when it comes to treating pain and fixing associated problems. Many have even extended their confidence and compliment to her service by quoting, “If Melissa can’t fix you – nobody can!”

She is registered with The Chartered Society of Physiotherapy (CSP) and The Health Care Professional Council ( HCPC). Melissa is also a qualified acupuncturist following a course completed with Hertfordshire University.

Episode 9 Of The Voice Detective Show with Melissa Tran, Chartered Physiotherapist, UK

Melissa is a musculoskeletal and orthopaedic physiotherapist, qualified from Brunel University with almost 10 years of experience. She specialises in chronic pain following 20 years of practicing sports & remedial massages, with emphasis on injury management and rehabilitation.

Apart from providing treatments, Melissa has been a personal trainer and strength & conditioning coach with almost two decades of experience, knowledge and skill to help clients with general fitness goals and wellness coaching, to sports specific training including nutritional guidance. She has worked with people from all different backgrounds; children, the elderly to professional athletes including Charlton Football Club. Most recently, she worked as physiotherapist to Michael McKinson, who is currently ranked UK No.1 WBO Welterweight boxer.

Throughout the years of working in the health & fitness industry, she has acquired vast experience as a health consultant. Patients have often described Melissa as a magician when it comes to treating pain and fixing associated problems. Many have even extended their confidence and compliment to her service by quoting, “If Melissa can’t fix you – nobody can!”

She is registered with The Chartered Society of Physiotherapy (CSP) and The Health Care Professional Council ( HCPC). Melissa is also a qualified acupuncturist following a course completed with Hertfordshire University.

ADELINA PATTI, SOPRANO, FEBRUARY 19, 1843

On the February. 19, 1843, Adelina Patti was born in Madrid, the daughter of Sicilian parents, who were both professional singers, her father a tenor and her mother a soprano. With such a start no wonder the great composer Giuseppe Verdi was able to say of her, ‘She is perfectly organised. Perfect balance between singer and actress, a born artist in every sense of the word.’ Verdi when asked which three sopranos were his favourites, famously replied, ‘First, Adelina; second, Adelina; third, Adelina.’ Yet George Bernard Shaw when writing about Patti in 1888, noted that she would, ‘bow to you in the agony of stage death if you only dropped your stick accidentally.’

According to John Roselli, Patti was in real terms the highest paid opera singer in history. Patti commanded 10,000 francs per performance when average colleagues would make anything between 500 to 1,000 francs per month! She was gifted not only with a pure voice, doll-like looks and acting but, ‘a notable competence in running her career and a will of iron.’ In her heyday she was better paid than such notable thespian contemporaries, Sarah Bernhardt and Henry Irving, not to mention her operatic colleagues. What did she do with this fortune you may ask? Patti was able buy a Welsh castle, Craig-y-Nos, with her second husband and in her 150 seat private theatre perform for invited guests. This was inaugurated on 12 August 1891 with the first act of la Traviata and the third act of Faust. Patti’s husband sang the role of Mephistopheles in the latter. You can still see both the castle and theatre as its now a hotel. What is sadly also true is that although, ‘the best singers still earn well,.. the greater economic and social equality of our time is incompatible with fees at Patti level.’ But despite being lady of the manor in Craig-y-Nos, we must also remember that Adelina Patti sang an annual charity concert in Swansea

Yet it would be churlish to view Adelina Patti from the perspective of her success. In New York the conductor Giulio Arditi, in his memoirs noted the young girl, ‘first selected a comfortable seat for her doll in such proximity that she was able to see her while singing,’ and when young Adelina sang, I wept genuine tears of emotion, tears which were the outcome of the original and never-to-be-forgotten impression her voice made when it first stirred our innermost feelings…’ Whatever Patti possessed vocally, it was something any lover of classical singing must surely regret not having been able to hear. At her London debut in la Sonnambula in 1861 one critic wrote, ‘Mdlle. Patti is a triumphant refutation of the assumption that art and genius have deserted the operatic stage,’

Her career was guided from the start. Her first teacher, her brother-in-law, Maurice Strakosch, decided she must stop singing at age ten to allow her voice to develop. She did make her debut at age sixteen in the title role of Lucia di Lammermoor!

A curious incident in San Francisco in 1884 is that the greatest operatic performer of her age survived an attempt to murder her with a bomb thrown from the gallery. The terrorist threw wildly though and the bomb exploded in a box. Consummate artist that she was, her courage never failed her. She never lost her nerve in a crisis and in New Orleans, as the overcrowded gallery was starting to sink, she calmed the audience by singing’ Home, Sweet, Home’ without accompaniment allowing a safe evacuation to take place! A similar event took place in Budapest where someone had screamed out, Fire!’ and Patti calmed the audience.

Perhaps we should finish with the judgement of Eduard Hanslick, arguably the greatest music critic of the nineteenth century, ‘he had heard more brilliant voices, seen more sophisticated actresses, and more beautiful women, but Patti’s appeal consisted in making him forget them.’

ADELINA PATTI, SOPRANO, FEBRUARY 19, 1843

On the 19 February 1843 Adelina Patti was born in Madrid, the daughter of Sicilian parents, who were both professional singers, her father a tenor and her mother a soprano. With such a start no wonder the great composer Giuseppe Verdi was able to say of her, ‘She is perfectly organised. Perfect balance between singer and actress, a born artist in every sense of the word.’ Verdi when asked which three sopranos were his favourites, famously replied, ‘First, Adelina; second, Adelina; third, Adelina.’ Yet George Bernard Shaw when writing about Patti in 1888, noted that she would, ‘bow to you in the agony of stage death if you only dropped your stick accidentally.’

According to John Roselli, Patti was in real terms the highest paid opera singer in history. Patti commanded 10,000 francs per performance when average colleagues would make anything between 500 to 1,000 francs per month! She was gifted not only with a pure voice, doll-like looks and acting but, ‘a notable competence in running her career and a will of iron.’ In her heyday she was better paid than such notable thespian contemporaries, Sarah Bernhardt and Henry Irving, not to mention her operatic colleagues. What did she do with this fortune you may ask? Patti was able buy a Welsh castle, Craig-y-Nos, with her second husband and in her 150 seat private theatre perform for invited guests. This was inaugurated on 12 August 1891 with the first act of la Traviata and the third act of Faust. Patti’s husband sang the role of Mephistopheles in the latter. You can still see both the castle and theatre as its now a hotel. What is sadly also true is that although, ‘the best singers still earn well,.. the greater economic and social equality of our time is incompatible with fees at Patti level.’ But despite being lady of the manor in Craig-y-Nos, we must also remember that Adelina Patti sang an annual charity concert in Swansea

Yet it would be churlish to view Adelina Patti from the perspective of her success. In New York the conductor Giulio Arditi, in his memoirs noted the young girl, ‘first selected a comfortable seat for her doll in such proximity that she was able to see her while singing,’ and when young Adelina sang, I wept genuine tears of emotion, tears which were the outcome of the original and never-to-be-forgotten impression her voice made when it first stirred our innermost feelings…’ Whatever Patti possessed vocally, it was something any lover of classical singing must surely regret not having been able to hear. At her London debut in la Sonnambula in 1861 one critic wrote, ‘Mdlle. Patti is a triumphant refutation of the assumption that art and genius have deserted the operatic stage,’

Her career was guided from the start. Her first teacher, her brother-in-law, Maurice Strakosch, decided she must stop singing at age ten to allow her voice to develop. She did make her debut at age sixteen in the title role of Lucia di Lammermoor!

A curious incident in San Francisco in 1884 is that the greatest operatic performer of her age survived an attempt to murder her with a bomb thrown from the gallery. The terrorist threw wildly though and the bomb exploded in a box. Consummate artist that she was, her courage never failed her. She never lost her nerve in a crisis and in New Orleans, as the overcrowded gallery was starting to sink, she calmed the audience by singing’ Home, Sweet, Home’ without accompaniment allowing a safe evacuation to take place! A similar event took place in Budapest where someone had screamed out, Fire!’ and Patti calmed the audience.

Perhaps we should finish with the judgement of Eduard Hanslick, arguably the greatest music critic of the nineteenth century, ‘he had heard more brilliant voices, seen more sophisticated actresses, and more beautiful women, but Patti’s appeal consisted in making him forget them.’

SHORT007 AN INCLUSIVE DISCOVERY AT THE PUCCINI BIRTH HOUSE MUSEUM

What inclusive discovery did Gyaan Lyon aka The Voice Detective make at the Puccini Birth House Museum in Lucca, Italy? Watch to find out….

SHORT007 AN INCLUSIVE DISCOVERY AT THE PUCCINI BIRTH HOUSE MUSEUM

What inclusive discovery did Gyaan Lyon aka The Voice Detective make at the Puccini Birth House Museum in Lucca, Italy? Watch to find out….

HN005 Neapolitan Song: The French Connection

No, this is not about organised crime.

Its about the establishment of a canon of Neapolitan song in the early years of the 19th Century. Scholars have debated the origins and sources of Neapolitan song for many decades, but one thing on which all agree, is that without the transcription and composition of Neapolitan song undertaken by a Frenchman, Guillaume Cottrau, and published by him from 1824 to 1829, we would not have Neapolitan songs as we know them.

Cottrau was born in Paris, but came to Naples as a child, and became to all intents and purposes, a Neapolitan by inclination and adoption without losing his French roots. When his family returned to Paris, Cottrau himself had put down firm roots in Naples and had married into a Neapolitan family as well.

Cottrau collected and transcribed the music that he found in the streets, highways, and countryside. He also published these songs, under the title of Passatempi musicale for the fast growing bourgeois salons where a piano was the instrument de rigeur, and in so doing added, transformed, re-wrote and even composed his own Neapolitan songs. How far he went in changing the words, music and character we may never know. What we do know though, is that without his work, many songs would have been lost forever, and so we must be grateful for what he saved. Through his French connection, his publishing house Girard, spread Neapolitan song throughout Europe and beyond, and today it is a recognisable music the world over.

HN005 Neapolitan Song: The French Connection

No, this is not about organised crime.

Its about the establishment of a canon of Neapolitan song in the early years of the 19th Century. Scholars have debated the origins and sources of Neapolitan song for many decades, but one thing on which all agree, is that without the transcription and composition of Neapolitan song undertaken by a Frenchman, Guillaume Cottrau, and published by him from 1824 to 1829, we would not have Neapolitan songs as we know them.

Cottrau was born in Paris, but came to Naples as a child, and became to all intents and purposes, a Neapolitan by inclination and adoption without losing his French roots. When his family returned to Paris, Cottrau himself had put down firm roots in Naples and had married into a Neapolitan family as well.

Cottrau collected and transcribed the music that he found in the streets, highways, and countryside. He also published these songs, under the title of Passatempi musicale for the fast growing bourgeois salons where a piano was the instrument de rigeur, and in so doing added, transformed, re-wrote and even composed his own Neapolitan songs. How far he went in changing the words, music and character we may never know. What we do know though, is that without his work, many songs would have been lost forever, and so we must be grateful for what he saved. Through his French connection, his publishing house Girard, spread Neapolitan song throughout Europe and beyond, and today it is a recognisable music the world over.

Maria Callas, Sopran, 2. Dezember 1923

Maris Callas ist eine griechische Emigrantin, wurde in Griechenland gezeugt und in New York geboren. Sie wurde auf den Namen Cecilia Sophia Anna Maria Callas getauft, und ihre Namensvetterin, die heilige Cäcilia, die Schutzpatronin der Musik, kam ihr in diesem Fall besonders zugute!

Das tatsächliche Geburtsdatum ist umstritten, aber wenn man dieses Zitat aus dem Buch von Stelios Galatopoulos, Maria Callas La Divina, berücksichtigt, hat Maria das letzte Wort. „Das tatsächliche Geburtsdatum ist ungewiss. In Maria Callas‘ Reisepass ist der 2. und in Groves Wörterbuch der 3. angegeben, aber Callas‘ Mutter erinnert sich an den 4.. Callas selbst betrachtet den 4. als ihren Geburtstag, hauptsächlich, um natürlich mit ihrer Mutter übereinzustimmen, und auch, weil die heilige Barbara die Schutzpatronin der Artillerie ist, für die Callas sagt, dass sie eine besondere Verehrung empfindet.“ 

Kurz gesagt, Maria Callas war eine erstaunliche Naturgewalt. Ihr Instrument umfasste viele Stimmkategorien, die sie mit größter Kunstfertigkeit und Musikalität über das vielfältige Opernrepertoire hinweg einsetzte, das sie beherrschte, und das allen Zeugenberichten zufolge auf höchst faszinierende und absolut unvergessliche Weise.

Wenn man ihr nicht klassifizierbares Instrument klassifizieren müsste, würde es wahrscheinlich in die Kategorie Soprano dramatico d'agilitá fallen, eine Stimme mit enormem Umfang, die einen blumigen Stil mit dramatischen Akzenten beherrscht, die ihr eine sehr bewegende Klangqualität verleihen. Die Stimme besaß ein großes Volumen im Vergleich zu dem, was ein heutiger dramatischer Sopran legitimerweise aufweisen würde, sowie die umfassende Bruststimme eines echten Mezzosoprans.

Als die Leitung des Scala-Theaters ihr schließlich einen Vertrag als Primadonna in ihrem eigenen Recht nicht mehr verweigern konnte und nicht nur als Ersatz für den erkrankten und beliebtesten Star der damaligen Zeit, Renate Tebaldi,, erlangte sie schwindelerregende Höhen zum Opernstar, der weltweite Berühmtheit und Bewunderung erlangte.

Mit Callas hatte La Scala eine Sängerin, die in der Lage war, die lange vernachlässigten Belcanto-Opern wiederzubeleben. La Scala war so abhängig von Callas' Fähigkeiten, dass sie keine andere lebende Sängerin finden konnte, die die Rolle von Donizettis Anna Bolena für den geplanten Russlandbesuch 1964-1965 singen konnte. Callas lehnte die Teilnahme ab, da ihr für diese Saison keine anderen Rollen an La Scala angeboten wurden.

Ihre Stimme und Mystik haben dazu geführt, dass viele Bücher, Theorien und Filme über sie gedreht wurden.

Um eine Vorstellung von der Aufsehen erregenden Wirkung zu vermitteln, die sie auslöste, lassen wir andere, die sie kannten und ihre Auftritte miterlebten, in Erinnerungen schwelgen.

Als Giuseppe di Stefano, sein Freund und die andere Hälfte des Opern-Dreamteams, das er mit Callas bildete, in einem Interview gebeten wurde, seine beiden Hauptdarstellerinnen zu vergleichen, antwortete er: „Tebaldi hatte die schönste Stimme der Welt“, sagt er. „Maria hatte vier verschiedene Stimmen, aber sie war die ausdrucksstärkste Sängerin, die ich je erlebt habe. Sie war eine wahre Künstlerin. Sie sorgte für Schlagzeilen, aber sie wollte immer nur als ‚die Andere‘ behandelt werden (der im Tebaldi/Callas-Lager gebräuchliche Begriff für die gegensätzliche Diva).“

Madame Biki, eine der berühmtesten Modeschöpferinnen Italiens in den 40er-60er-Jahren, entwarf für Maria Callas und trug dazu bei, dass Callas zu einer Stilikone ihrer Zeit wurde. Der Name Biki war übrigens der Spitzname, den ihr Stiefgroßvater ihr gab, der kein anderer als Giacomo Puccini selbst war. Im Vorwort zu Maria Callas La Divina schrieb sie: „Mode: Das ist der Grund, warum Maria zuerst zu mir kam, und das war keineswegs ein unbedeutender oder irrelevanter Grund. Die Eleganz der Callas, sowohl auf der Bühne als auch im Leben, war einer ihrer vielen Triumphe. Maria Callas ist eine herausragende Persönlichkeit: ein Leben auf dem Höhepunkt. Sie ist vergleichbar mit Persönlichkeiten unserer Zeit wie Picasso, Cocteau und Chaplin, denn in ihrer Kunst übt sie denselben revolutionären und aufregenden Einfluss aus, den diese in ihrer Kunst hatten und haben. Und wie alle von ihnen hat sie Kunst und Leben nie nach zwei verschiedenen Maßstäben beurteilt. In der Kunst – wie im Leben – gibt es keinen Unterschied zwischen kleineren und größeren Dingen. „Alles ist wichtig.“

Von Michael Scott, dem Opernregisseur und Callas-Biografen, erfahren wir folgende erstaunliche Anekdote: „Der große Wendepunkt in Callas‘ Karriere ereignete sich 1949 in Venedig. Sie sollte die Rolle der Brünnhilde in Die Walküre am Teatro la Fenice singen, als Margherita Carosio, die im selben Theater die Elvira in I puritani singen sollte, erkrankte. Da er keinen Ersatz für Carosio finden konnte, teilte Serafin Callas mit, dass sie die Elvira in sechs Tagen singen würde; als Callas protestierte, dass sie die Rolle nicht nur nicht kenne, sondern auch noch drei weitere Brünnhildes zu singen habe, sagte er ihr: „Das garantiere ich Ihnen.“ In den Worten von Michael Scott: „Die Vorstellung, dass eine Sängerin in derselben Karriere Musikstücke mit so unterschiedlichen stimmlichen Anforderungen wie Wagners Brünnhilde und Bellinis Elvira singen könnte, wäre Grund genug für Überraschungen gewesen; aber der Versuch, sie beide in derselben Saison zu sangen, schien eine Größenwahnvorstellung zu sein.“ Scott behauptete: „Von all den vielen Rollen, die Callas übernahm, ist es fraglich, ob eine eine weitreichendere Wirkung hatte.“ Dieser erste Ausflug in das Belcanto-Repertoire veränderte den Lauf von Callas‘ Karriere und brachte sie auf einen Weg, der zu Lucia di Lammermoor, La traviata, Armida, La sonnambula, Il pirata, Il turco in Italia, Medea und Anna Bolena führte, und weckte erneut ihr Interesse an den lange vernachlässigten Opern von Cherubini, Bellini, Donizetti und Rossini.‘

Es ist bekannt, dass Callas mit dem Film- und Opernregisseur Franco Zeffirelli zusammenarbeitete und ihn bewunderte. Er fasste ihren künstlerischen Charakter folgendermaßen zusammen: „Hinter den Kulissen ist Maria ein ganz normales Mädchen, aber wenn sie auf die Bühne geht oder sogar über ihre Arbeit spricht oder anfängt, eine Melodie zu summen, nimmt sie sofort diese zusätzliche Qualität an.“

Für mich ist Maria immer ein Wunder. Man kann sie weder verstehen noch erklären. Man kann alles erklären, was [Laurence] Olivier tut, denn es ist alles Teil eines professionellen Genies. Aber Maria kann von nichts zu allem wechseln, von der Erde zum Himmel. Was hat diese Frau? Ich weiß es nicht, aber wenn dieses Wunder geschieht, ist sie eine neue Seele, ein neues Wesen.‘

Sir Rudolf Bing, Direktor der Metropolitan Opera, drückte ähnliche Gefühle aus: „Wenn man Maria Callas einmal in einer Rolle gehört und gesehen hat – man kann es nicht wirklich unterscheiden –, war es danach sehr schwer, irgendeine andere Künstlerin zu genießen, egal wie großartig sie war, weil sie jeder Rolle, die sie sang und spielte, eine so unglaubliche Persönlichkeit und Leben einhauchte. Eine Bewegung ihrer Hand war mehr, als eine andere Künstlerin in einem ganzen Akt tun könnte.“
Der Dirigent Carlo Maria Giulini erinnerte sich: „Es ist sehr schwierig, über die Stimme der Callas zu sprechen. Ihre Stimme war ein ganz besonderes Instrument. Bei Streichinstrumenten – Geige, Bratsche, Cello – passiert manchmal etwas: Wenn man den Klang dieses Instruments zum ersten Mal hört, ist das erste Gefühl manchmal etwas seltsam. Aber nach nur wenigen Minuten, wenn man sich daran gewöhnt hat, wenn man sich mit dieser Art von Klang angefreundet hat, dann bekommt der Klang eine magische Qualität. Das war Callas.“

Der Biograph Stelios Galatopolous, der Callas‘ italienisches Debüt in „La Gioconda“ in Verona im Jahr 1947 und ihr Debüt in Covent Garden als Norma im Jahr 1952 sowie über einhundert ihrer Auftritte miterlebte, erinnerte sich in seinem Buch: „Am 8. November 1952 gab Callas ihr Londoner Debüt und sorgte in Bellinis „Norma“ für eine Sensation, von der noch viele Jahre später diejenigen sprachen, die die Aufführungen als das Größte betrachteten, was sie jemals auf der Opernbühne gehört hatten.“

„Dennoch gab es einen Kritiker, der nicht bedingungslos aufgeben wollte. Der verstorbene Ernest Newman war nach der Vorstellung im Foyer von Covent Garden von einer Menschenmenge umringt, die seine Meinung hören wollte. Schließlich war er [damals] der älteste Musikkritiker in London und der einzige, der einige der großen Normas der Vergangenheit gehört hatte. Newman sagte sehr wenig: „Sie war wunderbar, wirklich wunderbar.“ Und dann hob er seinen Regenschirm und sagte mit fast hoher Stimme: „Aber sie ist keine Ponselle.“‘

Sogar bei ihren letzten Opernauftritten, als man feststellte, dass sie nicht mehr über ihre volle Stimmkraft verfügte, konnte sie immer noch Bewunderung von höchster Ebene auf sich ziehen. 1965 beschrieb „Clarendon, der vielleicht bedeutendste Musikkritiker Frankreichs, die Aufführung als ein unvergessliches Theatererlebnis. Ich habe Puccinis Tosca viele Male gesehen – Hunderte, aber letzte Nacht war ich überzeugt, dass es wirklich das erste Mal war“, schrieb er.

1969 besetzte der italienische Filmemacher Pier Paolo Pasolini Callas in seinem gleichnamigen Film in ihrer einzigen nicht-opernhaften Schauspielrolle als griechische mythologische Figur Medea. Der Film war kein kommerzieller Erfolg, aber als Callas‘ einziger Filmauftritt dokumentiert er etwas von ihrer Bühnenpräsenz.
Von Oktober 1971 bis März 1972 gab Callas eine Reihe von Meisterkursen an der Juilliard School in New York. Diese Kurse bildeten später die Grundlage für Terrence McNallys Theaterstück Master Class aus dem Jahr 1995.
Callas gab 1973 eine Reihe gemeinsamer Konzerte in Europa und 1974 in den USA, Südkorea und Japan mit dem Tenor Giuseppe di Stefano. Aus kritischer Sicht war dies ein musikalisches Desaster, da beide Interpreten nicht mehr auf dem Höhepunkt ihrer Leistungsfähigkeit waren.
Trotzdem war die Tournee ein enormer Publikumserfolg. Das Publikum strömte herbei, um die beiden Künstler zu hören, die in ihrer Blütezeit so oft zusammen aufgetreten waren. Ihr letzter öffentlicher Auftritt war am 11. November 1974 in Sapporo, Japan. Callas und di Stefano hätten Ende 1975 in Japan in vier Bühnenaufführungen von Tosca zusammen auftreten sollen, aber Callas sagte ab.
Traurigerweise verstarb sie nach einem relativ frühen Rückzug von der Bühne 1977 im Alter von 53 Jahren in Paris. Ihre Asche wurde nach Griechenland zurückgebracht und in der Ägäis verstreut.

2007 erhielt Callas posthum den Grammy Lifetime Achievement Award. Im selben Jahr wurde sie vom BBC Music Magazine zur größten Sopranistin aller Zeiten gewählt.

Auch in jüngerer Zeit fasziniert die Callas die Welt noch immer. 2017 drehte der Filmregisseur Tom Volf den französischen Dokumentarfilm Maria by Maria, der auf Interviews, Briefen und Auftritten basiert und ihre Geschichte erzählt. 2024 feierte das Biopic Callas, gespielt von Angelina Jolie und unter der Regie von Pablo Larraín, seine Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig, wo Jolie acht Minuten stehende Ovationen erhielt, die an die von „La Divina“ auf dem Höhepunkt ihres Ruhms erinnerten.

Maria Callas, Sopran, 2. Dezember 1923

Maris Callas ist eine griechische Emigrantin, wurde in Griechenland gezeugt und in New York geboren. Sie wurde auf den Namen Cecilia Sophia Anna Maria Callas getauft, und ihre Namensvetterin, die heilige Cäcilia, die Schutzpatronin der Musik, kam ihr in diesem Fall besonders zugute!

Das tatsächliche Geburtsdatum ist umstritten, aber wenn man dieses Zitat aus dem Buch von Stelios Galatopoulos, Maria Callas La Divina, berücksichtigt, hat Maria das letzte Wort. „Das tatsächliche Geburtsdatum ist ungewiss. In Maria Callas‘ Reisepass ist der 2. und in Groves Wörterbuch der 3. angegeben, aber Callas‘ Mutter erinnert sich an den 4.. Callas selbst betrachtet den 4. als ihren Geburtstag, hauptsächlich, um natürlich mit ihrer Mutter übereinzustimmen, und auch, weil die heilige Barbara die Schutzpatronin der Artillerie ist, für die Callas sagt, dass sie eine besondere Verehrung empfindet.“ 

Kurz gesagt, Maria Callas war eine erstaunliche Naturgewalt. Ihr Instrument umfasste viele Stimmkategorien, die sie mit größter Kunstfertigkeit und Musikalität über das vielfältige Opernrepertoire hinweg einsetzte, das sie beherrschte, und das allen Zeugenberichten zufolge auf höchst faszinierende und absolut unvergessliche Weise.

Wenn man ihr nicht klassifizierbares Instrument klassifizieren müsste, würde es wahrscheinlich in die Kategorie Soprano dramatico d'agilitá fallen, eine Stimme mit enormem Umfang, die einen blumigen Stil mit dramatischen Akzenten beherrscht, die ihr eine sehr bewegende Klangqualität verleihen. Die Stimme besaß ein großes Volumen im Vergleich zu dem, was ein heutiger dramatischer Sopran legitimerweise aufweisen würde, sowie die umfassende Bruststimme eines echten Mezzosoprans.

Als die Leitung des Scala-Theaters ihr schließlich einen Vertrag als Primadonna in ihrem eigenen Recht nicht mehr verweigern konnte und nicht nur als Ersatz für den erkrankten und beliebtesten Star der damaligen Zeit, Renate Tebaldi,, erlangte sie schwindelerregende Höhen zum Opernstar, der weltweite Berühmtheit und Bewunderung erlangte.

Mit Callas hatte La Scala eine Sängerin, die in der Lage war, die lange vernachlässigten Belcanto-Opern wiederzubeleben. La Scala war so abhängig von Callas' Fähigkeiten, dass sie keine andere lebende Sängerin finden konnte, die die Rolle von Donizettis Anna Bolena für den geplanten Russlandbesuch 1964-1965 singen konnte. Callas lehnte die Teilnahme ab, da ihr für diese Saison keine anderen Rollen an La Scala angeboten wurden.

Ihre Stimme und Mystik haben dazu geführt, dass viele Bücher, Theorien und Filme über sie gedreht wurden.

Um eine Vorstellung von der Aufsehen erregenden Wirkung zu vermitteln, die sie auslöste, lassen wir andere, die sie kannten und ihre Auftritte miterlebten, in Erinnerungen schwelgen.

Als Giuseppe di Stefano, sein Freund und die andere Hälfte des Opern-Dreamteams, das er mit Callas bildete, in einem Interview gebeten wurde, seine beiden Hauptdarstellerinnen zu vergleichen, antwortete er: „Tebaldi hatte die schönste Stimme der Welt“, sagt er. „Maria hatte vier verschiedene Stimmen, aber sie war die ausdrucksstärkste Sängerin, die ich je erlebt habe. Sie war eine wahre Künstlerin. Sie sorgte für Schlagzeilen, aber sie wollte immer nur als ‚die Andere‘ behandelt werden (der im Tebaldi/Callas-Lager gebräuchliche Begriff für die gegensätzliche Diva).“

Madame Biki, eine der berühmtesten Modeschöpferinnen Italiens in den 40er-60er-Jahren, entwarf für Maria Callas und trug dazu bei, dass Callas zu einer Stilikone ihrer Zeit wurde. Der Name Biki war übrigens der Spitzname, den ihr Stiefgroßvater ihr gab, der kein anderer als Giacomo Puccini selbst war. Im Vorwort zu Maria Callas La Divina schrieb sie: „Mode: Das ist der Grund, warum Maria zuerst zu mir kam, und das war keineswegs ein unbedeutender oder irrelevanter Grund. Die Eleganz der Callas, sowohl auf der Bühne als auch im Leben, war einer ihrer vielen Triumphe. Maria Callas ist eine herausragende Persönlichkeit: ein Leben auf dem Höhepunkt. Sie ist vergleichbar mit Persönlichkeiten unserer Zeit wie Picasso, Cocteau und Chaplin, denn in ihrer Kunst übt sie denselben revolutionären und aufregenden Einfluss aus, den diese in ihrer Kunst hatten und haben. Und wie alle von ihnen hat sie Kunst und Leben nie nach zwei verschiedenen Maßstäben beurteilt. In der Kunst – wie im Leben – gibt es keinen Unterschied zwischen kleineren und größeren Dingen. „Alles ist wichtig.“

Von Michael Scott, dem Opernregisseur und Callas-Biografen, erfahren wir folgende erstaunliche Anekdote: „Der große Wendepunkt in Callas‘ Karriere ereignete sich 1949 in Venedig. Sie sollte die Rolle der Brünnhilde in Die Walküre am Teatro la Fenice singen, als Margherita Carosio, die im selben Theater die Elvira in I puritani singen sollte, erkrankte. Da er keinen Ersatz für Carosio finden konnte, teilte Serafin Callas mit, dass sie die Elvira in sechs Tagen singen würde; als Callas protestierte, dass sie die Rolle nicht nur nicht kenne, sondern auch noch drei weitere Brünnhildes zu singen habe, sagte er ihr: „Das garantiere ich Ihnen.“ In den Worten von Michael Scott: „Die Vorstellung, dass eine Sängerin in derselben Karriere Musikstücke mit so unterschiedlichen stimmlichen Anforderungen wie Wagners Brünnhilde und Bellinis Elvira singen könnte, wäre Grund genug für Überraschungen gewesen; aber der Versuch, sie beide in derselben Saison zu sangen, schien eine Größenwahnvorstellung zu sein.“ Scott behauptete: „Von all den vielen Rollen, die Callas übernahm, ist es fraglich, ob eine eine weitreichendere Wirkung hatte.“ Dieser erste Ausflug in das Belcanto-Repertoire veränderte den Lauf von Callas‘ Karriere und brachte sie auf einen Weg, der zu Lucia di Lammermoor, La traviata, Armida, La sonnambula, Il pirata, Il turco in Italia, Medea und Anna Bolena führte, und weckte erneut ihr Interesse an den lange vernachlässigten Opern von Cherubini, Bellini, Donizetti und Rossini.‘

Es ist bekannt, dass Callas mit dem Film- und Opernregisseur Franco Zeffirelli zusammenarbeitete und ihn bewunderte. Er fasste ihren künstlerischen Charakter folgendermaßen zusammen: „Hinter den Kulissen ist Maria ein ganz normales Mädchen, aber wenn sie auf die Bühne geht oder sogar über ihre Arbeit spricht oder anfängt, eine Melodie zu summen, nimmt sie sofort diese zusätzliche Qualität an.“

Für mich ist Maria immer ein Wunder. Man kann sie weder verstehen noch erklären. Man kann alles erklären, was [Laurence] Olivier tut, denn es ist alles Teil eines professionellen Genies. Aber Maria kann von nichts zu allem wechseln, von der Erde zum Himmel. Was hat diese Frau? Ich weiß es nicht, aber wenn dieses Wunder geschieht, ist sie eine neue Seele, ein neues Wesen.‘

Sir Rudolf Bing, Direktor der Metropolitan Opera, drückte ähnliche Gefühle aus: „Wenn man Maria Callas einmal in einer Rolle gehört und gesehen hat – man kann es nicht wirklich unterscheiden –, war es danach sehr schwer, irgendeine andere Künstlerin zu genießen, egal wie großartig sie war, weil sie jeder Rolle, die sie sang und spielte, eine so unglaubliche Persönlichkeit und Leben einhauchte. Eine Bewegung ihrer Hand war mehr, als eine andere Künstlerin in einem ganzen Akt tun könnte.“
Der Dirigent Carlo Maria Giulini erinnerte sich: „Es ist sehr schwierig, über die Stimme der Callas zu sprechen. Ihre Stimme war ein ganz besonderes Instrument. Bei Streichinstrumenten – Geige, Bratsche, Cello – passiert manchmal etwas: Wenn man den Klang dieses Instruments zum ersten Mal hört, ist das erste Gefühl manchmal etwas seltsam. Aber nach nur wenigen Minuten, wenn man sich daran gewöhnt hat, wenn man sich mit dieser Art von Klang angefreundet hat, dann bekommt der Klang eine magische Qualität. Das war Callas.“

Der Biograph Stelios Galatopolous, der Callas‘ italienisches Debüt in „La Gioconda“ in Verona im Jahr 1947 und ihr Debüt in Covent Garden als Norma im Jahr 1952 sowie über einhundert ihrer Auftritte miterlebte, erinnerte sich in seinem Buch: „Am 8. November 1952 gab Callas ihr Londoner Debüt und sorgte in Bellinis „Norma“ für eine Sensation, von der noch viele Jahre später diejenigen sprachen, die die Aufführungen als das Größte betrachteten, was sie jemals auf der Opernbühne gehört hatten.“

„Dennoch gab es einen Kritiker, der nicht bedingungslos aufgeben wollte. Der verstorbene Ernest Newman war nach der Vorstellung im Foyer von Covent Garden von einer Menschenmenge umringt, die seine Meinung hören wollte. Schließlich war er [damals] der älteste Musikkritiker in London und der einzige, der einige der großen Normas der Vergangenheit gehört hatte. Newman sagte sehr wenig: „Sie war wunderbar, wirklich wunderbar.“ Und dann hob er seinen Regenschirm und sagte mit fast hoher Stimme: „Aber sie ist keine Ponselle.“‘

Sogar bei ihren letzten Opernauftritten, als man feststellte, dass sie nicht mehr über ihre volle Stimmkraft verfügte, konnte sie immer noch Bewunderung von höchster Ebene auf sich ziehen. 1965 beschrieb „Clarendon, der vielleicht bedeutendste Musikkritiker Frankreichs, die Aufführung als ein unvergessliches Theatererlebnis. Ich habe Puccinis Tosca viele Male gesehen – Hunderte, aber letzte Nacht war ich überzeugt, dass es wirklich das erste Mal war“, schrieb er.

1969 besetzte der italienische Filmemacher Pier Paolo Pasolini Callas in seinem gleichnamigen Film in ihrer einzigen nicht-opernhaften Schauspielrolle als griechische mythologische Figur Medea. Der Film war kein kommerzieller Erfolg, aber als Callas‘ einziger Filmauftritt dokumentiert er etwas von ihrer Bühnenpräsenz.
Von Oktober 1971 bis März 1972 gab Callas eine Reihe von Meisterkursen an der Juilliard School in New York. Diese Kurse bildeten später die Grundlage für Terrence McNallys Theaterstück Master Class aus dem Jahr 1995.
Callas gab 1973 eine Reihe gemeinsamer Konzerte in Europa und 1974 in den USA, Südkorea und Japan mit dem Tenor Giuseppe di Stefano. Aus kritischer Sicht war dies ein musikalisches Desaster, da beide Interpreten nicht mehr auf dem Höhepunkt ihrer Leistungsfähigkeit waren.
Trotzdem war die Tournee ein enormer Publikumserfolg. Das Publikum strömte herbei, um die beiden Künstler zu hören, die in ihrer Blütezeit so oft zusammen aufgetreten waren. Ihr letzter öffentlicher Auftritt war am 11. November 1974 in Sapporo, Japan. Callas und di Stefano hätten Ende 1975 in Japan in vier Bühnenaufführungen von Tosca zusammen auftreten sollen, aber Callas sagte ab.
Traurigerweise verstarb sie nach einem relativ frühen Rückzug von der Bühne 1977 im Alter von 53 Jahren in Paris. Ihre Asche wurde nach Griechenland zurückgebracht und in der Ägäis verstreut.

2007 erhielt Callas posthum den Grammy Lifetime Achievement Award. Im selben Jahr wurde sie vom BBC Music Magazine zur größten Sopranistin aller Zeiten gewählt.

Auch in jüngerer Zeit fasziniert die Callas die Welt noch immer. 2017 drehte der Filmregisseur Tom Volf den französischen Dokumentarfilm Maria by Maria, der auf Interviews, Briefen und Auftritten basiert und ihre Geschichte erzählt. 2024 feierte das Biopic Callas, gespielt von Angelina Jolie und unter der Regie von Pablo Larraín, seine Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig, wo Jolie acht Minuten stehende Ovationen erhielt, die an die von „La Divina“ auf dem Höhepunkt ihres Ruhms erinnerten.